Ficha Técnica:

Título para Latinoamérica: Manchester / Manchester junto al mar.

Título original: Manchester by the Sea.

Dirección y Guión: Kenneth Lonergan.

Género: Drama – Apta para mayores de 13 años. 

Reparto: Casey Affleck, Michelle Williams, Lucas Hedges, Kyle Chandler, Gretchen Mol, Tate Donovan.

Productora: Pearl Street Films, Big Indie Pictures, CMP Entertainment, K Period Media, B Story, The Affleck/Middleton Project. 

Distribución: Universal Pictures – Montaje: Jennifer Lame.

Música: Lesley Barber – País: EE.UU.

Año producción: 2016 – Duración: 135 min. Estreno: 23/02/ 2017. 

El Cine Independiente está desplazando a la poderosa industria de Hollywood. “Moonlight”, destronó al Óscar al número puesto “La La Land”, como Mejor Película en un tenso final digno de una comedia de enredos. El film tuvo un costo de un millón y medio de dólares, presupuesto inexistente si se compara con los grandes estudios. Así, Casey Affleck –protagonista de Manchester– alzó las distinciones a Mejor Actor en los “Independent Spirit” y el “Premio de la Academia”. Manchester by the Sea (2016), está en esa sintonía Indie y marca tendencia. 

Natural de New York, el cineasta y dramaturgo Kenneth Lonergan, también signa la historia como guionista y escritor: Premio Óscar /BAFTA / y de la Crítica Cinematográfica, al Mejor Guión por “Manchester”, su tercer largometraje. Una historia minimalista, el drama interior de un sujeto que atraviesa la pérdida absoluta. Un hombre sin presente y sin futuro. La crisis existencial y una identidad esquiva. 

El director de Margaret (2011), inscribe un drama ficcional con magistral profundidad narrativa. Todo un hallazgo. Una historia donde el pesimismo y la soledad ontológica tiñe cada fotograma con poética sui géneris. La primera apertura de plano y la conclusión (como indican los manuales de cine), se asocian en la metáfora que trasciende: “el bote; el tío - el esobrino y el amor filial”, es la imponente imagen cristalizada que conceptualiza. Con todo, ¿deja lugar a la esperanza? El realismo –naturalismo citadino–, parece no dar lugar a segundas partes. 

Argumento. Lee Chandler (Casey Affleck), es un individuo que podemos definirlo por su psicología como “un gris”, sin esperanza, que pasa una existencia aburrida, melancólica. Un bueno para nada. Como “El Hombre Mediocre”, de José Ingenieros: “El hombre mediocre es una sombra proyectada por la sociedad”. Forzado a subsistir en los márgenes, ajeno a todo contacto humano que pueda significar algo real. Un hombre que apenas puede con el aquí y ahora, carente de futuro. Hace su trabajo de conserje (fontanero, electricista, un “todoterreno”) en una comunidad de Boston, pero con la cabeza agachada y sin levantar la vista, imperturbable tanto ante el coqueteo de una vecina (con fantasías eróticas), como ante las quejas de un cliente insatisfecho. ¿Por qué todo le da igual?... Su apatía es manifiesta. 

Un día recibe una llamada que lo atormenta: su hermano, Joe Chandler (Kyle Chandler), un paciente terminal, que le obliga a regresar a su pueblo natal, Manchester. Un lugar del que partió tiempo atrás tras la incapacidad de manejar una tragedia familiar de la que se hace responsable y lo abruma. Inmerso en trámites funerarios, debe hacerse responsable y tutor de su sobrino Patrick (Lucas Hedges), un adolescente de 17 años. Merced a dicho tutelaje, Lee se descrubre como sujeto y sus limitaciones al tiempo que su sobríno madura en expertez. Tío y sobrino, conviven con la pérdida y el dolor de ya no ser. Ahí, lo mejores pasajes narrativos de la trama. 

Los protagónicos: Randi (Michelle Williams), el contrapunto de Lee, le aporta frescura y madurez a las decisiones. La ex-mujer, con su dureza primero, y luego con el coqueteo, imprimen realismo al perfil del hombre de carácter de hierrro. Casey Affleck, es mejor actor sin necesidad de mediar una palabra que su hermano Ben, pero la abrumadora premiación universal resulta al menos sospechosa. Tiene un gran potencial. “Manchester by the Sea” es precisamente eso, una fotografía descarnada de cicatrices abiertas; es la epidermis de un hombre culposo incapaz de recomponer su vida implosionada. 

Si bien la estética es “Independiente”, y se nota, los recursos de autor no: con inteligencia utiliza los conectores de tiempo y espacio; las elipsis narrativas, como opera consumada a lo Hollywood. La partitura musical de Lesley Barberes y su armonía incidental, nos sumerge en el mar de los personajes con el majestuoso adagio en sol menor de Tomaso Albinoni, ejecutado por Filarmónica de Londres y otros pasajes sonoros que asocian la imagen, los textos y los sentimientos. Sin demasiadas pretensiones a priori, termina concluyendo como un gran proyecto fílmico. No es poco. 

Una historia discreta e intimista, sin sobresaltos. “Cine de Sentimientos”. Un film con ADN Indie, que escapa de los estereotipos y clisés sentimentaloides. políticamente correctos. Habla en primera persona al espectador sin rodeos. 135 minutos que se notan. El ritmo enlentece y no condensa. Se expone lo previsible. Para una cancelación de la obra sin estertores o crepitantes. Sencilla, simple y profunda. Como era en un principio: el bote; el tío - el esobrino y el amor filial. 

“El hombre mediocre es una sombra proyectada por la sociedad”

“Sin la sombra ignoraríamos el valor de la luz” (José Ingenieros, El Hombre Mediocre, 1913)

Casey Affleck y Lucas Hedges: una historia minimalista que trasciende el fotograma. El ser frente a la pérdida absoluta, la soledad existencial del hombre mediocre. Cine Indie que marca tendencia.

Gustavo Contarelli

Puntaje de la película: 4 Tribunas 

Puntaje actor protagónico: Casey Affleck 5 Tribunas ¡Excelente!

Referencias: 

5 Tribunas: excelente /imperdible

4 Tribunas: muy buena

3 Tribunas: correcta / buena

2 Tribunas: regular

1 Tribunas: mala /pésima

Cierta vez un cineasta argentino me dijo al entrevistarlo: “el cine, es una de las pocas políticas de Estado que se continúan en el tiempo”. ¡Albricias! La historia da la razón a ese aserto.

El Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), en marzo de 2014, a partir de la ley 17.741, crea el ambicioso Programa Espacios INCAA con el fin de: “Garantizar la exhibición de las producciones cinematográficas argentinas, incluidas las de estreno comercial, paso digital, o menores y cortometrajes en todo el territorio nacional”. El primer Espacio INCAA – la casa matriz del cine argentino – fue la sala Gaumont, frente a la estratégica Plaza Congreso, marcando el Kilómetro 0 del país. A partir de ese hito, las salas se multiplicaron el todo el territorio nacional. (1) 

Ahora, desde el lunes 3 de abril de 2017, los Espacios INCAA se denominan CINE.AR SALA (Contenidos Argentinos). Es la red de salas en todo el país que fomenta la exhibición de cine argentino, forma espectadores críticos, y recupera el cine como espacio cultural.

En el país hay 80 salas que integran la red CINE.AR SALA, que durante 2016 crecieron un 9 % en espectadores gracias a la programación y realización de actividades especiales pensadas para que cada sala logre su mejor performance. CINE.AR SALA le brinda a la comunidad, en un país con enormes potenciales para la proyección, el acceso a un cine nacional de calidad en condiciones tecnológicas óptimas, manteniendo viva la afición al cine. (2)

En fin, el crecimiento de la industria del Entertainment sigue su curso de expansión sin importar niveles de encono políticos de ayer y hoy. El cine continúa narrando y filmando su historia. Según un informe de IT Consulting en PwC Argentina: nuestra nación “es uno de los nueve países cuya industria del entretenimiento y medios, presenta mayor potencial de desarrollo hacia 2018”. Los ingresos en boleterías de los cines crecerán a una tasa TCAC de 8,5 % alcanzando los US$ 318 millones en 2018. (3)

(1)-(2) Fuente: Coordinación de Espacios INCAA y Programas Especiales.

www.incaa.gov.ar

 www.sala.cine.ar

(3) Crecimiento de la industria del entretenimiento en Argentina

Gustavo Contarelli 

Ficha Técnica / Artística:

Título original: Tenemos Visitas. 

Dramaturgia: Alicia Muñoz – Dirección: Pinty Saba.

Asistente de Dirección: Adrián Andrada – Género: Comedia. 

Reparto: Ignacio Toselli (Fulvio), Rubén Stella (Damián), Federico Marrale (Martín), Lucía Stella (Sofía), Pinty Saba (Rossana / voz over). 

Iluminación: Fermín González – Escenografía: Carlos Gonzalo Castro, Fermín González – Vestuario: Silvia Picallo. 

Prensa y RR.PP. : Alfredo Monserrat / www.alfredomonserrat.com.ar

Sala: Teatro Carlos Carella, Bartolomé Mitre 970 / CABA. 

Tel: 4345-2774 / Web: www.facebook.com/tenemosvisitas

Día y horario: viernes: 20 hs. / sábados: 21 hs. 

Costo localidades: $ 100 – País: Argentina – Año: 2017 – Duración: 80 min. Fecha de estreno: 07-04-2017.

Alicia Muñoz es una escritora argentina, guionista y músico. Su obra Ciudad en Fuga (1979) sobre la epidemia de fiebre amarilla que azotó a la ciudad Buenos Aires en 1871, marcó su prosa historiográfica en progreso, Es autora de una veintena de obras de distintos géneros, experiencia que le permite hablar con autoridad los temas actuales. Tenemos Visitas (2017), es una comedia intimista, donde la relación de una ex pareja, impacta en la crianza de sus tres hijos de manera singular. Es el paternalismo y celo de un padre, que hará lo imposible para que vuelvan aquellos felices años de la unión familiar. 

Argumento. “Una cosa es quererse y otra cosa es convivir…”. Así es el spot publicitario de la pieza. Son los acuerdos y desacuerdos de una familia clase media convencional. En el centro del montaje: Rubén Stella (Damián), un padre celoso del amor de sus hijos: Ignacio Toselli (Fulvio), Federico Marrale (Martín), Lucía Stella (Sofía). Cada integrante con un perfil psicológico distinto. La idea que cristaliza, la llegada de la “visita inesperada”. La alegría, la emoción, las tensiones de una familia monoparental (madre ausente), que indagarán en sus contradicciones del presente con un pasado esquivo. 

Desde la primera apertura de escena, hasta la cancelación del relato, el mediador común estético es un coqueto “monomontaje”. Tampoco está dividida por actos como es tradición, sino es un sólo acto que se prolonga en el tiempo. En cine, dicho artilugio se denomina “plano secuencia”, una toma larga que adiciona sin cortes. Doble mérito al mantener la trama bien alta, entretenida y enigmática.

La dramaturgia de Muñoz, confecciona un texto donde la psicología y la ética del protagónico Damián (Stella), se posiciona en el centro del conflicto y alecciona manteniendo vivo “ese misterio” hasta el final de la obra. Damián hace de su paternalismo todoterreno, un modo de vida que lo realiza como persona. La estrategia del padre es la de “un gran simulador”. No todo es lo que parece ser. Metodología inteligente y un espectador cómplice hará su recorrido de creer o no en ese montaje de amor como cierto o armado. El silencio en la platea es lo que se proyecta en la atmósfera, en las escenas jugadas por ese respeto a las emociones que paraliza para comprender. Los parlamentos son de confronto, donde se pasan factura intergeneracional. 

Con todo, hay un quinto personaje misterioso: la llamada telefónica. ¿Teléfono para quién?...momento de resolución del misterio. Rubén Stella y su rol de actor, hace girar la comedia con meridiano pulso redentor. Todo lo puede: hace reír, llorar, enfurecer, pensar, explotando el uso del espacio escénico como notable estratega. El poder de su declamación, sus miradas, actúa como una lente para que el espectador haga foco donde la acción transcurre. Por la composición de su personaje; el uso de las emociones, estamos en presencia de un artista completo. Con jóvenes ad láteres que cumplen con creces. Son personajes disímiles, de estructura mental de opuestos; en un interesante debate interno de hermanos. En el guión hay pinceladas de ese “Teatro por la Identidad”, que la autora de la obra también abrevó en “Supongamos” (2001). Son tres hijos buscando la identidad, reconociendo a su madre abandónica en la puja por recuperar las caricias de un pasado que nunca volvió.

Traigo a la memoria la mítica comedia de televisión “Los Campanelli” (1969 -1974), que abordaba situaciones cómico-dramáticas de una típica familia extensa argentina de clase media. Aquí y ahora, Tenemos Visitas – con el mate y las facturas como mediador nutritivo, reemplazando aquellas ravioladas domingueras de Don Carmelo – es una familia monoparental, donde el patriarca (Rubén Stella), hace de madre y padre. “Un Campanelli sui géneris” quien como el artista Garrick, aprendió a reír con llanto, y también a llorar con carcajadas. 

¡Nada mejor que la familia unida! “Un Campanelli sui géneris” que todo lo brinda por amor. Comedia minimalista, sensible y familiar.

Gustavo Contarelli

Puntaje de la obra de teatro: 4 Tribunas 

Puntaje actor protagónico: Rubén Stella 5 Tribunas ¡Imponente!

Referencias: 

5 Tribunas: excelente /imperdible

4 Tribunas: muy buena

3 Tribunas: correcta / buena

2 Tribunas: regular

1 Tribunas: mala /pésima

Título para Latinoamérica: Frantz.

Título original: Frantz.

Dirección y Guión: François Ozon– Género: Drama /Años 1910-1919.

Apta para mayores de 13 años.

Reparto: Pierre Niney, Paula Beer, Cyrielle Clair, Johann von Bülow, Ernst Stötzner, Marie Gruber, Alice de Lencquesaing, Axel Wandtke, Rainer Egger, Lutz Blochberger, Jeanne Ferron, Torsten Michaelis.

Productora: X-Filme Creative Pool, Mars Distribution, Mandarin Cinéma.

Distribución: Golem Distribución – Música: Philippe Rombi – Fotografía: Pascal Marti – Montaje: Laure Gardette – País: Francia, Alemania.

Año: 2016 – Duración: 113 min. –Estreno Argentina: 20-04-2017.

El cineasta galo Ozon, rompe su tradición estética con Frantz (2016), su última película. Hasta aquí su cine se caracterizaba por un humor ingenioso, satírico y mordaz, asociado a una singular visióndela sexualidad humana. Por su estilo lo han bautizado el "Almodóvar" francés; el “Chaplin” de la no comedia. Allende los apelativos, el director de 8 Mujeres (2002), apuesta a oxigenar y recrear un género complejo y fascinante: el melodrama.

 Un film posbélico sobre los sobrevivientes, cuando han callado los cañones y el campo de batalla yace en la memoria. El tema es la simulación, un relato ficcionado para endulzar esos corazones fragmentados de tantos soldados que partieron con la anuencia de sus padres considerados patriotas. Que brindaron cuando llegaron a sus casas tras las victorias. Pero del otro lado de la línea de trincheras, otros padres sufrían la pérdida del ser amado. Un punto de inflexión –no menor— para entender el presente largometraje, es el particular plano de la sexualidad que el francés focaliza en el protagónico. Pone en nuestra conciencia el camino y el entendimiento del amor entre iguales (la homosexualidad). Decodificarlo será nuestra tarea. Al menos, coquetea con estructuras borderline de la genitalidad. ¿Las apariencias son la realidad? ¿O es el juego de la mente? Hay una historia central con fronteras abiertas...

Argumento. Érase una vez...una pequeña ciudad alemana, poco tiempo después de la I Guerra Mundial, año: 1919. Anna (Paula Beer) va todos los días a visitar la tumba de su ex-prometido Frantz, caído en combate en Francia. Un día, Adrien (Pierre Niney) – un misterioso joven francés – también deja flores en la tumba y se retira. Su presencia suscitará reacciones imprevisibles en un contexto signado por la derrota y la humillación de Alemania. Un siglo ha pasado desde la sangrienta contienda. La Vieja Europa convertida en un escenario de batalla; los cañones no habían cesado de tronar en los campos de Verdún, y los ecos de esa contienda son capturados para componer una historia cuyo eje es el perdón, la culpa, y la reconciliación por el amor.

Ozon, vuelve a filmar la problemática de la ausencia pero a partir de la remake de un metraje olvidado de Ernst Lubitsch: “Remordimiento” (“Broken Lullaby”, 1932), con una estética renovada y con aportes reales al melodrama “no almibarado”. Desde la primera apertura de plano el espectador percibe una pantalla en blanco / negro y “virado a sepia”, en los momentos de angustia, tensión, melancolía y desarrollo conceptual del sentimiento jugado; la exaltación y felicidad a partir de las pocas escenas cromáticas, cuando el amor adiciona a la poesía musical. La paleta de color aporta la frescura y la descompresión de un relato movilizador; la pintura de ÉdouardManet – el impresionismo – como simbología de una crónica universal que duele. Así, lo lugares de encuentros entre el autor, los artistas y el público, se condensan en soñados «Rendezvous». ¡Touché!

El guión abreva su escritura en la retórica de la catáfora: definiciones, conceptos que declaman los protagónicos y quedan en nuestra memoria para armar el planteo dramático: “Alemanes y franceses somos padres que brindamos por la muerte de nuestros hijos” / exclama emocionado el padre de Frantz, el soldado muerto; “Las mentiras nos hacía bien a todos”/ responde en una epístola Anna.“El cuadro de Manet me dio ganas de vivir de nuevo” / en la cancelación de la cinta, acomoda las neuronas de todos para alegría de los escépticos. Es la esperanza y el volver a empezar.

El montaje – la reconstrucción de época–explora gracias a la mediación de las artes combinadas (pintura, escultura, música, fotografía, cine), los efectos del amor, la ausencia y el perdón en la posguerra europea. La partitura musical potencia las imágenes y convierte al metraje en una “ópera cinematográfica” por la epopeya contada. Una obra de arte trasciende, cuando el espectador la recrea. Son los distintos formatos del arte que hacen recrear un drama no bélico, que apuesta al perdón, al amor y nos hace trascender como personas. Un sentimiento maravilloso de nuestra condición. El género del melodrama busca como ninguno la identificación con el público para la catarsis sentimental. Con todo, el filósofo francés Jean-Jacques Rousseau (1712- 1778) lo definió: “un tipo de drama donde las palabras y la música, en vez de caminar juntas, se presentan sucesivamente, y donde la frase hablada es de cierta manera anunciada y preparada por la frase musical”.

En cuanto a los protagónicos y el reparto, es otro logro de autor. Paula Beer, la exquisita actriz berlinesa, compone un personaje de alta dramaturgia; en el uso del espacio escénico, conmueve por la variedad de sus recursos narrativos dentro de una rigurosa escenoplástica que no da respiro. Bien secundado por el francés Pierre Niney. Un dueto bien aceitado que solidifica la construcción exitosa del verosímil. Son jóvenes actores que parecen veteranos en el cine de arte y ensayo. Es más, lo desafían. Frantz es un film co-producido por Francia y Alemania. Por eso se entiende que no tenga la trascendencia universal que amerita. Caso contrario, la industria de Hollywood y su portentosa maquinaria publicitaria, lo hubiesen entronizado como un hito contemporáneo.

Atrás en el tiempo quedó la posguerra. Las pérdidas, los encuentros y desencuentros de franceses y alemanes. Surge el amor como reparación histórica de sentimientos que alguna vez fueron dirimidos en el pleito. Al fin y al cabo esos padres que brindaron por la muerte de sus hijos, encontraron por la fe en el hombre, un bálsamo para seguir viviendo: “la mentira hace que nuestra vida sea soportable”.

 Gustavo Contarelli

Puntaje de la película: 5 Tribunas ¡Imperdible!

Puntaje actor protagónico: Paula Beer 5 Tribunas ¡Excelente!

Referencias:

5 Tribunas: excelente /imperdible

4 Tribunas: muy buena

3 Tribunas: correcta / buena

2 Tribunas: regular

1 Tribunas: mala /pésima

Título para Latinoamérica: La Morgue / La Autopsia de Jane Doe.

Título original: The Autopsy of Jane Doe.

Dirección: André Øvredal– Guión: Ian Goldberg, Richard Naing.

Género:Terror, Thriller, Cine Fantástico –Apta para mayores de 16 años.

Reparto:Brian Cox, Emile Hirsch, Ophelia Lovibond, Michael McElhatton, Olwen Kelly.

Producción: Matt Gant, André Øvredal.

Distribución: A Contracorriente Films– Música: Saunder Jurriaans, Danny Bensi.Fotografía:Román Osin– Montaje: Peter Gvozdas –País: EE.UU. /Reino Unido.

Año: 2016 – Duración: 99 min. –Estreno Argentina: 20-04-2017.

Elfilm The Autopsy of Jane Doe (2016), conocido en Argentina como La Morgue, es un convincente thriller psicológico y terror sobrenatural. Se balancea finamente en un género que necesita de dispositivos de lenguaje cinematográfico para estremecer, sembrar pistas y la creación de personajes encontrados: el héroe y el villano. La atmósfera esotérica de la demonología y las brujas, condensan una obra de creíble verosímil y de un público al acecho.

Argumento. Grantham, condado de Virginia (EE.UU.). Época actual.Tommy Tilden (Brian Cox), es el forense principal; su hijo, un Técnico Médico certificado. 3 generaciones en la gestión de tanatorios en su familia. Ambos manejan la morgue de la localidad y son de entera confianza del oficial Sheldon quien confía en la expertez de los Tilden, para averiguar las causas de la muerte de una joven al que la denominan “Jane Doe”. Ambos proceden a la necropsia del cadáver, sin saber las consecuencias insondables de ese acto profesional. La investigación, las pericias, conducen a la acción y el suspenso.

El cineasta noruego André Øvredal (Trollhunter, 2010), logra que el tándem padre-hijo sean personajes interesantes, como la historia del crimen sin resolver. El suspenso se da lentamente, sin escenas superfluas o forzadas. La fotografía de la autopsia está lograda por el naturalismo; con buen asesoramiento del arte de la evisceración de los cuerpos. La acción se desarrolla en un “monomontaje” donde transcurre de principio a fin. Doble mérito de autor. Hay un trabajo superador del escocés Brian Cox (Premio Laurence Olivier), quien domina el espacio escénico y hace girar el thriller bajo su protagónico. El rol de actor en la recreación de la historia es notable.

El guión explora un tópico universal: la muerte y el destino final de los cuerpos. Hay una valoración moral en su manipulación. Aparece como el personaje vital en el misterio, las brujas y sus rituales. En una atmósfera esotérica de la demonología, nos remite a esos seres mitológicos de la Inglaterra del siglo XVII. Articulaciones fracturadas; órganos marcados; signos de laceración en su interior –y por fuera –sin rastros de violencia. Øvredal propone una estética noble, sin subterfugios de cine “gore” (de escenas sangrientas). Amantes del cine “splatter” o gore, abstenerse. Carente de explotación / derroche cruento y golpes bajos, una película tradicional que logra eficacia narrativa.

La Autopsia de Jane Doe concluye. Pero la historia sobrenatural no. Subyace un relato místico que atraviesa la idea de la inmortalidad. Buen suspenso logrado para amantes del género y aficionados. Una idea digna y atrapante. La escena del crímen se asocia a la mesa de disección forense: ¿es verdad que los cuerpos hablan?... si conservan vida, ¡Houston, tenemos un problema! En fin, el personaje de Emile Hirsch lo dijo: “estamos en lo más allá de lo posible”.

   Gustavo Contarelli 

Puntaje de la película:4 Tribunas

Puntaje actor protagónico:Brian Cox 5 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas:mala /pésima

Un frondoso curriculum vitae lo distingue a su paso. Actor y director de teatro argentino que participó alrededor de cuarenta obras y ciclos de televisión. Recordado por el personaje que lo llevo a la popularidad en el unitario televisivo “Hombres de Ley” (Canal 7 / 1987, Premio Martín Fierro, Mejor actor de reparto). Pasó por la función pública como Secretario de Cultura de la Nación, en la administración de Eduardo Duhalde. Hizo una versión de “El Conventillo de la Paloma” (1998) -de Alberto Vacarezza-que vale la pena rescatar por el sorprendente elenco: Diana Maggi, Rafael “Pato” Carret, Elena Lucena, Beatriz Bonet, María Rosa Fugazot, Onofre Lovero, María Leal, Mario Alarcón, Pachi Armas, Néstor Ducó, Aldo Bigatti, Mario Labardén. Se define políticamente: “Soy Peronista. No menemista ni kirchnerista. Duhalde es el tipo que para mí mejor representa al peronismo”. En una confitería del microcentro porteño dialogó con Tribuna de Periodistas:

-En la obra de teatro “Tenemos Visitas”, su personaje “Damián”, compone a un padre paternalista que realiza un montaje sui géneris para reunir a la familia. ¿Cómo ve esos dispositivos del lenguaje? ¿Había otras opciones? ¿Hay alguna crítica a la familia monoparental?

-En realidad crítica ninguna. Es una observación aguda de la dramaturga Alicia Muñoz. Usa un lenguaje adecuado vinculado al trato cotidiano; es un padre “maternal” que ha cumplido dos roles. No tenía puta idea como se criaba a un hijo, y lo único que no pudo hacer es darle la teta. Cumplía todos los roles. Es una obra que tiene sus años (2009). Es una observación sobre la idea que la construcción familiar hay que recuperarla a como dé lugar. A volver al esfuerzo de convivir, de comprenderse. Lo que rescata Alicia, es el desbande familiar. El rol de Damián, tiene frases extraordinarias. Mirá, es tan poco lo que nos queda a los argentinos ya; nuestra patria desgraciadamente, es un fleco a esta altura, está devastada desde lo político, lo ético, hasta humano. La única manera de parapetarse, es desde la base.

-El hecho que la pieza no está dividida en actos tradicionales; hay un sólo “acto-secuencia” - jamás corta la dinámica del trabajo actoral (sin montajes alternos) ¿dificulta la labor en el espacio escénico?

-Es una obra que transcurre en un acto y tiempo real. No hay elipsis. Sólo tomamos mate en escena (risas). Cuando hice “Discepolín”, tenía mucho más desgaste físico. Era también más flaco, y había adelgazado 8 kg. Ahí perdía mucho líquido. Acá hay desgaste a nivel emocional. El personaje está todo el tiempo en crisis. Como dijo don Pedro López Lagar: “me pongo la gorra y salgo”, sin petulancia. Lo estudié desde el comportamiento, desde los vínculos. Los hijos ven un fragmento de la realidad que los afectan. El personaje de “Martín” (Federico Marrale), es el único que ha tenido relación con su madre. Por eso cuestiona al padre.

-Hay un mediador nutritivo que concentra la atención: la ronda de mate con facturas (Superador a la raviolada dominguera) ¿tiene función especial el “atrezzo” como disparador narrativo?

-Es una gran excusa social para poder estar juntos. Casi se ha dado, los únicos que tomamos mate es el hijo más chico “Fulvio” (Ignacio Toselli) y yo. Los otros no están en la ronda. El mate es el medio, para charlar lo importante que hay que contar. El teatro también tiene azar. En el teatro cuando se presenta una obra, estás develando un misterio. Y en este caso había dos temas importantes: la panadera y la madre. Todo el tiempo se regula la tensión, de esos ingresos posibles. El teatro es un juego: que necesita de un actor que juegue, y el público que asista y comparta el juego, que también juegue su rol. El espectador es el director. En este juego el espectador nutre lo que pasa en el escenario. La semana pasada, cuando terminó la obra, en medio de los aplausos se oye decir a una persona del público: “le voy a pedir a mis hijos que vengan a vivir conmigo” (¡se emociona al contarlo!). Esa persona está jugando conmigo. Esto tiene un valor trascendente para el actor, al menos para mí. Ese es el rol que tiene que cumplir el teatro, la TV., y el cine; el mostrarnos, el ayudarnos a reflexionar. Nos hemos olvidados de las relaciones parentales. Y vos (se refiere al periodista) que sos cinéfilo, fíjate: que el cine norteamericano de consumo interno que nos llega, está siempre vinculado a la reconstrucción de la familia. Es la base de lo social. Y eso está roto acá.

-Antes había una división tensa y dialéctica entre el actor de formación dramática y el de comedia / cómico /actor circense. Hoy todo se ha integrado. ¿En este tópico ha cerrado “La Grieta”?

-No lo hubo nunca. La hubo en todo caso entre los profesionales y los independientes ideologizados, puede ser. El actor argentino tiene formación circense. Venimos de trapecistas y malabaristas y gente del circo. Los hermanos Podestá, del “Circo Criollo” venimos nosotros. Lo extraordinario es que empieza a aparecer la cosa intelectual del “Método Stanislavski” etc., para denostar a los actores argentinos -y esa fisura-en el devenir de la formación de los actores. Esa gente no tuvo la grandeza de ver que, cuando apareció un discípulo de Stanislavski, que empezó a cuestionar esa metodología y dijo que los actores tenían que hacer trapecio y esgrima para su formación. De ahí venimos. “Pepe” Arias, Adolfo Stray, Don Pelele y (Alfredo) Barbieri, ya hacían stand up(comedia de pie). Sentarte delante un micrófono y contar historias graciosas. Que no te gusten es otra cosa. Ahí tenés, hoy hay algunos plumíferos que sostienen que el cine no tiene que ser subsidiado por el Estado. No quieren que haya cine argentino. Quieren cine de las grandes empresas.

-Se habla del boom del teatro. Según una encuesta realizada por el Sistema de Información Cultural de la Argentina, 2015, hay 288 salas en total (comercial, privado, público y alternativo). Sólo el teatro “under”, posee unas 180 salas en el circuito alternativo. ¿El teatro y la cultura como refugios ante las crisis sociales?

-Es un tema que habría que investigar desde otros ángulos, me da la impresión. Todo lo que tenga que ver con la creación es bienvenido. Durante el menemismo, durante la gestión del Secretario de Cultura Mario “Pacho” O’Donnell, se hizo la Ley de Fomento Cinematográfica. Sí se creó el Instituto Nacional de Teatro. Durante su paso o ahí no más, se permitió que (Domingo) Cavallo con la “Ley de Emergencia,” vaciara el INCAA. También debo decir que, el quele devolvió la autarquía al cine, e hizo posible que ellos se administren fue el Dr. Eduardo Duhalde, a instancia de su Secretario de Cultura, que fui yo. Hay que ser justo con las cosas. El que tuvo la grandeza de poder ver la capacidad estratégica que tiene el cine en la sociedad fue Duhalde.

-Ud. fue Secretario General de la “Asociación Argentina de Actores”. El productor teatral Carlos Rottemberg, insiste: “La ley del Actor no le sirve a nadie”¿Y la SAGAI (Sociedad Argentina de Gestión de Actores e Intérpretes) con sus problemas de recaudación? Shakespeare dijo en Hamlet«algo huele a podrido en el estado de Dinamarca»¿Su opinión?

-Yo estoy de acuerdo con eso de Rottemberg. Se llama reciprocidad el tema de recaudación. Sobre ese tema de plata no discuto, sobre recaudación. Yo discuto ideas. Ese es el fundamento de SAGAI. Si vos tenés acuerdos internacionales o no cumplís, lo único que ganás es descrédito internacional. Actores tiene una representatividad relativa. Es raro lo que pasa ahora. Habida cuenta, que en la conducción que estuve yo, con más o menos nombre, éramos actores de larga data. Con mayor o menor cartel. Todos éramos actores. Cuando Pepe Novoa era Presidente, yo era Secretario. Nadie podía dudar.

-La clase política argentina desconoce a la cultura y la Industria del Entertainment, en la generación de riqueza e identidad como en los países desarrollados. ¿Maneja hipótesis de cambio de este paradigma?

-No me gusta el término clase política, prefiero el de emergente de nuestra sociedad, y hacernos responsables a quien ungimos para conducir. Ellos tienen como única preocupación subsanar los problemas económicos sin contemplar el deterioro cultural de nuestro país, hablo de los valores. Que se reconstruyen a partir de lo cultural. No lo valoran. Es una poderosa herramienta la industria cultural, no sólo da riquezas, sino el teatro, el cine, la música, como un modo de reconstruirnos. Ej.: Getúlio Vargas, en Brasil, se da cuenta de la realidad de la división cultural del país; y ve un instrumento fundamental: “La Radio”. Esto nos identifica, esto es el norte y esto es el sur. Como modo de unificar el concepto el país. Nadie pondera a la televisión como construcción de valores. Fíjate, ahora la TV. Pública compra un proyecto español (que es muy bueno), para hablar de nosotros, estamos jodidos. ¡Qué país quieren construir! La Televisión Pública es inmirable.

-¿Cómo ve la gestión cultural en Argentina? ¿Hay políticas de Estado a largo plazo?

-No hay políticas de Estado. Si la hay es fatal. No conozco. Yo estuve poco tiempo en la función pública, hubo proyectos comunes en el Mercosur Cultural. Hubo proyectos comunes en la zona. Estuve poco tiempo (un año y medio). El Mercosur, a poco de subir el presidente Kirchner, lo neutralizó, puso al el especialista en hacer desaparecer cosas -Carlos Álvarez -el famoso vice presidente renunciante.

-En una entrevista dijo: “Mi mayor logro como Secretario de Cultura fue la autarquía del INCAA” ¿Cómo se logra desde la administración, separar lo ideológico de lo eficaz en la acción? ¿Qué le dejó su paso por la función pública (2002 /2003)?

-En principio nadie me dijo lo que tenía que hacer.Te quiero decir que tuve conducción. Que orienta el camino. Todo lo que tenía que ver con esa orientación, hacia allá vamos era bienvenido o no. Nosotros acercamos un proyecto (a “Chiche” Duhalde) y lo llevamos adelante. Fuimos con ese proyecto. Cuando hablé con el Presidente con respecto al cine, para darle la autarquía, para que él viera la capacidad productiva que tiene el cine, y el trabajo que hay a partir de ahí, lo que se mueve industrialmente. Los servicios se multiplican y lo movilizan. Hay industrias subsidiarias. El cine tiene una capacidad de penetración cultural enorme. Si lo sabrán los Estados Unidos. EJ: el jeans, que usaba James Dean y Marlon Brando. Las heladeras y las cocinas, de “General Electric”, porque las tenía Doris Day. Gustavo querido (se refiere al periodista), ellos te venden heladeras, no sólo cultura. ¿Qué es lo que tenemos que vender los argentinos? ¡El paisaje! El cine en Estados Unidos, lo diseña el Departamento de Estado, y no Hollywood. Entonces tiene un valor estratégico que no estamos entendiendo. Este fenómeno devalor estratégico que tiene el cine, el teatro, la música, etc., no lo entienden ni el ministro de Cultura, ni el Presidente, ni este ni otros, ni el secretario y el ministro de Comunicaciones que maneja Canal 7. Cuando nosotros con Norberto Díaz, fundamos “Hombres de Ley”, llevamos ese proyecto para venderlo a distintos productores, nos decían: ¡eso no le interesa a nadie!. Y respondíamos: ¡Vos no viste a “Perry Mason”, eso transcurría en New y York! Estuvimos 3 años con el proyecto bajo el brazo. Luego hicimos varias temporadas en Canal 7. Que luego por cuestiones personales no siguió. Hubo varias propuestas incluso en canales privados.

-¿Hay que trabajar de actor cuando se está en el poder político “para preservar la salud”? (Risas)

-Yo fui criticado porque hacía teatro, mientras era funcionario. Les contestaba así: ¿vos sabés cuántos son los funcionarios que juegan al golf? -No. ¿Y si supieras cuántos funcionarios los criticarías? - No. ¿Y los que hacen psicoanálisis los criticarías? - No. ¿Y porque me criticás a mí que hago mi terapia en el escenario? Yo me divierto siendo actor. Yo no le cobro al Estado. Lo hago en forma independiente y privada. No me contrató el (Teatro) Cervantes ni Canal 7. Dejé la gestión en mayo de 2003. Nadie me puede señalar por nada especulativamente, que hice esto. Toda la gente que se fue conmigo de la gestión está indemne.

-Para concluir, la nota de color /la humorada: ¿Ud. es hincha del Club Vélez Sarsfield. ¿Cómo ve la política y el fútbol? ¡Encima es de Vélez un equipo no popular y chico! (Es la mirada de un simpatizante de Boca, la “Mitad más uno del Mundo”. (Risas)

-Porque le ganamos varios campeonatos y ustedes ganaron campeonatos con gente nuestra, por eso no nos quieren. Y es lógico que los de Boca no nos quieran porque lo hicimos grande con Bianchi. Y ganaron campeonatos con la gente nuestra. Y además con el Pepe Basualdo, se lo regalamos. Ustedes son unos “farabutes”. Mirá, me saco los lentes por si me querés pegar... (Risas) [...] 

 Texto /Fotos:Gustavo Contarelli Especial para Tribuna de Periodistas

Agradecimientos:

Bar: Confitería Saint Moritz. Esmeralda 802 esq. Paraguay, Retiro, CABA. Tel. 4311- 7311 (“Cafés Notables de Buenos Aires” - Patrimonio e Instituto Histórico de la Ciudad de Bs. As.).

Prensa y RR.PP. : Alfredo Monserrat / www.alfredomonserrat.com.ar

Ficha Técnica / Artística:

Título  original: La Puta de Arriba.

Dramaturgia: Maxi Escalante – Dirección: Sergio Lombardo. 

Reparto: Gia Bellotti (La Cindy), Noelia Mellea (Sheila) y Maxi Escalante (Franklin). Género:Comedia.

Voz Over: Sergio Lombardo, Hernán Darío Statuto.

Producción General: Iván Leiva. – Arte y Escenografía: Sebastián Varela.

Vestuario: Diego Spiridione.Diseño gráfico: Nicolás Blum.

Fotografía: Pablo Schroder  – Coreografía: Gia Bellotti.

Prensa y RR.PP.: Alfredo Monserrat / www.alfredomonserrat.com.ar

Sala: Sala Colette, Paseo La Plaza,  Av. Corrientes 1660 / CABA.

Tel: 6320-5346  –Día y horario: sábados: 21.30 hs.  

Costo localidades: $ 180 –País: Argentina – Año: 2017 – Duración: 75 min.  Fecha de estreno: 06-05-2017.

El“Teatro Off” es un circuito alternativo en pleno crecimiento en la cartelera porteña. Estas propuestas de creadores independientes con distintos formatos, y en muchas ocasiones con dramaturgia de actores del mismo elenco. Con escenoplástica rudimentaria y modesta producción, pero de amplia llegada popular. Este es el caso de “La Puta de Arriba” – en su segunda temporada – con autoría de Maxi Escalante, también protagónico de la pieza.

Argumento. La Cindy (Gia Bellotti), es una joven mujer de dudosa moral: una oportunista que no da puntada sin hilo para sacar provecho. “No hay nada en esta casa”, se queja; histeriquea a Franklin (Maxi Escalante), su vecino y amigo para tener información de su “novio”, que la engaña con la vecina de su amigo.  La Cindy se aprovecha de la bondad de Franklin, y una noche de ocio se convertirá en un auténtico delirio de ocurrencias y situaciones disparatadas. Es una historia de un mal entendido, no todo es lo que parece ser.  Gia Bellotti, Noelia Mellea y Maxi Escalante, nos proponen una intimista comedia de situación, con pinceladas surrealistas. No es poco.

El autor de “Las Chicas Cocodrilo” (2015), presentala segunda temporada de la obra.Dueño de una prosa llana y explosiva, – en un sólo montaje y un “acto-secuencia” (sin elipsis)– tensiona y tracciona el triángulo amoroso. Son tres actores en escena y una voz  over que siembra sospecha y dramaturgia. El lenguaje teatral es difuso y de confronto: mediadores como las nuevas tecnologías de la información (guiño a celulares y redes sociales). Con Franklin, un personaje hipocondríaco; que coquetea con su indefinición sexual; aparecen citas de farmacología (“Amoxicilina”) y un completísimo botiquín y  su trastorno de déficit de atención. Tal es su perfil psicológico.

En una historia minimalista de equívocos, todo juega, se potencia y articula: es el caso de los objetos en escena (el “Atrezzo”). Ante una atmósfera de pobreza franciscana, el plan narrativo asocia los objetos y los anima: un maniquí –  usado como fetiche – la mesa ratona, un par de  teléfonos celulares, las pelucas, no mucho más,  adquieren importancia en la retórica de autor. Los dos personajes centrales (los vecinos), se definen por opuestos, se sacan chispas.  Ahí yace el interés del público.

El demérito del texto es el rol del tercer actor: Sheila (Noelia Mellea). Que si bien cumple con creces la tarea guionada, su dimensión en la trama no  cierra, no condensa, agregando dispersión a la comedia. Un error en la dramaturgia del autor. No obstante, hay un exitoso trabajo del “Régisseur” en el tránsito de salida o entrada a escena, asegurando la calidad del producto teatral.  Sheila, pasa de ser la “villana”, a una dulce cosmetóloga y tarotista. La historia se diluye y entra en una encrucijada que la eclipsa.

En el rapport de la obra, los tres actores cumplen con suficiencia la representación. Inclsuso hasta un acertado  ensayo de un musical, más un corrrecto juego de luces dan el plano fusión.  Luego decae el ritmo, y por consiguiente la dinámica grupal. Con todo, el personaje que se pone al hombro la comedia es sin dudas el protagónico de “La Cindy”, Gia Bellotti.  Por su ubicación y explotación del espacio escénico;  el uso de las emociones; la composición del personaje; el poder de repentización, su rol de actor trasciende y condensa el éxito de su teatro. El juego de representar lo lleva en su epidermis.

Cae el telón de la obra, y la cancelación abierto del relato impregna el escenario. Es el público que visualiza la suerte de “La Puta de Arriba”. El «rendezvous»de baja intensidad suma al desconcierto.  Punto final para una comedia dislocada, disparatada y digna, sobre las relaciones interpersonales en un desencuentro amoroso de vecinos.  El“Teatro Off” como disparador de ideas en el asedio de la posmodernidad.

                                                                                                      
Gustavo Contarelli

Puntaje de la obra de teatro: 3 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Gia Bellotti (La Cindy) 5 Tribunas ¡Excelente!

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

Ficha Técnica:

Título para Latinoamérica: Escuela Trashumante.

Título original: Escuela Trashumante.

Dirección: Alejandro Vagnenkos–Guión: Víctor Cruz, Alejandro Vagnenkos.

Género: Documental –Apta para todo público.

Reparto: Género Documental. Entrevistas de autor. Voz Over.

Producción: Víctor Cruz (16 M Films) – Edición: Emiliano Serra.

Sonido: Pablo Gamberg, Guillermo Picco– Música: Francisco Seoane. Fotografía: Lucio Bonelli, Nicolás Richat–País: Argentina.

Año producción: 2016– Duración:93 min. – Estreno: 18/05/ 2017.

Cine: CINE.AR Sala Gaumont, Av. Rivadavia 1635 / Tel: 4382- 4406.

Entrada general: $ 30– Sitio Web: www.sala.cine.ar

El género documental (Documentary), por ductilidad, producción y costo, es la elección núcleo de los cineastas noveles. Tal es el caso de “Escuela Trashumante” (Alejandro Vagnenkos /2016).Tipificado como un “Docudrama”, formato en el cual los personajes reales se interpretan a sí mismos. La excusa narrativa es la educación. La escuela como cita de encuentro entre culturas fusionadas (mapuche - hombre blanco), del aquí y ahora. Un punto de partida para repensar la pedagogía y la inclusión social, dentro de la enseñanza multicultural. “Son los tiempos productivos los que marcan el ritmo de la escuela”, reflexiona un maestro. Es la mirada del cine sobre la escolarización y su capacidad para transformar la realidad, en un horizonte de sucesos patagónicos.

Argumento. Retrato del pueblo Huncal, un paraje poco habitado de la provincia de Neuquén (Argentina), donde habita la comunidad mapuche Millain Currical. La escuela primaria Nro. 6, fundada en 1911, que durante setenta años no tuvo ningún egresado. En 1984, llegó Pedro Vanrell, uno de los protagonistas de la historia. Tuvo que lidiar con la profecía autocumplida: “no se puede hacer nada con estos pibes”; su respuesta: “Sí, se puede” / “Éramos capaces y no lo sabíamos”. Ahí, construye un proyecto pedagógico rural de autor. Lo acompañaron Orlando “Nano” Balbo y Alejandra Martínez. Dividen el año escolar y los recesos según necesidades de sus animales: “Parición” (del ganado) y otro por “Trashumancia”, de soporte al desplazamiento migratorio que todos los años realizan en busca de pasturas para sus chivas y ovejas.

El director de “Jevel Katz y sus paisanos” (2005) –en su segundo film –elabora un relato estético de predominio naturalista. Cine testimonial sobre las carencias de la argentina profunda y dolorosa. Desde la primea apertura de plano, se ven alumnos jugando con animales de granja y el paisaje patagónico cerrando la toma. Una voz over del maestro Vanrell, nos introduce lentamente. Corre el año 1984. Arriba como nuevo director, dejando atrás su pesada mochila de perseguido y ex detenido durante la última dictadura militar. Un condimento especial, si se desea elaborar otra mirada sobre una ideología populista (“posverdad”) de fantasías sociales, a éste, comprometido y exitoso con su comunidad. Aquí, el docente, es un instrumento de saberes que modifica la realidad, que suma y no divide. Es un emprendedor educativo que hace patria. Un líder positivo.

La construcción del guión aporta elementos fundacionales en su éxito narrativo: la representación del progreso de una comunidad que se organiza alrededor de un centro educativo estatal. El lenguaje cinematográfico hace foco en conceptos muy caros: «La autoridad del maestro»; «La imagen del docente portando el retrato del Libertador San Martín, en la construcción de identidad y pertenencia»;«La importancia de la educación para el desarrollo»; «La unión de una comunidad en busca de la superación». La trama gira en torno a los dos edificios donde se desplaza por migración los habitantes. Son las imágenes y frases catafóricas que disparan conectores de sentimientos. La Escuela como protagonista. No es poco.

Los hallazgos fuertes del film: la fotografía y los juegos de capturas: “en picado”, “plano sobre plano”, “planos fusión”; se articulan a los “espacios muertos”, donde la lente se cristaliza, y continúa la narración visual. Ej.: una niña apoyada en la puerta esperando que algo suceda. Es el realismo patagónico donde aparecen personajes entrañables: el caso del baquiano ganadero – un personaje pintoresco y delicioso – que busca en la escuela el conocimiento para lograr su objetivo: que la Gendarmería logre que algunos pícaros chilenos le devuelvan los cabritos que le robaron. El abigeato y el surrealismo mueven a humorada. El hilo conductor en progreso es la búsqueda del conocimiento a través de la escuela. Rescato de manera excluyente, la cosmovisión científica positiva: no al conflicto con divisiones irracionales del mito del aborigen bueno y oprimido («El buen salvaje» / de Jean-Jacques Rousseau) versus «el hombre blanco demonizado». No hay sesgo anti- ciencia y contracultura ¡Albricias!

Concluimos con los deméritos de la cinta: las entrevistas no son direccionadas. No hay repreguntas. La modalidad es de observación / descripción. La informalidad, la diversidad es tan grande, que dispersa no condensa. Quita dinámica. La cámara es contemplativa. La voz over de un inicio correcto, se diluye y eclipsa los sentidos. Los documentales más sólidos y de prestigio son con “intervenciones”. Al menos si deseamos transformar la realidad. 

Puntaje de la película: 3 ½ Tribunas

Puntaje actor protagónico: GéneroDocumental

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas:mala /pésima

Tribuna de Periodistas dialogó brevemente con Víctor Cruz, productor y guionista del film:

-¿Cómo llega la historia a Uds.?

-Nos llega a través del libro de Guillermo Saccomanno: “Un Maestro”. Es la vida de Orlando “Nano” Balbo, un conocido maestro y alfabetizador (militante del Peronismo de Base -PB - en los setenta). La escuela era un capítulo del libro. Pero al conocer Huncal y el proyecto educativo, decidimos contar esta historia. Y la mejor manera de narrarla era reconstruir un ciclo lectivo.

-Los lugareños viven la escuela como una herramienta para transformar sus vidas. ¡Qué paradoja! ¿Lo contrario que se vive en partes de BS.AS. con violencia doméstica, adicciones, etc.?

-Históricamente la escuela expulsó culpando a los alumnos y sus padres por el fracaso educativo. Durante 70 años no hubo egresados. Luego con la llegada de Pedro Vanrell, Orlando “Nano” Balbo y Alejandra Martínez, egresan los primeros alumnos. Cuando la escuela se convierte en trashumante, los mapuches entienden que ellos son capaces de transformar su realidad. Hay respeto mutuo entre maestros y pobladores. La comunidad es muy humilde pero no existe la marginalidad, como en las grandes ciudades y periferia.

-¿Su experiencia en una comunidad multicultural, qué aprendizaje dejó?

-El documental es una experiencia vital y transformadora. Conocemos experiencias ocultas y compartir con personas increíbles. Tienen una capacidad práctica de resolver problemas, pero sobre todo, su entendimiento profundo de la relación hombre-entorno. Según los aborígenes: “no es el hombre que posee la tierra, sino que es ella la que nos posee a nosotros”. Una verdad tan profunda.

Víctor Cruz. Cineasta y productor. Se emociona al hablar de su experiencia en una escuela rural patagónica.

(Ver: http://periodicotribuna.com.ar/15099-victor-cruz-un-cineasta-entre-las-cuerdas.html). 

Gustavo Contarelli

Ficha Técnica:

Título para Latinoamérica: Los Padecientes.

Título original: Los Padecientes.

Dirección: Nicolás Tuozzo–Guión: Nicolás Tuozzo, sobre novela homónima de Gabriel Rolón – Género: Suspenso, Thriller Psicológico.

Apta para mayores de 16 años.

Reparto: Benjamín Vicuña, María Eugenia Suárez, Nicolás Francella, Pablo Rago, Ángela Torres, Osmar Núñez, Justina Bustos, Luis Machín.

Producción: JEMPSA SA,Fox International Productions, Telefé.

Distribución: Fox International – Sonido: José Luis Díaz.

Música: Sebastián Scofet – Fotografía: Félix Monti–País: Argentina.

Año producción: 2017– Duración:116 min. – Estreno: 27/04/ 2017.

Cine: CINE.AR Sala Gaumont, Av. Rivadavia 1635 / Tel: 4382- 4406.

Entrada general: $ 30 – Sitio Web: www.sala.cine.ar

La categoría cinematográfica del Thriller, debe cumplir un arsenal de dispositivos técnicos y de lenguaje, que motive al espectador y lo encuentre aferrado a su butaca desde principio a fin. Sinónimo del suspenso en un alto grado de anticipación de hechos, un gran peso de expectativa por lo que puede pasar, disparador de pistas, misterio y ansiedad. No es el caso de “Los Padecientes” / de Nicolás Tuozzo (2017). Lejos de esta descripción del género, el metraje pugna desde la construcción del verosímil a la dispersión de los protagónicos. Para rescatar el modelo técnico de filmación y la fotografía de autor. Muy poco.

Argumento. Pablo Rouviot (Benjamín Vicuña) – un reconocido psicólogo (de la escuela psicoanalítica) – es contratado para una pericia judicial por Paula Vanussi (Eugenia “China” Suárez), para demostrar que su hermano Javier (Nicolás Francella) es inocente del delito que se le imputa: la muerte de su padre (Luis Machín). Pablo comprueba la verdad y los trastornos psiquiátricos que padece el paciente, y arma el rompecabezas de una historia familiar atravesada por la violencia doméstica, sexo, locura y muerte.

El director de “Horizontal /Vertical” (2008), nos sumerge en las aguas del thriller psicológico (un policial negro) en progreso. Los condimentos: una familia de clase media acomodada; dinero; sexo; negocios turbios; intrigas y muerte. Tuozzo, adapta la novela homónima de Gabriel Rolón – conocido psicoanalista mediático de la farándula– muy popular por su literatura de autoayuda.

El guión es un sembradío de prosa psiquiátrica digno del DSM IV (Manual diagnóstico y estadístico de los trastornos mentales /Asociación Estadounidense de Psiquiatría). Rouviot llega a un diagnóstico del imputado: “Trastorno Límite de la Personalidad” (TLP). A partir de esa premisa se jugarán los momentos de tensión dentro de los espacios escénicos. Apela al montaje de una familia disfuncional–donde la violencia doméstica, el destrato –injuria a los tres hermanos en lucha con su padre, un psicópata a tiempo completo. Lo más importante está ausente: un background de peleas o pujas interminables, muertes, violencia, personajes increíblemente entrometidos, etc. Todos estos subgéneros del Thriller deberían crearse en cada fotograma, o de repente son variaciones sutiles de los mismos. Ausencias de pistas; pésima construcción del villano (Luis Machín), que asusta menos que el lobo feroz de Caperucita Roja.

Para entender esta apreciación, el espectador avezado piense en el thriller psicológico que hizo escuela en el mundo del cine: “The Silence of the Lambs” (Jonathan Demme, 1991 / “El Silencio de los Inocentes”). Metraje de culto que signó una época merced a Jodie Foster en la piel de la atormentada Clarice Starling, agente especial del FBI que tiene que atrapar a un peligroso asesino múltiple. Va en su ayuda el misterioso Hannibal Lecter (Anthony Hopkins), encerrado en un psiquiátrico de Baltimore. La frase que popularizó Lecter todavía resuena en nuestros oídos: "¿Han dejado ya de llorar los corderos, Clarice?". ¡De eso hablamos! El thriller que nos ocupa le faltó la primera gran decisión: la de trascender y creer en su potencial. Para ello, hay que armar un buen guión. Una pena, ya que contaba con la producción extranjera de la Fox International Productions (FIP).

Rescato del ostracismo, el modelo de filmación, la fotografía y su inteligente montaje realista. La partitura musical tampoco acompaña con los sonidos incidentales. En cuanto a los protagónicos, lo más débil del film: la pareja marketinera Benjamín Vicuña -María Eugenia “China” Suárez, aporta suficiente morbo de la industria del chisme, pero poco a la alta dramaturgia. El cine es arte y también negocio. Se explica por ese modo. Sí, destacamos el rol de actor; la composición de su personaje (un duro comisario); su expertez en el espacio escénico y su poder de declamación, el sólido trabajo de Osmar Núñez. “Los muertos tienen dos caras”, reflexiona el comisario frente al psicoanalista amateur de Sherlock Holmes. El psicólogo responde: “La fuerza de la verdad habita en las personas”. Frases que cristalizan la estructura narrativa.

La terapia freudiana llega a su fin. Entre tanta dispersión que propone el libro de Gabriel Rolón hecho cine, valga la siguiente metáfora: “El psicoanálisis es la etapa chamánica de la psiquiatría” (Mario Bunge Dixit). Como en la vida real, la pseudociencia psicoanálitica jamás culmina. Es surrealista. Siempre crea nuevos problemas y fantasías a los incautos pacientes. También en la ficción, el mismo cuento chino de siempre: el psicoanalista cool que pudo resolver un caso ajeno, pero es incapaz de resolver sus propios dilemas.

  Gustavo Contarelli

Puntaje de la película: 2 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Benjamín Vicuña 2 Tribunas

Puntaje actor de reparto: Osmar Núñez 5Tribunas ¡Excelente!

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas:mala /pésima

Ficha Técnica / Artística:

Título original: Los Prójimos.

Dramaturgia: Carlos Gorostiza (derechos otorgados por Argentores). Dirección / Adaptación: Nicolás Yannicelli.

Reparto: Tomás Blatt, Alejandro Monetta, Antonella Lagamba, Claudio Sirna, Nela Shagrosky, Martha Tallaguirre.

Género:Comedia Dramática –Voz Over: Mumy de los Ríos.

Producción General:Perspectiva Producciones / Antonio Lagamba.

Arte y Escenografía: Cristian Tito–Fotografía: Edd C Rost.

Vestuario: Antonella Lagamba –Diseño gráfico: Victoriano Pololla.

Fotografía: Edd C Rost –Maquillaje: Mechi L.

Sala: Teatro Porteño, Av. Corrientes 1630 / CABA.

Web: www.teatroportenio.com.ar

Tel: (011) 4372 - 5474–Día y horario: domingos: 20 hs.

Costo localidades: $ 300 –País: Argentina – Año: 2017 – Duración: 80min. Fecha de estreno: 04-06-2017.

La pieza literaria “Los Prójimos” escrita en 1965 por Carlos Gorostiza (1920 -2016), fue Premio Nacional de Teatro – 1967. Convertido en otro texto canónico, eldramaturgo de marras formó parte del «nuevo realismo» del teatro argentino. Una escuela donde el autor cree que la realidad se presenta hasta cierto punto equilibrada, lógica, y que puede reflejarse tal como es. El espectador asiste al juego crítico de la burguesía porteña; a su inconsistencia ideológica, y la persistente fascinación de evadir la responsabilidad social. El teatro realista argentino se funda en la creencia de una mirada comprometida, donde lo que allí se expresa tiene una clara función solidaria.

Argumento. Asistimos a una historia minimalista en dos actos: el primero en el espacio-tiempo de 1960; segundo acto, en los 2000. Tiempo presente. En el interior de un departamento de clase media, un montaje de época reúne a Lita (Nela Shagrosky) y Hugo(Alejandro Monetta), dueños de casa. El tercer personaje: Tito. Amigo de Hugo, que los visita cada noche. Completan elenco la vecina Rosa(Martha Tallaguirre),que pide prestado el teléfono; su marido Felipe(Claudio Sirna),un hombre enfermo y taciturno; y la vecina bonita (Antonella Lagamba) a quien envidian y desean. Sus vidasse verán atravesadas por los gritos de una mujer agredida por su pareja. Una súplica proveniente de los pisos inferiores. Este espectáculo es observado desde el balcón por los 6 personajes. Un buen cuento de principio a fin.

La elipsis espacio-tiempo, un logro en la adaptación del director Nicolás Yannicelli, multiplica la resolución del conflicto sin fin: La violenciaque se desata afuera y que observan desde el balcón, expone las miserias humanas en doble plano: el individual y el colectivo. Individual, ocurre en un cuarto piso con balcón, donde hay discusiones de tinte político;la supuesta movilidad clasista que trajo el peronismo; sitúa toda posibilidad de agresión en la rivalidad de clases proletarias versus el liberal pequeño burgués que confronta con los sindicatos y sus secuaces. El otro, “el balcón” - verdadero disparador narrativo – donde se escucha el famoso “no te metás argentino”; la apatía, y esa industria del chisme tan caro a la hora de despotricar contra el diferente. ¡Algo habrán hecho! se escucha también.

Los textos trabajan la bondad y el ocio de una pareja convencional y la relación con sus vecinos. Juntos ¡son dinamita! Todo puede ocurrir. Un auténtico delirio de ocurrencias y situaciones disparatadas, donde categorías de razón política y moral se asocian para definir el presente histórico. Una adaptación inteligente – de inicio en 1965, pero a mitad de camino la estética se moderniza a nuestros días –, sin cambiar la esencia de la historia, creando un paralelismo social entre las dos épocas. La paradoja delrégisseurYannicelli se percibe en la platea: La incomunicación ausente en los ‘60 está tan o más presente en los 2000. Este Cambalache siglo XXI donde hay más tecnología de la información (internet, celulares, redes sociales, etc.), concluye en un mundo “observacional” – de fetichismo visual – y no de intervención manifiesta al prójimo.

El perfil psicológico y conductual de cada personaje se siente: compone verdaderos opuestos y de confronto. Clisés y personajes extravagantes que, en algún punto, se identifican con estas posibilidades. Caricaturas risueñas del mediopelo argentino, y la movilidad social. En esta caja de Pandora se observa: una vecina extravagante, excéntrica, dedicada a la industria del chisme dentro del condominio; un matrimonio joven inexperto en la comunicación de pareja y el amor. Lo que se debate en el pensamiento del autor, es la violencia doméstica / intrafamiliar, y su resolución. Desde lo personal y lo colectivo. Tomar partido o no, es una metodología de iniciación histórica.

Para el final, el personaje de Tito, como modelo superador en la construcción de un protagónico entrañable y multiplicador: un solterón empedernido, el pequeño burgués desencantado de los sindicatos o gremios. Les pasa factura a todos. Por su rol de actor gira toda la dramaturgia. Incluso hay un quiebre, un Insight:“necesito de alguien que me cuide”. Por el uso del espacio escénico y el poder de repentización para regalarnos costumbrismo social bien entendido; es la vara para medir la moral secular de una sociedad hipócrita que esconde lo que le asusta, y muestra lo que no tiene. La metodología campo-fuera de campo, como modelo de observación desde el balcón. Un disciplinador en el arte de fisgonear y ocultar las miserias de la condición humana.

La obra es un espejo donde el autor pretende que nos miremos para reflexionar sobre la identidad hacia adentro y hacia el afuera. Dos planos de la misma realidad. ¿El realismo crítico de Gorostiza deja lugar a la esperanza y el cambio?“Siempre encontraremos gente que te que te quiere culpar de sus fracasos, y cada quien tiene lo que se merece” - respondería el genial William Shakespeare.

Concluye el segundo acto y el juego del teatro. Se asocia el emocionante Rendezvous de autor: Un cuadro de personajes en oposición y la metáfora de la incomunicación global. El creador del “Teatro Isabelino”imaginó hace siglos elrealismo social y sus contradicciones:“Palabras, palabras, palabras” (Hamlet / Segundo Acto).

Puntaje de la obra de teatro: 4 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Tomás Blatt 5 Tribunas ¡Excelente!

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

Tribuna de Periodistas dialogó con Tomás Blatt, cuyo protagónico brilla con luz propia en “Los Prójimos”.

–Su personaje de “Tito” como centro del espacio escénico: ¿Cómo lo construye?

–

–Dicen los maestros que el actor lleva dentro de sí todos los personajes posibles, es cuestión de buscarlos. En el caso de “Tito”, lo encontré en la parte de ese “enano fascista” que llevamos dentro. Lo busqué y construí también desde el exterior, desde el lugar en que vi en muchos de nosotros, lo vivido y escuchado en mi juventud salió. Por otra parte tomé la soledad de “Tito”, que va todas las noches a charlar con su gran amigo Hugo, para no sentirla tanto. La comparé con la vida “protegida” de Felipe, lo cual me ayuda a alimentar toda esa reacción y casi odio que depositara en él. “Tito” es soledad, insatisfacción y falta total de empatía: si no me quieren –quizás porque yo no me dejo –entonces tampoco querré. Si es el nexo, es porque va diciendo y sacando afuera lo que muchos de ellos piensan en realidad y dado su falta de filtros lo dice y permite que los otros se plieguen o no, caso la vecina. Que los otros tomen partido por una posición u otra. Es casi la contra conciencia de la vecina.

–El segundo acto –de aggiornamiento de Nicolás Yannicelli –es superador al primero. Por emoción, dinámica grupal, y contradicciones de lo jugado. ¿Cómo lo observa?

–El acto 2 puede que sea visto como superador, pero no creo que sea por el aggiornamiento (más allá que esta vuelta de tuerca es magistral para llevarnos a la conclusión). La superación me parece viene ya del texto de Gorostiza. En el acto dos todos muestran sus cartas, si es que aún faltaba hacerlo. Evaden responsabilidades habiendo tomado una supuesta decisión, se agrupan en su miseria, destilan lo que son. “Tito” parecería mostrar algún atisbo de empatía, pero es sólo para ser parte y no ser ayuda y terminar así tomando con total naturalidad lo que sucedió.

–En la conclusión del relato,ellugar de encuentro autor–público, y el cuadro final: ¿Las contradicciones sociales de los ‘60 vuelven en los 2000?

–Claramente es la cachetada final que nos dan el autor desde texto y director desde puesta. Los ‘60 y los 2000 son iguales, la esencia no cambió… (Ni cambiará cuando seamos muchos más en el 3000, me animo a decir). Diría que sí, la incomunicación, el dar la espalda, “el no te metás” persisten. Más allá de la toma de conciencia mucho mayor hoy en día por algunos temas, desde ya por la violencia de género y los derechos humanos en general, parecería que Gorostiza nos dice que todo lo negativo aún está y estará presente. Es innato del ser humano. Incluso puede convivir con el amor, la amistad, el compañerismo o los sentimientos maternales.

Gustavo Contarelli

Ficha Técnica / Artística:

Título original: Currículum Vitae.

Dramaturgia: Sobre textos de Roberto Arlt, Osvaldo Dragún, Cristina Merelli, Maestro y Vaimann.

Dirección / Adaptación: Julián Márquez –Género: Comedia Dramática.

Reparto: Nicolás Yannicelli (El Jefe), Analía Gastaldi (La Empleada), Alejandra Mussaco, Sergio Tito, Emanuel Ochoa, Mariano Fernández, Andrés Ponce, Lara Presentado (Renata)–Producción General: Sentir Arte.

Arte y Escenografía: Julián Márquez, Alejandra Mussaco.

Fotografía y diseño: KL Diseño –Vestuario: Sentir Arte

Sala: Teatro Maipú, Av. Maipú 380 / Banfield (Prov. Bs.As.).

Costo localidades: www.sentirarte.com.ar (Precios y contratación).

País: Argentina – Año: 2017– Duración: 80min.

Fecha de estreno: 21-05-2017 –Próxima función: 12-07- 2017 (10 y 14 hs.) y 05-10-2017 / Teatro Raúl Soldi (Rafael Obligado 336, Glew): 03- 07-2017.

En otra producción de Sentir Arte, en el coqueto Teatro Maipú (Banfield), llega “Currículum Vitae”. Son cuatro relatos breves de diferentes autores – articulados en un sólo envío – donde el eje narrativo gira en torno al trabajo, la búsqueda del deseo y la realización profesional. Una mirada crítica de la opresión y despersonalización propias del capitalismo y sus contradicciones. No obstante, la esperanza y la convicción en la superación personal saldrán a escena para confrontarla.

Argumento. La pieza se organiza en cuatro textos de autores diferentes: “La Isla Desierta” (Roberto Arlt); “El Hombre que se convirtió en Perro” (Osvaldo Dragún); “Vengo por el Aviso” (Cristina Merelli) y “Vocación”, (Maestro y Vaimann). La impronta narrativa de Arlt y Dragún, son la fuerza núcleo de una dramaturgia clara, profunda y reflexiva. Como lecturas obligadas de autores que redefinieron lo temático y lo lingüístico en la relación artista-época. La estética de la repetición de sucesos que le ocurre a un hombre – tras frustrados intentos de conseguir un empleo – y decide trabajar de perro. La desocupación, la desesperación, y los espacios de explotación y maltrato del ser humano, se juegan en una puesta arriesgada y actual.

Sentir Arte es un grupo de teatristas con una logística pedagógica sui géneris. Teatro didáctico que crea escuela y ciudadanía. Dirigida a alumnos de nivel secundario, una pieza provocadora para desafiar la pereza de las emociones y el pensamiento a través de historias de maltrato y superación. Invita a pensar la deshumanización, el conformismo, la marginalidad y el abuso de poder. Llanto, risas, amor y realidad en una trama borderline: ¿Cuál es el límite de la razón y la desesperación? ¿Hasta dónde somos capaces de llegar? ¿El fin justifica los medios? Un principio de moralidad secular se hace presente.

El lenguaje de la representación posee un hilo conductor manifiesto: el diagnóstico de violencia y acoso laboral. Problemática muy presente en la modernidad. Hay un nivel de frustración donde los personajes muestran sus miedos, miserias y sueños rotos. En la búsqueda laboral, “El Jefe” (Nicolás Yannicelli), construye un “villano” peculiar: un selector de personal que juega con la desesperación de la gente y degrada al postulante. “La “Empleada” (Analía Gastaldi) su partenaire de lujo. Con la dramaturgia al hombro, este torbellino de talento y generosidad actoral impregna tensión e histrionismo sobre tablas. El uso y la explotación del espacio escénico le son connaturales. Así, es la propia Gastaldi quien conceptualiza la pieza: “no darse por vencido; hay que perseguir los sueños y la vocación que tenemos. Eso nos hace feliz”.

El resto del elenco de “Currículum Vitae”lo integran: Alejandra Musacco, Mariano Fernández, Sergio Tito, Lara Presentado, Andrés Ponce; con la dirección y adaptación de Julián Márquez. Los personajes salen a escena con una bolsa de papel cubriendo sus cabezas. Que en fila india esperan ser entrevistados en la búsqueda del trabajo salvador. Simbolismo de multitudes de individuos anónimos en soledad que esperan. Un inteligente recurso descriptivo, que denota invisibilización del sujeto y la anomia social que se inserta. Lo absurdo, el humor negro, lo simbólico, lo realista, se entroniza con la música incidental del “2x4”. Es el tango y la nostalgia de un tiempo que se fue.

La búsqueda de empleo y el conflicto social de la obra concluye: Hay un lugar de encuentro y quiebre donde la platea se identifica con la puesta y lo jugado. Arremete contra la visión utilitarista de la vocación de los hijos asociada a carreras liberales exitosas. Son los hijos que deciden la vocación no los progenitores. Rompe con los guiños de preceptos morales tradicionales sobre el deber ser. Quizá, la felicidad habría que buscarla como hizo el multifacético Roberto Arlt, en un pequeño laboratorio químico de Lanús. Allí, sus inventos sin fin: las medias de mujeres reforzadas que no se corren. Es la vocación una entelequia humana.

Puntaje de la obra de teatro: 3 ½ Tribunas

Puntaje actor protagónico: Analía Gastaldi 5 Tribunas ¡Excelente!

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

 Tribuna de Periodistas dialogó con Julián Márquez (foto),director de la obra “Currículum Vitae”:

–¿Cómo trabajó los textos de Arlt, Dragún y compañía, en un sólo relato?

–

–El objetivo era poder armar una obra sólida en relación a estos 4 excelentes textos que desde el vamos son muy diferentes en estilos entre sí. La adaptación fue un desafío hermoso donde se combinó igualdades y diferencias. Es la clave de la adaptación: la búsqueda de la esencia y la problemática en común de los personajes.

–La música incidental del “2X4”, trae nostalgia e identidad ciudadana. Junto a la incertidumbre de la desocupación que asedia a la sociedad: ¿Es el empleo o la vocación el eje de la obra?

–Es la vocación, la deshumanización y el sistema perverso donde estamos sumergidos. Perseguir los sueños sólo puede ser una utopía. Queremos romper con este precepto. Priorizar la felicidad del ser sobre la producción de un sistema socio-económico perverso.

–El personaje de “El Jefe” (Nicolás Yannicelli), como símbolo del realismo económico o un disparador de narrativa: ¿la bondadde “La Empleada”versus el villano?

–El personaje de “El Jefe” es la opresión, la peor cara de la realidad económica y social que atraviesa al ser humano, donde el poder importa más que la vida. La conciencia limitando nuestras pasiones. La contracara es la adolescente (Lara Presentado) que lleva adelante sus sueños, enfrentando al resto de los personajes.

 Gustavo Contarelli

La fiesta de los premios Martín Fierro a lo mejor de los contenidos de televisión de aire que realiza anualmente APTRA (Asociación de Periodistas de la Televisión y la Radiofonía Argentinas) se llevó a cabo el domingo 18 de junio pasado, desde el suntuoso Hotel Hilton (Canal 13. / 21.15 hs.). Cuando la ceremonia se cumplía en tiempo y forma – el singular aditivo un elenco de artistas oscurantistas y su liturgia: «la exacerbación de la dialéctica populista K». El tópico no es nuevo, tampoco el mamarracho de sus aportes a la gala. (Ver:http://periodicotribuna.com.ar/8600-la-television-basura-y-los-artistas-genuflexos.html). La televisión basura y los artistas genuflexos recargados.

Para entender la lógica posmoderna de los artistas alcahuetes y serviles del relato kirchnerista, sugiero abordarla desde la psicología de la mentira: mienten para salvaguardar la imagen que se tiene sobre ellos; la principal razón de la mentira es la vergüenza. La mentira no sólo oculta la verdad, sirve para enmascarar y favorecer la opinión social, dando seguridad y protección al que miente. Todo el discurso / relato K es un plano secuencia de mentiras. Viven y explotan la mentira como una realidad social. La falacia metodológica es la posverdad. Una contracultura torpe y “berreta” su presentación.

Son los mismos actores bravucones, llenos de rencor y odio al que piensa y siente diferente. El juego de la democracia republicana no lo entienden. Son torpes. Se nota. Los artistas (¿?) Pablo Echarri, Nancy Dupláa, Gerardo Romano, son individuos que cacarean por izquierda, ponen los huevos ycobran por derecha. Juntos conforman ese “Acting de hipocresía” del mediopelo y exudan su contradicción. Unas de las primeras lecciones en el arte escénico, es la “composición del personaje”; la declamación y la ocupación del espacio escénico. Los de marras, hasta en eso son amateurs. Analicemos “el discurso político” de los actores militantes, que no deberían prestarse en una ceremonia de fiesta y alegría del arte y la comunicación, aplicando la psicología del comportamiento para refutar a estos advenedizos y su inconsistencia discursiva:

Caso 1: Pablo Echarri. Al recibir el Martín Fierro por “La Leona” (de su productora El Árbol, propietario junto a Martin Seefeld. Hoy rota la sociedad). Echarri / Acting 1: “Se lo quiero dedicar a todos los que estuvieron identificados con “La Leona”, que intentó ser una novela más pero en el momento en que cayó terminó representando a una gran cantidad de gente, quiero agradecerles a los desocupados y a todas las cooperativas que fueron la mayor expresión de trabajo en un momento donde las cosas son adversas” (1)

Seefeld, a su turno quiso poner un manto de piedad: "Me siento muy orgulloso por este premio, le quiero agradecer a todos los que confiaron, a todo el equipo técnico y quiero destacar que se puede trabajar pensando y sintiendo diferente pero con respeto y profundo amor por lo que hacemos".

Caso 2: Nancy Dupláa. Que toma el micrófono y representa su papel libertario /de heroína, de crítica social a la “división internacional del trabajo” (como si fuera una militante del prehistórico Partido Obrero). Dupláa / Acting 2: "Cuando un determinado sector quería boicotear la novela, ellos se la pusieron al hombro”. Así, embistió contra el actual gobierno de Cambiemos al sostener que se cerraron fábricas en este año y medio. El tándem de actores Dupláa & Echarri, concluyen al levantar el premio con la dedicatoria: "a los desocupados y a las cooperativas". Ambos, son el verosímil de los que gobernaron ayer, y se victimizan en “La Grieta” de hoy. Ellos fueron parte del mismo sistema de exclusión kirchnerista, que hoy dicen combatir en el macrismo. (1)

El Árbol, es una productora de multimedios con sede en CABA. Fue creada en 2010, por Pablo Echarri,Martin Seefeld y Ronnie Amendolara. En 2015, El Árbol estuvo a cargo de la producción de “La Leona” junto con Telefé. La misma es una Sociedad Anónima (S.A.), no una Cooperativa. En la S.A. el factor principal es el capital; en la Cooperativa, el trabajo; la primera tiene fines de lucro, la segunda no. En la S.A. los accionistas son los dueños, en las cooperativas, los asociados. En una palabra: si tanto le preocupa por solidaridad, la gente, los obreros, sus empleos y /o familias ¿por qué no transforma su negocio (El Árbol) en una cooperativa?¿Qué sea un socio más en una cooperativa y perciba los ingresos que le corresponde? Por lo visto, son nacionales y populares (en el discurso), pero no boludos. (2 y 3)

Esta pareja de artistas tan peculiar, parece que ha vivido durante la “Década Saqueada Kirchnerista”, en una organización social y política digna de los países nórdicos: que los K han dejado una educación como Finlandia; una distribución del ingreso y una inversión en ciencia y tecnología como Suecia, y una oferta laboral y respeto por los DD.HH. como Noruega. ¡Patrañas! Es el dogmatismo de contracultura – representado por personajes en la construcción del villano – que vuelve por su poder perdido. La mentira que se hace pasar por verdad. La falacia se llama Dupláa, Echarri, Romano, o el impresentable Diego Brancatelli. Incluso este adulador todoterreno, arremetió contra el periodista Jorge Lanata y le dejó una muñeca de regalo: “La Cristinita de la suerte” / "Para cerrar la grieta", le dijo. Lanata se rió y le respondió: "Me parece una boludez, pero está todo bien”. Es el info-entretenimiento arropado de arte escénico. La narrativa siempre la misma: el dogma kirchnerista y su división del mundo en amigos o enemigos. (1)

Con todo, La Sociedad de Actores que dirige Pablo Echarri perdió un juicio en España. Tendría que dar explicaciones de su gestión en la SAGAI (Sociedad Argentina de Gestión de Actores e Intérpretes), que recauda derechos de imagen y sostiene un conflicto con la española AISGE (Artistas Intérpretes Sociedad de Gestión). Argentina no tiene reciprocidad. Así expresa la actriz española Pilar Bardem –presidenta de AISGE – y madre de Javier Bardem: “Cuando una entidad de gestión recauda en nombre de determinados titulares de los derechos y una vez recaudado comienza a tomar decisiones de naturaleza mercantil y altera el reparto equitativo comete el mayor de los atentados contra la democracia, la justicia, la transparencia y la dignidad de los colectivos que administramos y que nos han depositado su confianza”. Ni con los españoles ni con los compatriotas. La justicia española emitió un duro fallo contra SAGAI. Sospechan que hubo administración fraudulenta de los fondos. (2)

En fin, “La Leona” muestra las miserias de los protagónicos: una doble moralidad y la hipocresía de un clan de aplaudidores y lacayos que, disfrutaron las mieles del poder y hoy, resisten la pérdida del mismo. Echarri, Dupláa y Romano, simbolizan lo peor de la militancia rentada o prebendaria. Son capangas – buenos para nada– que más temprano que tarde: ¡Una sombra ya pronto serás!

 Pablo Echarri desmintió que hayan querido agredir al periodista Paulo Vilouta. Se lo puede ver haciendo un gesto obsceno mientras Vilouta recibía su premio: La estupidez de los artistas K es ilimitada.

 “El Marginal”. Mejor Programa Unitario y /o Miniserie: Canal 7 TV. Pública Argentina. Martín Fierro de Oro 2017.

- Julieta Díaz. Mejor Actriz Protagonista en Unitario y / o Miniserie: “Silencios de Familia”.

- Adrián Suar. Mejor Actor Protagonista en Unitario y /o Miniserie: “Silencios de Familia”.

- Antonio Gasalla. Mejor Labor Humorística: “Susana Giménez”.

- Maite Zumelzú. Mejor Actriz de Reparto: “Por Amarte Así”.

- “NotiCampi”. Mejor Programa Humorístico /De Actualidad.

-Susana Giménez. Mejor Programa de Entretenimiento. Telefé.

- “El Marginal”. Mejor Programa Unitario y /o Miniserie: Canal 7 TV. Pública Argentina.

- Luis Novaresio. Mejor Labor Periodística Masculina / “Desayuno Americano”.

-“Telenoche”. Mejor Noticiero. Canal 13 (ARTEAR).

- “Carburando”. Mejor Programa Deportivo. Canal 13.

- “La Noche de Mirtha”. Mejor Programa de Interés General. Canal 13.

-“Showmatch”. Mejor Reality. Canal 13.

- “Panam y Circo”. Mejor Programa Infantil / Juvenil. Canal 13.

- “El Diario de Mariana”. Mejor Magazine. Canal 13.

- “Calles Felices”. Mejor Aviso Publicitario. Leo Burnett Argentina.

-“Intratables”. Mejor Programa Periodístico. América TV.

-“Pasión de Sábado”. Mejor Programa Musical. América TV.

-Paulo Vilouta. Mejor Panelista. “Intratables”.América TV.

- Diego Ramos. Mejor Actor de Ficción Diaria /Comedia. “Educando a Nina”.

- Griselda Siciliani. Mejor Actriz Protagonista de Ficción Diaria /Comedia. “Educando a Nina”.

- Guillermo Salmerón. Mejor Autor /Libretista. “El Marginal”.

- Adrián Caetano. Mejor Autor / Libretista. “El Marginal”.

- Andrea Rincón. Revelación. “La Leona”.

- Miguel Ángel Solá. Mejor Actor de Reparto. “La Leona”.

- Telefé. Mejor Ficción Diaria. “La Leona”.

- Nancy Dupláa. Mejor Protagonista de Ficción Diaria /Drama. “La Leona”.

-“Ambiente y Medio”. Mejor Programa Cultural /Educativo. TV. Pública Arg.

- Diego Torres. Mejor Cortina Musical.

- Juan Darthés. Mejor Actor Protagonista de Ficción Diaria / Drama. “Los Ricos no piden Permiso”.

- Marcelo Tinelli. Mejor labor en Conducción Masculina. “Showmatch”.

- Alejandro Ripoll. Mejor Director. “Showmatch”.

- MirthaLegrand. “Premio de Brillante”.

- Ignacio Otero. Mejor Cronista / Movilero. “PPT”. “Telenoche”.

- “El Marginal”. Premio de Oro. Canal 7 TV. Pública Argentina.

- MirthaLegrand. Mejor Labor en Conducción Femenina. “Almorzando con Mirtha Legrand / La Noche de Mirtha”.

- Ramón Andino. Premio Honorífico.

- Luciana Geuna. Mejor Labor Periodística Femenina. “PPT” / “Telenoche”.

-Susana Giménez. Premio a la Trayectoria.

Nancy Dupláa y su discurso político en los Martin Fierro.

 Martín Fierro 2017 / el regalo que Diego Brancatelli le llevó a Jorge Lanata: el gran papelón de la noche.

Gustavo Contarelli

Referencias:

1)http://www.lanacion.com.ar/2035092-martin-fierro-2017-pablo-echarri-hablo-sobre-su-polemica-foto-junto-a-nancy-duplaa

2)http://www.perfil.com/espectaculos/un-acuerdo-que-genera-dudas-entre-los-actores-0402-0084.phtml

3)http://www.lanacion.com.ar/1895480-victimas-de-la-grieta-pablo-echarri-y-martin-seefeld-disolvieron-su-sociedad

Ficha Técnica / Artística

Título original: Madre Amadísima.

Dramaturgia: Santiago Escalante.

Dirección / Puesta en escena: Daniel Cinelli.

Reparto: Oscar Giménez–Género:Unipersonal / Drama.

Voz over: Femenina,Pepa Luna / Girasol, Santiago Escalante.

Vestuario: Paula Molina – Diseño gráfico: www.conamor.org

Operación de luces: Matías Canony,Mario Gómez.

Sonido: Alejandro Piar– Fotografía: David Rosso.

Prensa y RR.PP.: Alfredo Monserrat / www.alfredomonserrat.com.ar

Sala: Teatro Buenos Aires, Rodríguez Peña 411 Esq. Corrientes / CABA.

Web:www.teatrobuenosaires.com.ar

Costo localidades: $ 300 – Reservas: 5218-5214.

País: Argentina – Año: 2017– Duración: 90min.

Fecha de estreno: 03-07-2017 – Hasta: 28/08/2017–Funciones: lunes 21 hs.

El dramaturgo español Santiago Escalante, estrenó en el Teatro Buenos Aires su obra “Madre Amadísima”. El unipersonal interpretado por el multifacético actor Oscar Giménez, tiene la nueva versión del texto original y montaje adaptados por el propio ibérico. Una prosa con elementos simbólicos lorquianos, que fusiona estilos narrativos de lo gestual, lo metafórico y lo flamenco. El resultado: una profunda-dramática y entretenida pieza teatral.

De la pieza expresa el autor: “es un caso atípico, con un texto que nace como obra teatral, que luego se convirtió en película, luego en novela, y que ahora se estrena en Buenos Aires. Pero también hay otras vías abiertas para estrenarla en México, Brasil o Cuba”. ¿Qué encontrará el espectador en este unipersonal con acento español y algo más? Una historia minimalista, de un costurero /modisto, atravesada por el franquismo y la tortuosa relación de una familia disfuncional. Los prejuicios de época; una sociedad pacata y el humor ácido andaluz que se las trae. Una buena opción de literatura teatral y entretenimiento. No es poco.

Argumento: Es la historia de Alfredito– en la epidermis de Oscar Giménez (”El Buen Canario”, de Zach Helm): un “maricón de pueblo” (SIC), nacido en 1954 en la Baja Andalucía, con una madre estupenda, un padre de férrea disciplina tradicional y conservadora, en una sociedad pacata y prejuiciosa. De oficio sastre /vestidor de la virgen. Transforma los recuerdos tristes y penosos en jocosa alegría andaluza. Crece durante el régimen político de Francisco Franco. Su tortuosa infancia; el despertar homosexual; el servicio militar; la militancia en el Partido Comunista; sus amistades, la adorada madre y la virgen negra (el maniquí), su confidente. Alfreditolucha por ser feliz, sufre y ríe con las mismas emociones que cualquier otro ser humano, en cualquier tiempo y lugar.

Como todo unipersonal /monólogo / soliloquio, hay que tener en cuenta los siguientes guiños que el dramaturgo monta en el espectáculo: hay un sólo discurso que genera el protagonista (Giménez). El personaje no se dirige a un interlocutor material sino ideal. Es auténtico y desenfadado. Se expresa con la voz y el pensamiento. Hay voz over desde el exterior del espacio escénico que juega con el público y enriquece la puesta. El monólogo de Alfredito enmascara otra realidad: hay diálogos que efectúa el personaje consigo mismo y con el fetiche, el maniquí de la Virgen. El texto posee la impronta del culturalismo español y la riqueza de los poetas de su clase. Así, articula con éxito la expertez del Régisseur Daniel Cinelli.

El spot publicitario reza: “Todos tenemos derecho a nuestra parcela de felicidad”. Es el deseo del protagónico. En un montaje minimalista, el sastre, la silla y el maniquí de la Virgen. Asistimos al «Teatro Conceptual», como una manera de cuestionar la naturaleza del arte escénico. El monólogo de Alfredito es una crónica de momentos buenos y malos. De violencia doméstica, de tensión. Es una crítica social al oscurantismo español. ¿Pero cómo sale de la retórica pesimista? Con la poderosa fuerza del humor que alecciona y descomprime contracturas. Nos amiga con otra realidad y sus sueños.

La crítica literaria encontrará obstáculos cuando una obra – como “Madre Amadísima”– hecha con modismos de un terruño determinado no universal, de forma que la asimilación entre nación y lengua quede en entredicho: la nación española y los otros países donde se monte la pieza. Hay mucho ornamento y poca elipsis /síntesis: 90 minutos es redundante. 60 minutos sería superador. Lo bueno, si breve, dos veces bueno ¿verdad?

Cae el telón de la representación artística. El trabajo de Oscar Giménez es demoledor. Un saber-hacer para transformar la ficción en realidad y su construcción de verosímil con autoridad. En ese maridaje de literatura contemporánea, la metáfora del poeta Evaristo Carriego en “La costurerita que dio aquel mal paso”. La costurerita/to deberá distinguir entre vestido y disfraz, uno de los mayores desafíos de su oficio.

“¡Qué cara tenía la costurerita,
qué ojos más extraños, esa tardecita
que dejó la casa para no volver!”

Puntaje de la obra de teatro: 4 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Oscar Giménez 5 Tribunas ¡Imponente!

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima 

Gustavo Contarelli

En los cursos que el Nobel de Literatura (2010) Mario Vargas Llosa ofrece en la Universidad Complutense en el Escorial (España), abordó un tema siempre candente: su relación personalcon otro peso pesado del arte de la escritura: Gabriel García Márquez(1927-2014).El pasado jueves 6 de julio de 2017, dentro de un programa dedicado al autor de “Cien años de soledad”, dio precisiones sobre el legado de “Gabo”. La vida del polémico ensayista colombiano, va más allá de las contradicciones: vivir como burgués y apoyar las dictaduras latinoamericanas. Ha redoblado la apuesta como plumífero contracultura, enemigo de la ciencia y el progreso humano. ¡Todo a favor! (1).

Habló del origen de su amistad allá por 1967. Hasta su ruptura por cuestiones políticas en 1976, en gran medida por la postura antagónica sobre la Revolución Cubana. Ambos fieles exponentes del “Boom Latinoamericano” (un fenómeno literario que surgió entre los años 1960 y 1970), que compartieron momentos de candor, separados por “La Grieta” del populismo autoritario latinoamericano. Tras explicar las diferentes ideas, el escritor peruano ha dicho que “trasel distanciamiento, nunca tuve contacto con él y jamás volví a estar con él" / "García Márquez tenía sentido práctico de la vida, descubrió en ese momento que era mucho mejor para un escritor estar con Cuba que estar contra Cuba, él se libró del baño de mugre que recibimos después todos los críticos". (1 /2)

Con todo, el intelectual peruano recordó que ambos son subsidiarios de un referente común: el modernista norteamericano William Faulkner (1897 – 1962). Márquez en “Vivir para contarla” y Vargas Llosa en “El pez en el agua”, admiten su influencia en la narrativa. Vargas Llosa hace una crítica retrospectiva a la batalla cultural de la izquierda latinoamericana: “La izquierda es la que tiene el gran control de la vida cultural en todas partes, y de alguna manera enemistarse con Cuba, criticarla, era echarse encima un enemigo muy poderoso y además exponerse a tener que estar en cada situación tratando de explicarse, demostrando que no eras un agente de la CIA, que ni siquiera eras un reaccionario, un pro-imperialista. Mi impresión es que de alguna manera la amistad con Cuba, con Fidel Castro lo vacunó contra todas esas molestias”. Verdad de Perogrullo, ya que “Gabo” cultivó una amistad fecunda con el tirano Fidel. (1/2)

El Premio “Príncipe de Asturias de las Letras” (1986), rememoró la fascinación que tenía el creador de Macondo por el poder: “García Márquez tenía una fascinación enorme por los hombres poderosos, su fascinación no solo era literaria sino también vital, un hombre capaz de cambiar las cosas por el poder que tenía le parecía una figura enormemente atractiva, fascinante. Se identificaba muchísimo con esos poderosos que habían cambiado su entorno gracias a su poder, en el buen sentido y en el mal sentido por igual. Un personaje como el Chapo Guzmán creo que le habría fascinado a García Márquez, inventar un personaje como el Chapo Guzmán o como Pablo Escobar estoy seguro de que para él sería tan absolutamente fascinante como Fidel Castro o como Torrijos”.

“Como escritores vivimos un periodo en el que la literatura latinoamericana era una credencial positiva. Descubrir que de pronto soy el último sobreviviente de esa generación y el último que pueda hablar en primera persona de esa experiencia es algo triste”, concluyó. (1/2)

Mario Vargas Llosa, no recordó en ningún momento el apego que García Márquez tenía por el esoterismo y las pseudociencias. Por eso lo hago a continuación. Y no hablo de su escuela el realismo mágico /fantástico, ya que es literatura ficcionada, y está en todo su derecho creativo. Me refiero a sus afirmaciones y ataques a la ciencia y al progreso de la civilización. Un solo ejemplo para ilustrar su prosa contracultura, marginal y oscurantista: su afición por la astrología, clarividencia, ovnis y otras yerbas me exime de comentarios: (3)

(Pregunta de entrevista) “– ¿A qué atribuye esta persistencia de algunos científicos en negar, no ya la posibilidad de que existan naves extraterrestres, sino también el fenómeno en sí?
– Lo que pasa es que la humanidad no supo merecer la sabiduría de los alquimistas, que consideraban el laboratorio como una simple cocina de la clarividencia, y ahora estamos a merced de una ciencia reaccionaria cuyo dogmatismo ramplón no admite las evidencias mientras no las tenga dentro de un frasco. Son científicos regresivos que niegan la existencia de los marcianos porque no los pueden ver, sin preguntarse siquiera si los marcianos no serán los microbios que nos hacen la guerra dentro del cuerpo.
Mientras la ciencia sea experimental – y no clarividente, como lo fue la alquimia y como sólo puede serlo la poesía en nuestros tiempos – la humanidad seguirá formando parte del reino de los percebes(crustáceos). Seguiremos viendo con la boca abierta esos discos luminosos que ya eran familiares en las noches de la Biblia, y seguiremos negando su existencia aunque sus tripulantes se sienten a almorzar con nosotros, como ocurrió tantas veces en el pasado, porque somoslos habitantes del planeta más provinciano, reaccionario y atrasado del Universo”. (4)

 El populismo ilustrado de García Márquez – ha seducido con su lírica comunofascista – al tiempo que disfrutó de las mieles del capitalismo burgués; no fue la única contradicción en su relato. El realismo fantástico abrevó enla obra de Louis Pauwels y Jacques Bergier, “El Retorno de los Brujos” (1960), de enorme influencia en la literatura latinoamericana. El populismo ilustrado de ayer, hoy es un espectro que se cierne sobre Europa: el espectro de «La Izquierda Anticiencia o “La Izquierda Feng Shui». (4 /6)

Pier Paolo Pasolini. Escritor, poeta y director de cine. Su crítica magistral al autor de “Cien años de soledad”: «Márquez es sin dudas un fascinante burlón, y tan cierto es ello que los tontos han caídos todos»(6)

Gustavo Contarelli

Referencias:

1)https://cultura.elpais.com/cultura/2017/07/06/actualidad/1499366796_414985.html

2)https://cultura.elpais.com/cultura/2017/07/07/babelia/1499445200_348553.html

3) Tesis Doctoral: Margarita Blancohttps://repositorio.uam.es/bitstream/handle/10486/10331/52463_Borrero_blanco_mariamargarita.pdf?sequence=1

4) http://confabulario.eluniversal.com.mx/ovnis-en-macondo/

5) “La Izquierda Feng Shui” / “La Izquierda Anticientífica” http://magonia.com/2017/06/28/izquierda-feng-shui/

6)http://www.elpais.com.co/entretenimiento/cultura/las-figuras-publicas-que-atacaron-la-obra-de-garcia-marquez.html

Ficha Técnica / Artística

Título original: Juegos de Amor y de Guerra.

Dramaturgia: Gonzalo Demaría.

Dirección y Puesta en Escena: Oscar Barney Finn–Género: Drama.

Reparto: Luisa Kuliok (La Madre),Diego Mariani (El Teniente),Walter Bruno (El Hijo), Sebastián Holz (Celeste Imperio), Diego Vegezzi (El Cadete). Producción: Mónica Benavidez – Arte y Escenografía:Alejandro Mateo.Iluminación: Leandra Rodríguez – Maquillaje: J.M. Pont Ledesma, O. Mulet.

Vestuario: Mini Zuccheri – Música: Sergio Klanfer–Fotografía: Javier Mollo.

Peinados: Paula Molina – Diseño Gráfico: Leandro M. Correa.

Asistencia Artística: Mauro J. Pérez, Lucía Cichitti, Mónica Benavidez.

Prensa y RR.PP.: Alfredo Monserrat / www.alfredomonserrat.com.ar

Sala: Centro Cultural de la Cooperación. Av. Corrientes 1543/ Sala Solidaridad. Tel: 5077-8000 / Boletería interno: 8313/ Costo localidades: $ 350.-/ $ 250.- Reservas: Alternativa Teatral – Web:www.alternativaentradas.com.ar

País: Argentina – Año: 2017– Duración: 80min.

Fecha de estreno: 07-07-2017 –Funciones: viernes y sábados: 22.30 Hs. / domingos 20 Hs.

El director de cine y teatro argentino Oscar Barney Finn, cuyos trabajos exhiben el exquisito método y solidez interpretativa de los que tienen formación y saben, vuelve a la Calle Corrientes con “Juegos de Amor y de Guerra”. Ahora, dirigiendo a la pareja protagónica Luisa Kuliok y Diego Mariani, con la producción de Mónica Benavidez. Una pieza necesaria para entender los convulsionados años ‘40: la posición de nuestro país en una contienda mundial, los sistemas totalitarios en Europa, y la prehistoria del peronismo. La dramaturgia comprometida con la historia y los conflictos de clase; una mirada crítica a los convencionalismos e hipocresías.

Argumento. Buenos Aires, 1942. Argentina y su neutralidad en la Segunda Guerra Mundial. No obstante, hay dubitaciones y simpatías por Eje Roma-Berlín. El Gobierno de Ramón Castillo no se resuelve: a favor de los alemanes o de los aliados. Un predicamento que parece solucionarse el 4 de junio de 1943 -con La Revolución de los Coroneles y golpe de Estado militar. Signando la suerte y la entronización histórica del militar Juan Domingo Perón. Con este trasfondo, se inscribe la presenta obra basada en un hecho real que conmovió los cimientos de la institución militar y el de una familia tradicional. La Madre (Luisa Kuliok), El Hijo (Walter Bruno) y El Teniente (Diego Mariani), atravesados por pasiones, violencia, extorsión, perversidad e intereses políticos y económicos. Lucha de clases, mascarada social, y los cambios políticos que despuntaron los inicios de una nueva época.

El texto del autor Gonzalo Demaría, trabaja la tensa relación de encuentro /desencuentro de una pareja sui géneris: Luisa Kuliok (La Madre / Carolina), una mujer snob presa de las convenciones sociales y del qué dirán – femme fatale– mujer destructiva, fascinante, demoníaca, que seduce a su paso. Su partenaire, Diego Mariani (El Teniente/Federico), rememora ser el hijo del verdulero que llegó a oficial del Colegio Militar. Él es un militar fuerte, aguerrido y determinado a sustentar hasta lo último su condición que lo estigmatiza. ¿Qué une verdaderamente a esta pareja de opuestos? En el fondo, son dos trepadores que les importa las formas más que el contenido de su moralidad secular. El resto del elenco: Walter Bruno (El Hijo), Sebastián Holz (Celeste Imperio), Diego Vegezzi (El Cadete). El hijo de Carolina, es un joven oficial con trastornos de conducta y una sexualidad no resuelta. De carácter introvertido, tiene vergüenza de su madre. Es el malestar en la trama que precede a la tragedia. Su personaje es el que sostiene el clímax del relato.

Barney Finn se vale de “montajes alternos”. Utiliza el recurso de las bambalinas transparentes, para multiplicar el espacio escénico y la narrativa visual. La escenoplástica asocia a los protagonistas de una época con guiños políticos que cuestiona la legitimidad del poder político: «La Década Infame» y el mandato de Castillo. “Juegos de Amor y de Guerra”, una comedia dramática tensa, profunda y movilizadora por los elementos jugados. Tópicos universales de bioética aporta al debate: el suicidio, la decisión capital, el travestismo, el sexo y el género, en un espacio-tiempo donde el conservadurismo popular invisibilizaba a las minorías diferentes.

El director de “Doña Rosita la Soltera” (2006), trabaja el monomontaje. Una puesta arriesgada: 1 mesa larga, 10 gorras militares, 2 sillas y 1 banco. Las bambalinas juegan un papel superador: domina la entrada y salida de los actores a escena. El mutis por el foro con precisión de joyería suiza, y las cuidadas escenas que pueden herir la susceptibilidad del espectador. El Régisseur está en todos los detalles. La montación – como lenguaje – se articula con un vestuario de época realista. Mediante el juego de luces se suceden los actos. El texto es anafórico: el último acto retoma la escena del primero. Un inteligente recurso de alteración del espacio-tiempo en la secuencia. Es el ser o no ser, la declamación, la culpa y la exoneración. Las frases cristalizadas del guión, son pedagógicas para comprender y conceptualizar la pieza: “Es tarde para todo, menos para ganarle al amor” /“La mujer comienza a pensar como un varón” / “A las minas les gusta el uniforme” (... miradas machistas del teniente).

El Teniente (Mariani), compone un personaje duro – “el semental criollo” – que tiene en claro el espíritu de cuerpo tan caro para las instituciones castrenses, contrapunto con la escena de desnudez de El Hijo (Bruno); la metáfora del vaciamiento, la crisis del joven oficial. Se entrega a un final preanunciado. La música no es incidental y melosa, es una partitura empática que simplifica narrativa. Hay tiempo para citas de adicciones a estupefacientes impensadas en la dinámica de la obra.

El amor y la guerra concluyen. El odio no. Un soberbio protagónico de Luisa Kuliok, nos obsequia su lírica en el uso de las emociones; su poder declamativo y su ubicación en el espacio escénico, condensa el exitoso Rendezvous donde el espectador, la obra y el autor, se encuentran y manifiestan: « ¡Me aferro a lo último que me queda: mi odio!» ¡Touché!

Sebastián Holz (centro). Como Celeste Imperio, un artista travestido. Instantes de musical y prosa afrancesada, con pinceladas de melodrama que multiplica la pieza. 

Tráiler oficial de la obra

Puntaje de la obra de teatro: 4 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Luisa Kuliok 5 Tribunas ¡Imponente!

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

Gustavo Contarelli

Ficha Técnica:

Título para Latinoamérica: Chávez Infinito.

Título original: Chávez Infinito.

Dirección: María Laura Vásquez–Guión: Alejandra Loprea, María Laura Vásquez– Género: Documental – Apta para todo público.

Reparto: Documentary.Entrevistas periodísticas, noticieros, archivo.

Montaje: Florencia Mujica– Música: Catara Estudio, Humberto Pérez, Miguel A. Machado – Fotografía: Miguel A. Machado–País: Argentina.

Año producción: 2017– Duración:74 min. – Estreno: 20/07/ 2017.

Cine: CINE.AR Sala Gaumont, Av. Rivadavia 1635 / Tel: 4382- 4406.

Entrada general: $ 30 – Sitio Web: www.sala.cine.ar

“Chávez Infinito” (2017) es un formato de propaganda política burda, una impostura de Documental. La idea es torpe si trata de construir un metraje político de calidad. He visto mejores argumentos en infantes de 3 años de edad. La cineasta argentina María Laura Vásquez –una reconocida activista del régimen chavista– no agrega nada nuevo al séptimo arte. Su metodología fílmica es básica y naif. Nada provocadora. 74 minutos de cinta que no aporta ideas en la representación de la realidad; el uso del montaje; la edición y la narrativa. Cine mesiánico en un monólogo alejado de los cánones de autor. ¡Todo a favor!

Argumento. La sinopsis oficial que proclama las “bondades” del proceso revolucionario de Hugo Chávez Frías (1954 -2013) en Venezuela. Es el carisma de un líder y su empoderamiento, que dejó la mayor grieta social y política que subsiste y se agrava hasta el presente. La estructura narrativa curiosamente poco habla de los orígenes del militar ex-cara pintada. Sólo su conversión al “Socialismo del Siglo XXI”, el asalto al poder y su muerte. Hay un sólo discurso, voces a favor, nunca la visión crítica y objetivade los indicadores de desarrollo del país. A través del seguimiento de ocho protagonistas (amantes del paraíso chavista) –en pseudo-formato documental– retrata las andanzas de un mesías histriónico, su liturgia populista alienante y la construcción hegemónica del poder.

Desde la primera apertura de plano, la prosa es mesiánica y apocalíptica. El rostro del “Comediante” Chávez (por error llamado Comandante), en un preámbulo redentor y costumbrista: monólogos autorreferenciales/salvíficos de la grey tercermundista. Retrotrae la estética de «República Bananera», gobernada por un dictador de poca monta, que entroniza al enemigo común: el demonio capitalista y al imperio tan temido. Jamás, los errores son propios y la autocrítica hace mutis por el foro. Hay una fascinación por la construcción imaginaria de un paraíso inexistente. Así, la diégesis narrativa se funda en la posverdad: la construcción de una ficción integrista, la caza de brujas, la persecución política a los opositores y a la prensa independiente. Para tal fin –creó en 2010– el Servicio Bolivariano de Inteligencia Nacional (SEBIN), la “Gestapo chavista”. Claro está, esto último no aparece en los fotogramas.

El guión, deliberadamente se posa en los momentos más tensos de la prehistoria del chavismo, el retrato del caos y la necesidad de un liderazgo autoritario y popular. Los incidentes del “Caracazo” (1989) y eje del mal, el imperialismo norteamericano. Con la llegada del redentor, la liturgia se instala con su aparato represor que silencia toda oposición. Jamás hace mención a lo que dejó el régimen chavista: la inflación más alta del mundo, la hambruna, la disgregación social, la migración de miles de ciudadanos por ausencia de esperanzas de una realidad que quiso transformar. El género apocalíptico sitúa al espectador en el futuro, pero hablando en tiempo presente. Así, el fin de la historia lo entroniza y legitima. Ahora bien, si esta estética fuese observada por espectadores de países desarrollados y democráticos como Suecia, Noruega, Finlandia, Dinamarca, ¿qué pensarían? ¿Cómo entender un proceso dinámico donde un líder demagogo y antidemocrático se postula como deidad?

Lo fundante no es lo que uno es para sí –sus creencias /mitología– sino lo que es en sí: los procesos sociales fundados en hechos. Hay una sola conclusión lógica y posible: La Venezuela de Hugo Chávez, es un proceso de violación sistémica de los Derechos Humanos; de concentración económica de un capitalismo de amigos del Comandante, y de populismo para las clases bajas. Se filma a los amanuenses entre lágrimas por la muerte del líder absolutista. La metodología del “Divide para reinar”, el lenguaje de lo jugado se instala. El espectador debe recurrir a los créditos finales para conceptualizar: el agradecimiento por el apoyo de la empresa Total Oil and Gas Venezuela, sin la cual no hubiese sido posible la financiación de tal propaganda del régimen imperante. Sin más, es el cine de la miseria y sus secuaces.

“Chávez Infinito”, es una antropología del héroe, nunca villano. Lo desnaturaliza. No hay dubitaciones. Es la sacralización de un presidente: “Santo Hugo Chávez”. No hay voces ni miradas que lo confronte. Se monta un ejército de genuflexos y alcahuetes a tiempo completo. En la pantalla cinemascope, la metáfora del dictador de “Costa Pobre” (símil personaje del entrañable Alberto Olmedo). Todo un escenario litúrgico (La Revolución Bolivariana) versus lo profano (aquellos que se oponen al tirano). En la sacralización del populismo, cristalizan las frases: “el verdadero socialista es feminista”. / dice el Comediante Chávez. A su lado, la mirada de un confundido Rafael Correa. El bolivariano “exprópiese”, fue denunciado por Marisabel Rodríguez (la segunda ex esposa del presidente) en varias oportunidades por violencia doméstica y familiar contra su persona. Evidencias de un golpeador y machista empedernido, una virtud no soslayada en la película. ¡Touché! Sí, José Vicente Rangel –reconocido plumífero rentado y ex vicepresidente de Chávez /2002-2007/– es la voz del entrevistador que marca el tono de la retórica integrista.

En conclusión, el verborrágico Comediante-Comandante devenido en dictadorzuelo Hugo Chávez Frías, cual predicador religioso, impuso el dogma anticiencia: “Yo Creo” / “Si creo el mito se transforma en realidad” (SIC). Se valió del pensamiento mágico y sus fabulaciones para perpetuarse en el poder. El cine de “Bombardeo de amor” (Love Bombing) / el “Amemos al líder” – que infunde confianza y lava cerebros como en las sectas – desnuda la psicopatología política de una realidad alienante que duele a la condición humana. ¡Venezuela, despierta a la libertad y al mundo!

  Gustavo Contarelli

Puntaje de la película: 1 Tribuna ¡pésima!

Puntaje actor protagónico: Género Documental

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas:mala /pésima

Ficha Técnica / Artística

Título original: Que par de mentirosos.

Dramaturgia:Guillermo Camblor.

Dirección y Puesta en Escena: Ariel Ibáñez –Asistente General: Adriana Bouzas – Género: Comedia.

Reparto: Lisandro Carret (Marcos), Adriana Mendoza (Cecilia) , Hernán Figueroa (Hamilton), Leandro Orowitz (Cacho), Alicia Barbasola (Michi), Leonela Ahumada (Flavia) y Florencia Pistone (La Tana).

Producción Ejecutiva: Hernán Figueroa, Leandro Orowitz y J.C.Quijano. Escenografía: Miguel Ángel Villalba– Luces & Sonidos: Ricardo Jaimes, Juan Morales–Fotografía: Mario Ruggero – Diseño: Cromántica /HF Design.

Vestuario: Graciela R. Díaz, Diego Schiareccia, Betty Diarte.

Redes Sociales: Federiko Sellanes – Coach: Lisandro Carret.

Prensa y RR.PP. : Alfredo & Alan Monserrat / www.alfredomonserrat.com.ar

Sala: Teatro Columbia. Av. Corrientes 1537 /CABA.

Costo localidades: desde $ 200.- /Reservas: 4371-6086.

País: Argentina – Año: 2017– Duración: 80min.

Fecha de estreno: 08-07-2017 –Funciones: viernes y sábados: 22.30 Hs.

El dramaturgo Guillermo Camblor (“A la Luz de la Luna”), nos regala una clásica comedia de enredos porteña: “Que par de Mentirosos”(2017). El objetivo basal del teatro de equívocos o vodevil, es confundir al espectador en una trama que se torna compleja, logrando la mayor identificación de los personajes mediante la complicidad de la platea. En una historia intimista, vertiginosa y explosiva, que multiplica la diversión del humor sano y universal. El entretenimiento, la risa y el asombro, están asegurados. Un buen comienzo y mejor final.

Argumento. Asistimos a la historia de Marcos (Lisandro Carret), un hombre convencional, apasionado y obsesivo por el orden, que ama la experimentación del aquí y ahora. De oficio Agente de Propaganda Médica (APM) –coloquialmente “visitador médico” –aficionado a las bellas mujeres, pretende dejar su mochila de lado y construir un futuro con Cecilia (la bella Adriana Mendoza). La invita a su casa para una aproximación afectiva, sin embargo, la visita inesperada de su sobrino Cacho (Leandro Orowitz) –un abnegado plomero – quien en búsqueda de una aventura sexual liberadora, lo pone en jaque. Todo se complica en un rosario de equívocos interminables. Se suma la llegada de Michi (Alicia Barbasola) la ex amante de Marcos, de apetito insaciable, que hará todo lo posible para tener sexo a cualquier precio. El morbo abre el ruedo a la entrada de otros personajes: La Tana (Florencia Pistone), mujer de Cacho, desencantada de su marido; Hamilton (Hernán Figueroa), un transformista caído del cielo y Flavia (Leonela Ahumada), una animadora sensual de fiestas infantiles.

En la comedia de enredos, los personajes son atractivos y divertidos. El antagonismo / contrapunto, fortalece los remates del chiste o gag. No hay grandes escenarios, las locaciones son pequeñas. Todo en pos de la identificación de un espacio en común. La dramaturgia de enredos o la comedia de situación, está al servicio de emociones explosivas y corporales. Se define por los opuestos que crean el verdadero contraste, la hilaridad narrativa. Hay una retórica petardista y desopilante en entradas y salidas de escena. Los escritores del género, observan herramientas como la atención, la memoria y la imaginación. En la “Teoría General del Humor Verbal”: ellenguaje de situación, que conmueve y condesa la risa como concepto.

El RégisseurAriel Ibáñez apela a una puesta minimalista: 1 sillón de 3 cuerpos; 1 mesa ratona; 2 sillas; una cómoda; una TV. colgante y 2 puertas laterales, que signa la entrada y salida de los actores a escena. Una estética arriesgada por la proximidad del público al escenario, que salpica adrenalina a los cuadros. ¡En una sala de 100 butacas se siente hasta la respiración del elenco! La obra se monta en un sólo acto; no hay cortes en la representación teatral. En cine, su equivalente es el “plano secuencia”, donde la cámara no corta la acción. Hay una idea en común: el uso y la vitalidad de los cuerpos, dinamismo provocador, asociado a una partitura musical empática como cierre de la pieza.

Los parlamentos trabajan frases que cristalizan: “Acá hay olor a mina” – exclama Cacho con sus ojos desorbitados y muecas sin fin. “Soy un semental italiano” / pensamiento anafórico que retoma y se instala en lo jugado. Hay un coqueteo homosexual y al travestido. A todo esto, ¿qué diría si observara dicho cuadro una feminista mesiánica con su contumaz ideología de género, contracultura y anticiencia? La comedia lo resuelve con magistral humor símil Dr. Tangalanga, con remate de bioética sui géneris: “Mujer de 60-90-60...y 23 cm. x 8”... Risas y carcajadas. ¡Touché!

Un inteligente guión que abre narrativa con múltiples guiños: a las nuevas tecnologías de la comunicación (WhatssApp, redes sociales, internet); a personajes cómicos de TV., políticos y mediáticos. El punto más alto, el repaso de estéticas del querido Alberto Olmedo, y sus personajes de culto. También, el recurso válido de la prosa con latiguillos que descomprime relato: “¿querés un miorrelajante?” / Como el freno a la vorágine, la bocanada de aire nuevo y el reposo del espectador. Un ejercicio necesario para el tipo de género. “Que par de Mentirosos” es una comedia tradicional, familiar y sin golpes bajos. Donde el público deja atrás los problemas cotidianos y refresca sus neuronas.

Conclusión. El contemplar el fisic du rol de Lisandro Carret en su protagónico de Marcos –como un reportaje al pasado –es ver al entrañable Rafael “Pato” Carret (su padre, ícono de «Los Cinco Grandes del Buen Humor»). Lisandro, condensa por el dominio de la escenoplástica; el trabajo de las emociones y la composición de los personajes, notas del gran comediante y capocómico Darío Vittori. El “Tano de Oro”, trabajaba los gestos articulando el lenguaje de equívocos, una escuela que dejó discípulos. Así, solidario en su rol de actor –es su partenaire Leandro Orowitz–sobre quien recae el explosivo y picaresco Rendezvous: “Bésense putas”...Y todas las féminas anonadadas en plano de conjunto y vestuario hot. Para derretirse a carcajadas ¡Chapeau!

Elenco completo en plano de conjunto. Entre la industria del Entertainment y el arte, el público de Calle Corrientes de parabienes.

“Que par de Mentirosos”. Funciones a sala completa. Entrada de Av. Corrientes 1537. Evidencia de un éxito en progreso.

 Gustavo Contarelli

Puntaje de la obra de teatro: 4 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Lisandro Carret 5 Tribunas ¡Excelente!

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

Dedicado a fotógrafos profesionales y en formación, el festival fue creado por Autores de Fotografía Cinematográfica (ADF), para jerarquizar la labor del «Director de Fotografía» en la Producción Audiovisual, entendida como una construcción autoral propia. El Festival ADF crece año a año gracias a la colaboración de sus socios y colegas creadores de la imagen. Durante esta edición habrá 34 cortometrajes con su fotografía en competencia, organizados en un certamen nacional e internacional. Con todo, se proyectarán por primera vez, cinco largometrajes.

La tercera edición del “Festival (ADF) de Fotografía Cinematográfica”, tendrá lugar del 10 al 16 de agosto en el Cine Gaumont, la ENERC (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica), la FUC (Fundación Universidad del Cine) y la Casa del Bicentenario. La dirección general del Festival a cargo – una vez más –de Alejandro Giuliani (ADF); Alejandra Martín (ADF) es la directora de la programación de cortos, como partenaire Lucas Schiaffi (ADF) y Pigu Gómez (ADF).

SEDES:

- Cine Gaumont.CINE.AR, Av. Rivadavia 1635 / Tel: 4382- 4406 /CABA.

- ENERC. Moreno 1199, CABA.

- Universidad del Cine. (FUC) Dr. José Modesto Giuffra 330, CABA.

- Casa Nacional del Bicentenario. Riobamba 985, CABA.

PROGRAMA

Proyección de Largometrajes / CABA: Cine Gaumont

Jueves 10 de agosto: 19hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA), película: “Gabor”. De Sebastián Alfie, tras la ceremonia de Apertura.
Sábado 12 de agosto: 19hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA), película: “El último Elvis”. Con charla posterior a cargo de su DF Javier Juliá (ADF).
Lunes 14 de agosto: 19hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA), película: “La Historia Oficial. Con charla posterior a la proyección a cargo de su DF Félix Chango Monti (ADF), Luis Puenzo y Carlos Abbate para hablar del proceso de restauración de la película.
Martes 15 de agosto: 21hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA), película: “Viejo Calavera”. Film que recibió el Premio ADF a la Mejor Fotografía durante el 19° BAFICI.
Miércoles 16 de agosto: 19hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA), película: “El Lado Oscuro del Corazón”. Con charla posterior a cargo de su DF Hugo Colace (ADF). 

Competencia Nacional de Cortometrajes

Jueves 10 de Agosto: 21 hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA). Programa 1.
Viernes 11 de Agosto: 19 hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA). Programa 2.
Viernes 11 de Agosto: 21 hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA). Programa 3. 

Competencia Internacional de Cortometrajes

Sábado 12 de Agosto: 21 hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA). Programa 1
Lunes 14 de Agosto, a las 21 hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA). Programa 2. 

Charlas - Talleres - Workshops

Viernes 11 de agosto. Charlas, talleres y workshops.

Como es tradición en el Festival ADF, acompañarán las proyecciones talleres, workshops, charlas y clases vinculadas con las tareas profesionales del director de fotografía. Actividad Gratuita.

Viernes 11 de agosto

Ceremonia de apertura: jueves 10 de agosto, a las 19hs, sede Gaumont.

Ceremonia de clausura: miércoles 16 de agosto, a las 21hs, sede Gaumont.

Competencia Nacional de Cortometrajes:

20 cortos en competencia. Buenos Aires y provincias, representando a diversas escuelas de cine.

El Jurado de la Competencia Nacional, integrado por:

-Sol Lopatin (ADF) -Guillermo Rovira (ADF) -Rodrigo Pulpeiro.

Programa 1

“La Sierva”, DF Leandro Pascutto.

“Territorios Extraordinarios”, Dfs Iñaki Echeberría y Martín Quirno.

“No Todo es Color de Rosa”, DF César Guardia Alemañi.

“El Porvenir, es tan Irrevocable Como el Rígido Ayer”, DF Lucas Timerman.

“Momo”, DF Erwin Luchtenberg.

“Planetario”, DF Santiago Sgarlatta.

“Hesperidina Express”, DF Matías Fabro.

Programa 2

“Tierra de Pájaras”, DF Luis José Celedón.

“De la Muerte de Costero”, DF Federico Luaces.

“Celestial Candy”, DF Josefina Gant.

“El Vecino Ruidoso”, DF Gabriel Cárdenas.

“La Otra Mujer”, DFs Paula Montenegro y Camila Rada.

“Parálisis del Sueño”, DF Renato Alvarado.

“Óxido”, DF Francisco Takashi Nishimoto.

Programa 3

“La Escondida”, DF Marcos Arias.

“Leal”, DF Gala Negrello.

“Sarapura”, DF Astrid Lavalle.

“Chike”, DF Carola Forster.

“Lulita”, DFs Sonia Pérez y Gabriel Vanerio.

“Colonia Delicia”, DF Constanza Sandoval.

Competencia Internacional de cortometrajes:

10 cortos en competencia. Brasil, Cuba, Venezuela, Uruguay, Chile, España, Bolivia, México y Colombia.

El Jurado de la Competencia Internacionalintegrado por:

-Yarará Rodríguez (ADF).

-Diego Poleri (ADF).

-Carlos Alberto Hitos (Mención especial del jurado durante el 2do Festival ADF, por su trabajo como DF en “El Insomnio del Artista”).

Programa 1

“702”, DF Rodrigo Graciosa.

Programa 2

“Sob Águas Claras e Inocentes”, DF Edu Rabin.

“Aurelia y Pedro”, DF José Permar.

“Circulando”, DF Andrés Felipe Morales Duarte.

“El Andar del Borracho”, DF Toni Vidal.

“Diario de la Niebla”, DF Laura Sanz.

“Variaciones”, DF Diego Pavese.

“Lunatique”, DF Otavio Pupo.

Gustavo Contarelli

Demasiada tinta ha discurrido en las redacciones periodísticas para tratar de entender las nuevas formas de elección de autoridades políticas en nuestro país. Semiólogos de la comunicación, politólogos, sociólogos, hasta expertos en neuromarketing, vislumbran un apasionante cambio en la construcción del poder y la elección ciudadana. Para comprender los distintos factores que pujan en la formación de las creencias políticas y sobre escenarios futuros, convocamos al investigador y docente universitarioSergio Doval, Analista Político, «Director del Programa de Opinión Pública de la UAI». Su marco teórico y saber-hacer, ahora, en una entrevista de Tribuna de Periodistas:

-¿La utilidad de las elecciones PASO en nuestro sistema presidencialista: son superadoras o atrasan?

-En términos de un sistema más personalista, que se desarrolló en Argentina, las relaciones entre los votantes y las personas elegidas, las PASO no tienen sentido. No dirimen los distintos proyectos, dejan en evidencia los que tienen apoyo más popular. Son una instancia de limpieza de partidos más pequeños. Puede servir para simplificar al electorado. El elector en el cuarto oscuro no se encuentra con 15 boletas. Pero no encuentran un criterio común de un propio partido. Por EJ: Si no existiera las PASO, Guillermo Moreno no hubiese integrado ninguna lista, no se podría haber presentado. Vuelve un problema serio hacia adentro de la conformación de acuerdos, es un serio problema hoy. Es duplicar gastos y hastío de la gente que no encuentra soluciones en el ámbito político.

-¿Definitivamente Cambiemos se consolidó como la fuerza núcleo de la política nacional? ¿Cómo hizo en tan poco tiempo para romper el bipartidismo tradicional?

-Esta elección encuentra definitivamentea (La Alianza) Cambiemos como una fuerza Nacional. Haciendo desaparecer el radicalismo dentro de la misma. Con preponderancia del PRO (Propuesta Republicana) en la toma de decisiones. El PRO busca alianzas, es pragmático para acceder al poder. Este bipartidismo se había disuelto con la caída de Fernando De La Rúa. Pierde legitimidad. El fin del peronismo tradicional -cuando muere Néstor Kirchner–,  aparece el “Cristinismo” y con él, una forma más radicalizada del poder. Aparecen opciones más atomizadas, que buscan representar una opción popular para canalizar ese poder. El bipartidismo no sólo desaparece, se define el futuro del peronismo.  Algo que lo reemplace hoy, no se vislumbra en el escenario. Cambiemos supo pararse delante de la gente, y no imponer sus propias demandas: con más cercanía, menos conflictividad y un armado más rápido. El gran error de Cristina Fernández de Kirchner (CFK) fue pararlo como el enemigo.  Le dio entidad con Mauricio Macri y con las personas que no estaban de acuerdo con CFK. Cambiemos es una combinación de cosas, mucho más pragmatismo, y con un armado de estructuras más rápido.

4) ¿Cuál es la verdadera oposición a Cambiemos? (Nivel Nacional) ¿Hay alguna? 

-Hoy no veo niuguna oposición a Cambiemos con forma a nivel nacional. Si el peronismo no se terminade acomodar va a quedar todo desmembrado. El mismo modo que benefició a Néstor y Cristina sin una oposición consolidada. Eso mismo sucede con Macri.Va a terminar surgiendo una nueva oposición.Cómo termine Massa, Randazzo, Urtubey, pueda llevar adelante su presencia será indicador.  CFK tiene problemas nacionales para sostener su liderazgo. La vemos como líder sólo en la provincia de BS.AS. Por eso es el bastión que la sostiene Tiene un poder débil la ex presidente, pero mayoritario. No se vislumbra oposición. O va a pasar como sucedió con Néstor y Cristina K, que no tuvieron oposición, articulando ideas y que fue beneficioso para su gobierno. También será muy beneficioso para Macri y su administración. 

-¿Cuáles son los nuevos líderes políticos que emergen según sus estudios? ¿Se puede cuantificar la cuestión carisma?

-Es un elemento muy importante post elecciones y que nadie está evaluando. Cambiemos tiene 8 /9 referentes a nivel nacional. Le dará posicionamiento.  Son 8 /9 espadas para discutir en los medios, cuando el resto de la oposición desmembrada tiene 1 por cada sector político: el oficialismo tiene a Mauricio Macri, Lilita Carrió, Horacio Rodríguez Larreta, María Eugenia Vidal,PatriciaBullrich, Graciela Ocaña, Claudio Poggi, Héctor (“La Coneja”) Baldassi. Sí lo tenemos representadas en nuestras mediciones. Aparecen voces en oposición: sólo CFK, Sergio Massa, Margarita Stolbizer -pero no se la asocia con la oposición -Juan Urtubey asoma pero a nivel bajo, hay un escenario muy favorable para el gobierno, para defenderlo políticamente y que va a debilitar a la oposición.

-¿Qué sucede con los liderazgos del interior?

–Son los que tienen mayores crisis en este escenario. Lo que sucedió en San Luis, perdieron en Santa Cruz también, Neuquén; es el fin del caudillismo como lo conocíamos: las redes sociales, las comunicaciones, las nuevas tecnologías de la información /comunicación, es el gran tema de cómo se construye el poder en el interior. Que va a seguir mutando a nuevos horizontes. Por eso tiene posibilidades Cambiemos o nuevas fuerzas en el interior del país. Que sea mucho más plural que los anteriores.  

–Cristina Fernández: ¿Cómo ve su futuro político? ¿El núcleo duro K sobrevivirá? ¿Terminará ella como un senador jubilado símil Carlos Menem?

-Cuesta mucho hacer futurología. En el medio lo que significa, en el panorama político no hay oposición como CFK. Es difícil. Mientras no aparezca un liderazgo fuerte, va a ser la opositora a este gobierno. Ahora bien, eso significa muy poco: acorralada por las causas de corrupción, va a quedar aislada rápidamente, no veo que pueda construir su regreso. No olvidemos que ella esté latente, a Cambiemos le sirve y mucho.  Es gracias a eso que gana la elección. Es el poder presentar un escenario de preocupación con lo que fue y la posibilidad de volver. Teniendo en cuenta las necesidades de Cambiemos, que lo ha sabido utilizar en el tiempo de manera muy inteligente.

Texto:Gustavo Contarelli
Especial para Tribuna de Periodistas