Ficha Técnica / Artística:

Título original: Rodrigo de la Serna y el Yotivenco: “Estilos Criollos”

Dirección Artística: Rodrigo de la Serna – Género: Música Criolla Argentina.

Reparto: Rodrigo de la Serna (guitarra y voz), Juan Pablo Díaz Hermelo (guitarrón), Blas Alberti (guitarra), Fabio Bramuglia (guitarra), y músicos invitados.

Ambientación: Daniela Holubyez – Diseño Gráfico: Lucas Avellina.

Producción Ejecutiva: Nicolás Estigarribia – Prensa: Daniela Casaretto.

Producción General: Miguel Wiernes <contactoelyotivenco@gmail.com>

Arreglos Musicales: Pedro Kiszkurno –Sonido: Carlos Aisentein.

Luces: Matías Pagliocca Maquillaje: Aimé Baroni.

Sala: Teatro Astral. Corrientes 1639/CABA – Costo localidades: desde $300 hasta $550.- /Plateanet tel.: 5236-3000 – País: Argentina – Año: 2017.

Fecha de estreno: 21-08-2017 –Función: lunes 21 Hs.

El grupo de música criolla argentina El Yotivenco – formado en el 2005 – se presentó a sala completa en el Teatro Astral. Y una vez más, la mítica Calle Corrientes, se vistió de historias y recuerdos. Atravesados por la jerga río- platense, su líder Rodrigo De la Serna, nos trae la memoria de lo ausente a nuestra querida y misteriosa Buenos Aires. Con un inteligente dispositivo marketinero, sella la suerte de esta banda taquillera en un recital digno, noble de presenciar y reproducir: ¡Siga el baile, siga el baile de la tierra en que nací; el lunfardo y la nostalgia siempre están de moda, al compás del tamboril!

Es la hora señalada: 21 hs., del lunes 21 de agosto de 2017. El espectáculo musical se demora. Todavía mucho público pugnando por su entrada en Avenida Corrientes 1639. La marquesina del teatro aggiorno, con el murmullo que asedia por entrar a la sala. El grupo asume una puesta arriesgada: “el viejo truco” de remixar clásicos con clisés / guiños de autor que engrosa la popularidad. El Yotivenco es un grupo musical que tiene su público y sus costumbres. Es tiempo de inicio, y un sector de la popular con estética futbolera los aclama: ahí entra a escena la figura convocante de Rodrigo de la Serna y sus compañeros, en una tarea no tan conocida por muchos como cantante y guitarrista. Lo secundan: Juan Pablo Díaz Hermelo (guitarrón), Blas Alberti (guitarra) y Fabio Bramuglia (guitarra).

El canta-actor de la Serna, presenta junto al Yotivenco un espectáculo de música criolla argentina, donde recorren los distintos géneros y estilos que nos identifican al ritmo de un cuarteto de guitarras “bien pulentas”– y la voz, los gestos de un “compadrito” porteño– resumiendo un formato sui géneris: Tangos, milongas, chamarritas, gatos cuyanos, rasguidos dobles y candombe, serán de la partida. “Ensamble”, asociaciones de instrumentos, para corporizar al presente ídolos de la música popular argentina / río-platense / de ayer, de hoy y siempre: Alfredo Zitarrosa, José Larralde, Carlos Gardel, Alberto Castillo, Roberto Goyeneche etc. El espectador propone el suyo, en la metáfora de los “Cien Barrios Porteños” y su nostalgia.

La música se fusiona y condensa un escenario en situación. El líder de la banda – como maestro de ceremonia – es carismático y remata con histrionismo en un relato musical coloquial. Rodrigo, es un actor con oficio, sabe utilizarlas herramientas del arte escénico. Suple con ello las carencias de una voz que no llega a escalas musicales demasiado comprometidas. Los registros de la misma, su vocalización – por momentos– se pierde en su propia lírica. Lo sabe y por eso el ardid de la actuación: la composición del personaje; uso de las emociones, la expertez en el dominio del espacio escénico. Es un inteligente Réggiseur que sabe ubicar y dirigir la puesta /el montaje. Con todo, hay sobredosis de marketing que asume el grupo musical de marras. La música es arte, pero también industria. Paga cuentas y resúmenes mensuales. No es poco.

Según ha cronicado la voz del grupo, sus integrantes son músicos y amigos. Cuenta con un disco de estudio y varias giras nacionales e internacionales.“Yotivenco” en el glosario de jergas y modismos de Argentina significa Conventillo. Desde la apertura del espectáculo musical, es el lunfardo quien se instala con su estética transgresora y convocante. En ese “chamuyo” del Yotivenco, el “lunfa”, es el compañero del camino en el recital. También, cierta picaresca a la hora de conceptualizar titulares de la historia. Se percibe un guión en el espectáculo, que divide el show en compartimientos estancos. A cada instante, un de la Serna intimista busca la complicidad del espectador, lo lleva a su terreno, al que más sabe. Con astucia lo coloca de su lado.

Los cineastas franceses llaman «Rendezvous», a esa unión tensa y dialéctica entre la obra, el autor y el público. Es la cita, el clímax y su fundamentación escénica. El emotivo Rendezvous de El Yotivenco culmina en plena Calle Corrientes: literalmente, el grupo musical – en fila india– sale del teatro y concluye sus acordes en la populosa avenida porteña. ¡Touché!

“Mi linda Calle Corrientes..! sos de todos y de nadie

vas cruzando Buenos Aires con tu ritmo diferente:

segura, tranquilamente, coqueta, vivaz, risueña,

como una piba porteña que no ha cumplido los veinte…!”

(“Esquinas de Barrio” / de Héctor Gagliardi, «El poeta de BS.AS.»)

Gustavo Contarelli

Puntaje del espectáculo musical: 4 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas: excelente /imperdible

4 Tribunas: muy bueno

3 Tribunas: correcto / bueno

2 Tribunas: regular

1 Tribunas: malo /pésimo

Ficha Técnica / Artística

Título para Latinoamérica: La Maestra / La Profesora.

Título original: Ucitelka.

Dirección: Jan Hrebejk– Guión: Petr Jarchovský – Género: Drama / Basado en hechos reales /Años ‘80 –Apta para mayores de 13 años.

Reparto: Zuzana Mauréry, Zuzana Konecná, Csongor Kassai, Tamara Fischer, Martin Havelka, Éva Bandor, Oliver Oswald, Peter Bebjak, Richard Labuda, Ina Gogálová, Monika Certezni, Peter Bartak, Jozef Domonkos, Judita Hansman.

Producción: Co-producción Eslovaquia-República Checa; PubRes / Rozhlas a televízia Slovenska / Ceská Televize / Offside MEN.

Música: Michal Novinski–Fotografía: Martin Ziaran – País: Eslovaquia. Año de producción: 2016– Estreno: 31/08/2017. Duración: 102min.

El film “Ucitelka” (“La Maestra”, 2016/“La Profesora”) es la mirada crítica de las víctimas directas del comunismo del este europeo. No es un “cuento” del capitalismo que busca el desbarranco del «Paraíso de la Lucha de Clases». Al contrario, es la autocrítica necesaria para entender los hechos como ocurrieron. Una historia mínima –centrada en un colegio primario–y la educación como excusa narrativa, para hablar sobre una ideología totalitaria, corrupta y criminal. Asistimos a «El Panóptico Escolar Comunista» de la ex Checoslovaquia: un dispositivo de vigilancia, control y castigo, de los alumnos, padres y docentes.

Argumento. Checoslovaquia, 1983 (Este de Europa). Con la llegada de la maestra María Drazdechova (Zuzana Mauréry) –la nueva profesora a un colegio de un suburbio de Bratislava–la vida de padres y alumnos se altera en profundidad. El comportamiento corrupto de la docente y el intento de suicidio de uno de los estudiantes hacen que la directora de la escuela convoque a los padres de los alumnos a una reunión urgente. Se les pide que firmen una petición de traslado para la Srta. Drazdechova. Sin embargo, las influencias políticas de la profesora con el Partido Comunista, hacen que todos los intentos de removerla de su cargo sean en vano, al tiempo que la atmósfera de persecución y vigilancia de la comunidad educativa se apodera y los oprime.

El metraje que se estrenó en España el 21 de abril de este año,llegócon demora a la Argentina. La historia tiene un trasfondo histórico-político, y está dirigido por el checoslovaco Jan Hrebejk (Kawasakiho Ruze, 2009) y lo protagoniza Zuzana Mauréry (Panelák, 2008). Como curiosidad, la actriz nació en el mismo lugar donde se emplaza la escuela del film: Bratislava. Bajo su apariencia cándida, la maestra va a poner en práctica una curiosa y cuestionable didáctica de la enseñanza: Divide et Impera; la lógica amigos-enemigos. El público se ilustra conceptualmente con sendas alteraciones de espacio-tiempo: Flash back (secuencia que retrocede en el tiempo) y Flash forward (altera secuencia a futuro). Un relato que levanta y expone con crudeza la descomposición de una ideología oscurantista, cuyo alcance y metáfora es universal y contemporáneo.

El plan narrativo se consolida desde la primera apertura de plano: la fachada de un colegio tradicional como representación del modelo de montaje ideológico. Hay otras pequeñas locaciones que cierran el plano descriptivo. El cineasta Hrebejk, presenta una aproximación narrativa desde de una mirada muy particular, tomando una muestra de la población como objeto de estudio a puerta cerrada. El experimento sociológico-fílmico es más que interesante: una observación con intervenciones que permiten sintetizar una cuestión política muy compleja desde un pequeño grupo de personajes insertados en la vida cotidiana de los últimos años de la ex URSS. ¿Cómo fue el paso del totalitarismo a una sociedad abierta y plural? La conclusión, hubo que hacer concesiones en diversos frentes.

El guión posee generosas dosis de humor negro, que acercan el relato al terreno de la farsa, con pinceladas del grotesco. No obstante, nunca pierde la exitosa construcción del verosímil. El protagónico de Zuzana Mauréry (2016, ganadora del Festival de Karlovy Vary: Mejor actriz), en la epidermis de una docente-indecente, que es ángel y demonio. En esa dualidad, su rostro complaciente contrasta con su perversa moral; una manipuladora todoterreno –con rasgos psicopáticos manifiestos. Ofrece al mismo tiempo amor o chantaje. Los padres de los alumnos deben elegir si la siguen o la confrontan. Su personaje de villano es consistente: el uso de las emociones; el liderazgo en el espacio escénico; su rol de actriz que hace girar la dramaturgia y potencia los parlamentos, conforman la tensión y el suspense en cada fotograma. Es la dualidad, el arquetipo del mal con rostro de querubín, que convoca al espectador y lo fija a su butaca. A todo esto, ¿cuál será el final de la camarada profesora?

Traigo a la memoria el film “Matilda” (Danny DeVito, 1996), una deliciosa comedia familiar / romántica y fantástica. El personaje de la villana, la maestra Agatha Trunchbull (Pam Ferris) –para los latinos“Tronchatoro”– como contrapunto de la agradable y dulce maestra Jennifer Honey (Embeth Davidtz). Su personaje, una educadora cruel y dura; “Tronchatoro” a igual que su colega Eslovaca, lucha por el poder, el control de la comunidad educativa y su status dentro de la organización. Ambas son manipuladoras y perversas; las dos, asociadas con el mismo sistema de control y vigilancia escolar que las empodera. La diferencia, la signa la maestra genuflexa comunista, que asume los dos personajes y las perspectivas narrativas: el bueno y el malo.

Conclusión.En 1989, El Muro de Berlín se desmoronó –y con él– su mitología y la gran mascarada del comunofascismo. Fueron en parte los hechos que han impulsado a un inicio de reclamos de un régimen de contracultura, en el que nadie tenía voz individual. Se suprimió a los sujetos por los “colectivos”. El dogma del “colectivo” / “el pueblo”, presentado como redentor, que decretaba la vida o la muerte de los ciudadanos. Así, un pequeño grupo de “individuos” –la élite del partido comunista –, decidían legitimados en su mesiánica farsa de los iguales.

 Gustavo Contarelli

Puntaje de la película: 4 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Zuzana Mauréry5 Tribunas ¡Excelente!

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

Del 12 al 20 de septiembre de 2017, se llevará a cabo el 8º Feestival Internacional de Cine y Formación en Derechos Humanos de las Personas Migrantes”. La nueva edición de Cine-Migrante, cuenta con 80 películas de más de 20 países participantes del evento; dividido entres secciones especiales, varias actividades y mesas de reflexión sobre la temática migratoria. En esta oportunidad, el concepto a transmitir en cada fotograma: «Las Vidas Negras Importan». La entrada es libre y gratuita.

Asistimos a la historia de un festival que ha convocado a más de 42.600 espectadores en sus siete ediciones anteriores. El mismo cuenta con el apoyo del INCAA, múltiples organismos oficiales y Ongs. Analizando a los protagonistas invitados, observamos la diversidad de voces en una problemática que confronta, une o divide: «La Grieta Cinematográfica» / miradas de cultura y contracultura que se disputan la verdad histórica mediante montajes, espacios escénicos y la construcción del verosímil.

De la oferta audiovisual relevada a modo de guía –destacamos las siguientes películas para ver, disfrutar y pensar:

“La Unidad de los Pájaros” (Cruz Lisandro Morena).

Documental / 29 minutos - Argentina / 2017/ Mediometraje.

Centroamericanos conviven en el corredor migratorio más concurrido del mundo, atravesando México hacia los EE.UU. Exiliados de sus países y en estado de ilegalidad, son obligados a viajar montados sobre el tren de carga llamado “La Bestia”. Estos son sus relatos, aquí sus historias. 

Cortometrajes:

“Calvin and Holiday” (Simon Gush).

Documental / 14 minutos -Sudáfrica / 2014.

Las ideas del reformador Juan Calvino sobre el trabajo, han sido algunas de las más influyentes en el mundo occidental. Sus enseñanzas fueron llevadas a Sudáfrica por varios colonizadores – en particular los hugonotes franceses – y se convirtieron en la base de la columna vertebral religiosa del Apartheid, el NG Kerk. El calvinismo puede verse muy ligado al abuso sistémico del trabajo por el régimen. La película es una búsqueda de la presencia de Calvino en Ginebra, como una forma de pensar en Sudáfrica.

“Clandestino” (Sofía Rocha).

Ficción / 9 minutos - Argentina / 2016.

Una trabajadora boliviana atraviesa su embarazo en un taller textil clandestino. En medio de la jornada laboral bajo el control del capataz, comienza el trabajo de parto e intenta escapar.

“Find Fix Finish” (Sylvain Cruiziat, Mila Zhluktenko).

Documental / 19 minutos – Alemania / 2017.

 “Find Fix Finish”, se adentra en las historias de tres pilotos de drones militares estadounidenses, que relatan la trama íntima de las vidas que observan día a día. La perspectiva ocular voyeurista de un dron militar, puede reducir a las personas a píxeles en una pantalla, y una cierta descontextualización.

“Revelar” (Ana Elena Tejera).

Documental / 19 minutos – España / 2017.

 “Revelar”, una pieza documental que va reflexionando a través de las fotografías analógicas y voces de los miembros del Sindicato Popular de Vendedores Ambulantes de Barcelona (España).

“Terminal 3” (Thomas Pedro, Marques Casara).

Documental / 25 minutos – Brasil / 2017.

 En 2013, cuando Brasil construía las grandes obras para el Mundial de Fútbol, un grupo de 150 trabajadores fueron rescatados en situación de esclavitud en la construcción de “Terminal 3” del Aeropuerto Internacional de Guarulhos, en Sao Paulo. Habían sido llevados desde distintas ciudades del noreste del país por contratistas a servicio de la multinacional brasileña OAS. De ellos, más de 50 estaban en una pequeña casa de favela, sin comida, abrigo y dinero para el viaje de regreso.

“Tiempo de Sequía” (Nico Stefanazzi).

Ficción / 15 minutos - Argentina / 2017.

 Alfredo y Elvira son un matrimonio que vive en un pueblo alejado de la ciudad. Desde la partida de su hija menor, se han quedado solos. Hace más de un año padecen una sequía que poco a poco los está dejando sin nada. Alfredo está decidido a quedarse hasta que vuelva a llover y Elvira ya no puede seguir así. La naturaleza parece no darles tregua y ambos deberán tomar una decisión que defina sus vidas.

SEDES DEL FESTIVAL

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

CINE.ARSala Gaumont: Av. Rivadavia 1635 / Tel: 4382- 4406.
Centro Cultural General San Martín (CCGSM) / Sarmiento 1551.
Alianza Francesa: Av. Córdoba 946.
Casa del Bicentenario: Riobamba 985.
Biblioteca del Congreso /Auditorio Leonardo Favio/ Alsina 1835.
Cine Cosmos UBA: Av. Corrientes 2046.
ENERC: Moreno 1199.
Casa de la Cultura Popular de Barracas: Av. Iriarte 3500.

Provincia de Buenos Aires

Espacio de Encuentro / Concejo Deliberante de San Isidro: 25 de Mayo 450, San Isidro.

Edificio Municipal Leonardo Fabio: 12 de Octubre 463, Avellaneda.

Cine Migrante: 80 películas de más de 20 países participan del “8° Festival Internacional de Cine y Formación en Derechos Humanos”. Migración y desarrollo económico en discusión.

 Gustavo Contarelli

Ficha Técnica / Artística:

Título para Latinoamérica: Los Que Aman, Odian.

Título original: Los Que Aman, Odian.

Dirección: Alejandro Maci – Guión: Alejandro Maci, Esther Feldma, sobre novela homónima de Adolfo Bioy Casares y Silvina Ocampo (1946).

Género: Drama / Thriller / Policial– Apta para mayores de 13 años.

Reparto: Guillermo Francella, Luisana Lopilato, Marilú Mariani, Juan Minujín, Justina Bustos, Carlos Portaluppi, Mario Alarcón, Gonzalo Urtizberea.

Productora: Patagonik Film Group – Producción ejecutiva: Juan Lovece.

Sonido: José Luis Díaz –Montaje: Pablo Barbieri, Eliane Katz –Vestuario: Beatríz Di Benedetto –Música: Nicolás Sorin–Fotografía: Julián Apezteguia.País: Argentina–Año de producción: 2017– Estreno: 07/09/2017. Duración: 101min.

El cineasta Alejandro Maci (El Impostor, 1997), adapta y lleva al cine la novela homónima de Adolfo Bioy Casares y Silvina Ocampo (1946). En el complicado arte de extrapolar un texto al lenguaje audiovisual, se gana y se pierde. Apuesta a una dramaturgia iniciática de personajes vulnerables, de vidas tortuosas y miserias humanas, para promediar un relato como “The Mystery of Marie Roget” (1842), de Edgar Allan Poe, donde crea la convención de un hombre reflexivo, pulcro y taciturno que, por medio de razonamientos, resuelve crímenes enigmáticos.

Argumento. Balneario Bosque del Mar (Alrededor de 1940). En una playa solitaria, se alza un viejo hotel perdido en el tiempo: el Hotel Central. Casi frente al agitado océano y a cierta distancia de laestación ferroviaria de Salinas, llega hasta ahí Enrique Hubermann (Guillermo Francella / de protagónico sólido, como de costumbre), médico homeópata, quien viaja huyendo de un mal de amor. Por una broma del destino, en ese paraje lejano se encuentra con Mary (Luisana Lopilato), la mujer que quiere olvidar. Ella –una joven y bella traductora –ángel y demonio en el arte de manipular hombres hasta enloquecerlos. En medio de un temporal, los residentes del hotel quedan aislados del mundo, la historia vuelve a repetirse. Pero esta vez, el odio de los que habían amado apasionadamente, despierta lo peor de cada uno.

Con la llegada del excéntrico doctor por sus merecidas vacaciones, que vuelve a visitar a su prima –la solidez interpretativa de Marilú Mariani –, una dueña de hotel de generoso corazón y buenos modales. La construcción, un lugar de lujo de esos opulentos años. Todo parece inmutable, perenne. La notable reconstrucción de época en un montaje descriptivo e ideológico de Pablo Barbieri y Eliane Katz, para que todo luzca como en aquellos tiempos. El vestuario de los personajes es de manual, y guardan similitud al imaginario del libro de la pareja de escritores.

El guión de Alejandro Maci y Esther Feldma tiene notas de melodrama y de film noir, aunque no los experimenta en profundidad, de ahí la dispersión que no condensa en éxito conceptual; no expresa el registro del thriller clásico, tampoco del policial. En el híbrido en la construcción del verosímil, cristaliza el destino del metraje sin demasiadas pretensiones académicas. El nudo gordiano que subyace del relato se presenta: Los que aman enferman; si aman demasiado, también sufren demasiado. Es la visión mórbida del amor. Hubermann es un personaje obsesivo, con problemas para relacionarse con las mujeres. Aquí el amor, como perversión del objeto de deseo.

Bioy Casares, utiliza una pseudociencia – la Homeopatía –como excusa literaria en el juego de las emociones humanas. El verso boticario de Samuel Hahnemann, “Similia, Simílibus Curantur” (Lo similar se cura con lo similar), como ley universal; un fantasma que se atrevía a disputar a la ciencia su reinado y autoridad: ¿cómo un “remedio” carente de droga (principio activo), puede curar el cuerpo hasta la mente? El charlatanismo homeopático, es la prosa que descifra la ambigüedad de un personaje que lo satiriza: “El Viejo Truco” (diría Maxwell Smart, Superagente 86 de Control), de solucionar los problemas ajenos, y no poder resolver los propios ¡Touché!

La expertez del Régisseur Maci, para lucir a los actores en un modelo de rodaje impecable: ora un plano “Travelling de seguimiento”, donde muestra los careos de los imputados del crimen, ora en plano secuencia, para seguir un féretro y los deudos. Con todo, despunta el convincente Carlos Portaluppi, como el comisario duro del pueblo, en el arte de confrontar pistas y sospechosos. La larga mesa, los comensales, todo se articula para posar la mirada crítica de una época y sus valores, atravesada de incomprensiones y desamores. La imagen cristalizada también es anafórica, vuelve permanente ante nuestros ojos: los frasquitos homeopáticos en planos detalles o de conjunto, y el botiquín del doctor herido de amor.

Conclusión. El Hotel Central – ubicado en el balneario Bosque del Mar –entorna sus puertas.El cuento policial se resuelve. El espectador concluye a través de las pistas postreras del fotograma. “Los Que Aman, Odian” se inspira en la tradición popular:«Quien bien te ama, bien te hará sufrir»Telón a la gran mascarada homeopática que se diluye en tragedia. El amor tiene esos espacios que jamás podremos explorar por intangibles; en la intriga, el suspense, la zona crepuscular que anida. Allí, donde exista un misterio para el hombre, habrá relato y habrá poesía.

 
Gustavo Contarelli

Puntaje de la película: 3 ½ Tribunas

Puntaje actor protagónico: Guillermo Francella 4 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

¿Cuál es el mejor lugar para vivir en zona norte? Se conoció un reciente estudio que responde a la vital pregunta. La investigación de Taquion, UAI y Matiz Urbano, se realizó en base a relevamientos de 1450 personas en los Municipios de la Zona Norte de la provincia de Buenos Aires. La misma es parte de un proyecto de Monitor – de la misma provincia – para conocer los lugares donde la gente es más feliz.

Lo sorprendente es que en los municipios con mejores performances en indicadores blandos (felicidad, cercanía con su intendente etc.), al segmento de 1País, no les fue tan bien. Una lectura más, de que esta elección no es sobre economía o gestión, sino de modelo político. Por ende, más polarización. El especialista en medios el Lic. Sergio Doval Director del Programa de Opinión Pública de UAI – nos acerca una medición sobre la actualidad en los Municipios, en este caso los de la Zona Norte del conurbano bonaerense.

Del interesante y extenso informe extraemos las conclusiones:

-En los municipios gobernados por la alianza 1País, los ciudadanos se sienten más felices (donde Tigre lidera) y cercanos a su intendente, a quiensu comunidad los considera preocupados por el desarrollo económico del distrito.

-Cuanto más lejos vive la gente de la capital, mejor es su relación con la familia.

-La gente más estresada vive en Malvinas Argentinas (FpV) y la más relajada en San Fernando. Pero si vemos según Fuerzas gobernantes, los más estresados, son los que viven en municipios liderados por el PRO.

-En Vicente López y San Isidro, encontramos a las personas que tienen el más fuerte sentido de pertenencia a su distrito.

-En líneas generales, el mayor problema detectado en la gestión municipal es que la gente percibe que los empleados o funcionarios de las intendencias tienen poca preparación. Malvinas, Escobar y Pilar, los más cuestionados en este sentido.

-En los municipios gobernados por el PRO, la gente siente que tiene un excelente estado de salud, en los gobernados por 1País, la peor.

-Vicente López es el municipio donde su población percibe una situación económica más favorable en su lugar de residencia, así sucede con las intendencias del PRO; las del Frente Para la Victoria (FpV), son los que perciben una peor situación económica en su municipio, pero cuando tienen que opinar de su país es muy parecido a lo que opinan los habitantes de otros municipios.

Tribuna de Periodistas dialogó con el experto en análisis de opinión pública, Sergio Doval:

-Del estudio se desprende, si conjugamos los datos que: ¿los municipios no peronistas (Cambiemos y 1País) tienen la mejor calidad de vida (satisfacción /salud /seguridad /imagen positiva)?

-Es jugado considerar a un 1País, no peronista (risas). Pero claramente de estas 3 vertientes - que en ninguna hay un peronismo puro - pero podría asociarse a algo quizás más puro en último tiempo, podría decirse a Unidad Ciudadana.Sí, definitivamente los municipios que en mejores condiciones están, son los de Cambiemos y de 1País.

-Los niveles más altos de estrés se dan en los municipios con menores ingresos y pobres (Malvinas Argentinas, etc.), gobernados por el FpV. ¿Los ciudadanos de estos distritos no se perciben como sujetos de cambio?

-En principio considerá que el nivel de estrés impacta sobre un municipio como Vicente López, y se asocia a la demanda laboral, a los cargos; cercanía a Capital Federal. Hay un tema que es muy estructural en los municipios de menores ingresos: “El entorno”. El entorno define a las personas, contribuye a creer en condiciones de mejora, eso impacta. Hay datos de si se irían de su lugar. Habla de una búsqueda de mejora. Es difícil para ese sector imaginarse mejor, para los que no tienen acceso el imaginarse mejor, la accesibilidad a más información. Los que nos hace tener voluntad en la mejora contínua. Algo que sucede y falta en estos municipios.

-Conceptualice este punto: ¿los municipios gobernados por el FpV encuentran el mayor grado de cohesión familiar?

-Cuando vemos eso, es porque son los municipios que están más lejos. Impacta en definitiva, porque están más lejos de la urbe. Hay menos distracciones, hay más posibilidades de actuar con tu entorno. Ej: Una escena, un concepto de las redes sociales. Una madre, un padre, interactuando con su teléfono; el padre no da su celular al hijo que lo reclama. Él se está enterando lo que pasa con un tipo que está en Tanzania haciendo bolas de nieve... El concepto: “estamos cerca de lo que está lejos, y lejos de lo que está cerca”. La tecnología mal usada, muchas veces nos aleja de lo cercano. Y nos acerca de lo lejano, Está en el ritmo de la urbe. Ese ritmo en ciudades más lejanas, te da posibilidades de interactuar y se establecen lazos profundos.

Gustavo Contarelli

Érase una vez...un niño, su muñeco y un sueño: hacer reír a la gente. Marcelo Bonetti es un artista todoterreno, que supo entrar al espectáculo a fuerza de talento y trabajo. Humorista, ventrílocuo y mago, es considerado como uno de los mejores de su género; el encargado de darle vida a su muñeco Cirilo – un simpático negrito impertinente – que lo acompaña fielmente a cada uno de sus imperdibles shows y varietés: «Marcelo y Cirilo»es su marca registrada.

Empezó a los 13 años cuando no quiso seguir estudiando, su padre lo mandó a trabajar, y fue a parar a un circo. Fue allí para aprender el oficio del payaso, el arte de hacer reír. Comenzó de abajo, limpiando el lugar. La ventriloquía vendrá después. El niño que deseaba hacer reír y ponerse la nariz de payaso, tuvo al circo como escuela. El muñeco Cirilo (llamado así en honor a un vecino, también morocho) llegó a sus 18 años: “Hoy tengo 54 años, Gustavito querido, los años han pasado. Me acompaña el mismo muñeco de aquella época”;“Lo hice en mi casa materna, de Avellaneda”, expresa con su voz estentórea Marcelo. Una profecía autocumplida de su madre al recordarla: “Mi mamá me decía: odio a los ventrílocuos, no me gustan, y mi hijo me salió ventrílocuo” / “Tuve la suerte que mi mamá me vio trabajar en grandes escenarios y le gustó, era su orgullo”, concluye con emoción.

Bonetti realizó más de diez temporadas de revistas y se dio el gusto de trabajar con capocómicos de la talla de Juan Carlos Mesa, Gogó Andreu, Jorge Corona, además de hacer giras nacionales e internacionales. Conmás de 30 años en el humor, en una sentimental y nostálgica entrevista, Tribuna de Periodistas dialogó con el artista antes de salir a escena:

–¿Me cuenta alguna historia de los grandes cómicos /comediantes de la Escena Nacional? ¿Ud. trabajó con varios?

–Alguien me dijo, haciendo un piropo, tenés mucho en tu acto, en tu pausa, los silencios de Luis Sandrini. Y asoció el ventrílocuo, el muñeco, a Sandrini. Yo tuve tres grandes pilares: un señor que me marcó en la magia, un genio, un tapado: Jorge García Savoia, a quien hago mención y honor. “El Gordo” Jorge, con unos criterios escénicos espectaculares. El segundo fue Chasman y Chirolita, del que guardo hermosos recuerdos, el tercero fue Juan Verdaguer. Fundamental. En cuanto a Tato Cifuentes, “Tatín”, yo lo veía por televisión, con mi abuelo materno. Su frase célebre: «Yo soy Tatín, muy chiquitín, muy regalón». Tato Cifuentes, manejaba el muñeco tradicional. La TV. te demanda ciertos trucos, y queda semejando a marionetas. A veces se desdobla con trucos, y parece que los dos hablan por separado. Cifuentes murió hace poco, a los 94 años. Empezó con los chicos y payasos. Luego se metió al teatro de revista. Pasó por Buenos Aires. Cambia de espectáculo naif a muy verde. Yo, me quedo con una estética intermedia.

–¿Cómo fue su acercamiento a Míster Chasman, el ventrílocuo más reconocido de Argentina?

– A los 22 años, en un night club, el lugar se llamaba “Wills” (Federico Lacroze y Álvarez Thomas), ahí conocí a Ricardo Gamero (Mr. Chasman). Vivía a dos cuadras. Fue a ver mi espectáculo (año 1986/ 87). Yo trabajaba en la tarima, con las luces, todo oscuro. Y veo la silueta de Chasman, con otro hombre. Quedo mirando a ver si era él. Le digo a Cirilo: –¿puede ser que esté presente el señor Chasman, de Chasman de Chirolita?, quedo mirando a ver si era él, me empezaban a temblar las piernas. La gente comienza a aplaudir; imagínate tenía 22 años, y exclamo: –¡Qué honor tenerlo acá, señor Chasman! / Él responde: –¡Tranquilo maestro, trabaje tranquilo! Seguí haciendo mi rutina, Cirilo le dedicó el final a Chirolita. Chasman se sube al escenario (¡no me olvido más!), le agarra la cabecita a Cirilo, y le da un beso en la frente: ¡Lo Bautizó! La gente lo ovacionó. Nos fuimos luego a tomar un café, ahí comenzamos una amistad que terminó hasta su muerte – en el Hospital Argerich – Año: 1999. Hubo un tiempo que no trabajó. Era un hombre muy particular.

–¿Y al formidable humorista Juan Verdaguer?

-¿Cómo lo conozco? En casa de Chasman. Es risueña la anécdota: me llama Chasman y me dice: “te necesito en casa, te voy a presentar a un amorcito, que te va a volver loco /ah, Traéme las facturas que me gustan”. Tenía esos “berretines”, era un tipo que le gustaba mucho las “minas”. Mi señora caminaba por ahí, yo no sabía que hacer (risas). Me duché, afeité, fui a Colegiales, baja Chasman –con la bata roja de seda, de entrecasa –, y yo pensé: este trajo dos “locas”, Iba miedoso, me mira y me dice: “¡Marcelito: lo que te voy a presentar, un amorcito!” –Abre la puerta y estaba Juan Verdaguer – “¡Mirá que amorcito!... Es mi amigo del alma, mi hermano de la vida, nunca le faltes el respeto”. Y Verdaguer me dijo: “Ud. es amigo de Ricardo Gamero, también es amigo mío, siéntese, abra esas facturas que tengo hambre”. Miles de anécdotas y de aprendizaje con los dos. Juan me decía: “saque los chistes verdes, eso es para Corona”.

–¿Ud. es un artista de bajo perfil, pero tiene un oficio de alta exposición pública? ¡Qué paradoja!

–Es una lucha constante; gracias a eso gané y perdí trabajos. No quise entrar en los programas de TV. Soy bajo perfil. No quiero que pongan mi foto en la marquesina. Que pongan en chiquitito sólo: “Marcelo y Cirilo”. Trabajé con muchos famosos. Las ventajas de no ser conocido: entrar en casas donde los conocidos no van: es gente que no quieren exposición alguna, que tienen cargos importantes (políticos, empresarios, gobernantes, militares). Yo voy a tu casa, hago el show, me voy y me olvido de todo. Necesito liberar mi disco rígido, me expongo a que se rían de mí, no de otros. Cobro mi plata y ya me olvido. No me ha ido mal.

–Los teólogos hablan de la “unión hipostática”, como la alianza tensa y dialéctica de dos personas (una humana y otra divina); ¿Ud. y su muñeco Cirilo, cómo funciona esa doble naturaleza: un artista con doble máscara?

–Cirilo es mi otro yo, cuando estamos en el escenario el actor sufre un desdoblamiento. Aparece el otro yo, el otro actor, el personaje en el cuerpo y alma de Cirilo. Mi personaje de Marcelo Bonetti y el de Cirilo, el que llevo dentro. Vos, también llevás los dos personajes. Pero contamos con la cordura para no exteriorizarlo. Es una catarsis arriba del escenario, hay una técnica de manipulación del muñeco. Cirilo toma vida conmigo. Si yo te lo siento en tu brazo no sería lo mismo, sería otra persona. Con los años adquirís esa experiencia.

–¿Como mago e ilusionista profesional, conoce las trapisondas de los «curranderos y manochantas» como Álex Orbito y sus “operaciones astrales”, el doblar las cucharas con “el poder de la mente”? / ¿Cómo influye el pensamiento mágico en las personas?

–Conozco algo de esos trucos.A Enrique Carpinetti lo conocí (el mago Kartis, se dedicaba a desenmascarar a estos charlatanes). La palabra ventrílocuo viene de ahí: primero en las grandes tribus indígenas, el jefe indio, se paraba atrás de una montaña, hacía sonidos raros, los amplificaba con el eco, y hacía creer a su pueblo que mandaba señales. En la Edad Media, el ventrílocuo era el mayordomo de la casa. La médium se ponía en medio de la sala, la acústica era perfecta, el ventrílocuo que era el mayordomo, haciendo ruidos raros. Empiezan a descubrir que hacen voces extrañas, creyeron que eran poseídos por el diablo. Luego pasa a ser un divertimiento. Eran las cabezas parlantes primero, luego le ponen el cuerpo y forman el muñeco que lo hace más real. De estos pícaros salen los ventrílocuos. Pasó de ser una forma de engaño, a un divertimento. Esa gente tiene alma de engaño, malicioso, nosotros engañamos pero para divertimento, no para sacarte plata (risas).

–¿Los dummies– muñecos de los ventrílocuos – asumen el arte del fetichismo (el objeto inanimado que cobra vida). El mayor ventrílocuo de la historia, Edgar Bergen (de Chicago/ EE.UU.), tenía una cama especial para su partenaire Charlie McCarthy. ¿Cómo es la relación con su adorado Cirilo?

–En la época de “Los Tres Chiflados”(The Three Stooges), “Abbot y Costello”, fue el ventrílocuo más famoso de la historia. Era un número fuera de lo clásico. Tenía la galera y un monóculo de corte inglés. El muñeco era quien reprendía al ventrílocuo. Era todo al revés. Fueron famosos, hacían programas de radio. Todavía se venden los CDs. “Edgar Bergen y Charlie McCarthy” (el muñeco), entrevistando a Jacqueline Kennedy, Marilyn Monroe etc. Cirilo tiene su estudio, su cuarto de 3 x 3 metros, donde está todo nuestro vestuario y nuestra historia. El Placard tiene de todo. Chasman me dijo una vez: “cada año tenés que hacerte un smoking de cada color, así con los años tenés un vestuario completo de variados colores”. Tengo 30, fácil.

– ¿Cómo piensa el fenómeno actual de la joven ventrílocuo Darci Lynne(12 años), que fascinó con su número en el programa “America´s Got Talent”(Tienes Talento)?

–¡Hay...es bellísima esa nena...! ¡Bellísima!... Los americanos y los europeos, tienen varios personajes, muñecos. El ventrílocuo tiene varios muñecos. En América Latina – el sur latino –, el hombre es más querendón, se aferra a un sólo personaje. La gente ve a Cirilo y se enamora del muñeco. Ese personaje se identifica conmigo. Esta nena, tienen varios personajes. Usa los muñecos tipo manopla, títeres manoplas de paños, no como los nuestros de pasta. Son muy lindos, tienen mucha vida. (Y concluye con pasión el relato)...Te voy a resaltar algo, bellísimo de esa nena, es que lo hace con amor: “porque nada de lo que hacemos en nuestra historia, se puede lograr si no le ponemos amor”. Que una nena a los 12 años, le ponga tanto amor, la carita de disfrute, ver los ojitos brillosos, lo siente. Eso es lo que aplaudo. La gente que tiene amor por lo que hace. Esa nena lo impecable que está, la pulcritud con que se presenta. Atrás de ella hay una familia que la contiene, hay valores. Resalto primero lo bien que lo hace, segundo, el amor con que lo hace.

En el juego del teatro y producción de Entertainment, «El Sueño del Pibe» cumplido para este periodista: posar junto a Cirilo y mimarlo. ¡Touché!

Más Info:

Portal de internet de Marcelo y Cirilo:

https://www.marceloyciriloshow.com.ar/

Facebook:

https://www.facebook.com/marcelo.bonetti.9

Video Oficial de Presentación Artística:

https://www.youtube.com/watch?v=KU9t1XU52MY

Agradecimiento:

– Teatro Palacio la Argentina: Rodríguez Peña 361, Casi Esq. Corrientes, CABA / Tel.: 5236-0055.

 Texto /Fotos:Gustavo Contarelli. Especial para Tribuna de Periodistas

Ficha Técnica / Artística

Título original: Sur y después.

Dirección: Hugo Urquijo – Dramaturgia: Vicente Muleiro – Género: Drama.

Reparto: Mario Alarcón (Julián), Daniela Catz (Frenchi), Sebastián Richard (Armando) y Horacio Roca (Didas) / Músico en escena: Federico Marrale.

Escenografía: Sebastián Sabas– Asistencia de dirección: Bárbara Caggiano –Prensa y RR.PP.: A. Monserrat www.alfredomonserrat.com.ar

Teatro: Centro Cultural de la Cooperación. Av. Corrientes 1543 /CABA. (Sala: Raúl González Tuñón / 1° P.)– Costo localidades: desde $ 250.-

Tel.Boletería: 011- 5077- 8000 / Reservas: www.alternativateatral.com

País: Argentina – Año: 2017– Duración: 50min. – Función: viernes 22:00 Hs.

En el teatro, la acotaciónse refiere a lasnotas o comentarios de naturaleza descriptiva que el autor incluye en una obra determinada para explicar detalles. Ahora, cuando el dramaturgo motoriza esas observaciones en un personaje, Didas, hablamos de teatro didáctico o Didascalias. El concepto, la puesta que ofrece el director Hugo Urquijo (“Vacas Sagradas”, 2016), en el Centro Cultural de la Cooperación.

Argumento: “Sur y Después” (de Vicente Muleiro), es una pieza con tres personajes que experimentan y cambian de máscara: Mario Alarcón (Julián), Daniela Catz (Frenchi), Sebastián Richard (Armando); completa la escena –el narrador omnisciente – Didas (Horacio Roca), que lee esas acotaciones que a su vez incluyen los poemas que el protagonista, Julián, escribe. Un cuadro en composé, bajo la mirada atónita del actor-músico en escena, Federico Marrale. Asistimos a la historia de Julián, desde que regresa desilusionado, abatido, a un lejano paraje de la meseta patagónica donde quedó su mujer y sus hijos. Sin trabajo, carente de proyectos, no se reconoce a sí mismo. Es la sombra que precede a la muerte.

El término “Didaskalia” (del griego: διδασκαλία, literalmente "enseñanza" o "exposición clara"), en la antigua Grecia, era la enseñanza e instrucción al conjunto de actores sobre las tablas. También se reconoce como “el marcado de escena”, que el director propone a sus dirigidos. Son los dispositivos de lenguaje, para hacer más reales los diálogos de una obra. En cine, marca el valor agregado en la construcción del verosímil. Con esta advertencia se encontrará el espectador en la coqueta sala de 94 butacas, bien cerca de los actores, donde se siente hasta la respiración de los protagonistas. Un montaje intimista, para 50minutos de lirismo y poesía en movimiento.

La estética del género, rescata la firmeza y textura de la voz de Didas, (un Roca impecable en la declamación), que paciente lleva el cuento al drama, la tragedia. Es la voz omnisciente que señala, describe y consuela. Julián (Mario Alarcón, un actor de gran trayectoria, siempre suficiente), pasa parte del tiempo de espalda al público (un símbolo), juega con el poder de su repentización y descarga tensión y catarsis. Julián es un loser, pero se cree un winner. Es la impotencia ante la derrota populista. Hay espacio para guiños a la cumbia que se apaga, a personajes del afuera (política y actualidad). Julián ocupa el centro del plano, expresa nostalgia de un tiempo perdido; en ese enclave, se inserta las notas del melodrama.

En el escaso tiempo del envío, un reguero de citas del ensayista que provocan humoradas: de fútbol, el Club Ferro Carril Oeste y su época de gloria (Campeón del Nacional, 1982), el DT. Carlos Griguol y jugadores campeones (“Cacho” Saccardi, etc.). Julián le habla a esos fantasmas del pasado y presente, estando incluso en un neuropsiquiátrico. Los textos trabajan la nostalgia como un canto, es una rapsodia al sur. Fastidioso repite hasta el hartazgo su catáfora dilecta: “tengo que comprar atún a mi gato”. El protagonista odia, cuando la suerte le es esquiva; odia al público que no tiene, a su trabajo y a la radio. Es el retrato de un periodista al que la vida le pasa factura y recién se anoticia. Cristaliza el drama costumbrista en poesía:“Las ultimas quejas se escriben en la nieve”. El fracaso en el sur también existe.

Completada la lectura de Julián, como metáfora de los que proponen la batalla cultural, y la cultura le pasó por arriba. Un personaje romántico que al calor de promesas y sueños incumplidos, allí escribe, baila cumbias en el Bar Las Farolas, encontrando elhombre alivio y comprensión en los brazos de Vicky – ese amor prohibido extra familiar – que lo contiene. Sólo así, en los brazos de una corista, alcanzará la felicidad.

Las acotaciones al margen concluyen, en un dispositivo didáctico paradojal: Vierte información en salva, pero aporta escasa tensión a lo jugado. ¿Es que el suspenso debe ser explicado? Exento de catarsis, la didascalia no otorga aprendizaje.El encuentro, el clímax, El Rendezvous, hace mutis por el foro en una simplificación narrativa de autor: “siempre es la falta de aire lo que mata”.

Puntaje de la obra de teatro: 3 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Mario Alarcón 4 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

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Gustavo Contarelli

Mucho se ha escrito y polemizado sobre el tópico de los colegios tomados en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Sobre las distintas operaciones, los partidos de oposición y grupos de contracultura que, siempre están a la hora de blandir postulados retrógrados y opuestos al desarrollo. El argumento es simple, torpe y conocido: la ciencia y la tecnología, la capacitación, los test de aprendizaje, son un plan foráneo de cooptación del capitalismo para explotar a los pobres pueblos latinoamericanos. Confunden radicalismo político, con radicalismo científico. El conocimiento científico es neutral y de comprobación universal, mientras que las creencias políticas son relativas y no verificables. Para los constructivistas-relativistas – enemigos conceptuales de la razón – la ciencia es un saber ordinario, uno más. Asistimos a la teoría del «Buen Salvaje»de Jean-Jacques Rousseau, pero en su versión educativa. La refutación “quirúrgica” a estos postulados anticiencia, la encontrará el querido lector en la reconocida obra literaria: «Imposturas Intelectuales»(Alan Sokal y Jean Bricmont, Ed. Paidós, 1997), un clásico del escepticismo metodológico.

Allende la mitología populista de la “Izquierda Feng Shui”, como la bautizaron en Europa por su afición al pensamiento mágico –el “viejo truco” del oprimido y su victimización, le juegan en contra y pierde votos. Desde que la OCDE (Organización para la Cooperación y el Desarrollo Económicos) comenzara en el año 2000 a elaborar su informe PISA, Finlandia ha acaparado los primeros puestos del podio en Europa por su excelente nivel educativo.Argentina no tiene un sistema educativo de excelencia como los países nórdicos, pero si deseamos no caer en la trampa dialéctica troglodita, debemos imitarlos (Benchmarking) o darnos a la barbarie. En la sociedad del conocimiento, no hay lugar para viejas prácticas de anarquismo epistemológico. Ya sabemos el axioma: “Camarón que se duerme, se lo lleva la corriente”. Así, el populismo ama tanto a la ignorancia que la multiplica.

Ahora, se conoció un estudio de opinión pública, donde la mayoría de los participantes rechazan el voluntarismo-relativista según el cual: los alumnos (14 / 15 / 16 años) deben ser protagonistas en la construcción de los planes de estudio, símil especialistas y expertos en teorías de la educación; mientras que la mayoría sabe muy bien el tema central del conflicto escolar y sus implicancias.

El reciente estudio del Centro de Análisis e Investigación de Taquion / Research Strategy, arroja interesantes respuestas a la hora de repensar la educación en situación. Del informeextraemos las conclusiones:

– ¿Cuánto diría que sabe acerca del o los motivos de las tomas por parte de los estudiantes?

– Mucho y bastante: 62,8 % / Poco y nada: 12,1%.

– ¿Cree que hay que plantear una reforma educativa que proponga, que los alumnos del último año dividan su tiempo entre la cursada y el trabajo en empresas, quitando materias del Currículo?

– Sí: 50 % / No: 35,4.

–¿Cuán de acuerdo está en cómo el Gobierno de la Ciudad manejó este tema?

–Muy de acuerdo: 19,5 % / De acuerdo: 22,1 % / Algo de acuerdo: 16,7 / Total: +58.3 %. / Poco de acuerdo: 13,9 % / Nada de acuerdo: 27,8 / Total: - 41,7 %.

Cruce

– Quienes están muy de acuerdo o de acuerdo en cómo el Gobierno manejó la situación, ¿cuánto saben acerca de las tomas en los colegios? ¿Y quiénes están poco y nada de acuerdo?

– 67,4 % contestó: Sí, están muy de acuerdo y de acuerdo / 41,3 % contestó: Sí, están algo de acuerdo.

–¿Cree que los docentes deben ser consultados acerca de la reforma educativa?

–80 % contestó: Sí / 20 % dijo: No.

– Quienes saben mucho y bastante acerca del tema, ¿creen que hay que plantear una reforma educativa? ¿Y quiénes saben menos?

– Saben mucho y bastante: 53,4 % / Saben algo: 52,5 % / Saben poco y nada: 27,0 %.

Gustavo Contarelli

Ficha Técnica / Artística:

Título original: El Pequeño Poni.

Dirección: Nelson Valente – Dramaturgia: Paco Bezerra – Adaptación: Ignacio Gómez Bustamante–Género: Drama.

Reparto: Melina Petriella, Alejandro Awada.

Escenografía: Maxi Vecco – Iluminación: Marcelo Cuervo–Vestuario: Daniela Dearti–Prensa y RR.PP.: SMH.

Producción General: Sebastián Blutrach.

Teatro: Picadero, Pasaje E. S. Discépolo 1857, CABA / A metros de Av. Corrientes al 1700 – Costo localidades: desde $ 300 / $ 450.-

Tel.Boletería: 5236-3000 / Reservas Plateanet / Web:www.plateanet.com

País: Argentina – Año: 2017– Duración: 80min. – Funciones: sábados 22:15 Hs. / domingos: 18 Hs.

La propuesta teatral “El Pequeño Poni”(del almeriensePaco Bezerra, 2017), como recreación de “un corte de la realidad”, en el segmento del conflicto que asumen los padres de un alumno víctima de bullying. La puesta original del director Nelson Valente (“La Importancia de llamarse Ernesto”, 2015), es lo subyacente del caso: las tensiones de una pareja a la hora de dialogar y tomar decisiones sobre su hijo. De este modo, el tópico universal que se instala no es la mochila (la excusa / el fetiche) o el acoso, sino el acuerdo y desacuerdo de dos personas en situación. Presenciamos un cuento moral; una pieza atractiva, por momentos tensa, sin entusiasta pretensión de palmarés. Es la oferta que se juega y pondera en el remozado Teatro Picadero.

Planteo el tema del corte, la interrupción histórica, ya que el resto (léase colegio, director, alumnos / padres, medios), quedan ausentes del plano descriptivo. En una elipsis paradojal: que aporta la emoción de los parlamentos más duros intrafamiliar, y por el otro, eclipsa la narrativa sin otras voces que compitan y disparen nuevosconceptos. En su estructura se cuentan once actos cortos con separadores musicales. De tal modo, se compone la obra del dramaturgo español (“La Escuela de la Desobediencia”, 2011). Utiliza el habla coloquial para crear un lenguaje cotidiano, pero a su vez provocador de inquietudes diferentes. Entiende la realidad desde la imaginación, mezclando realidad y ficción. Advierte que el acoso escolar ha marcado su vida, de ahí su inquietud literaria.

Argumento. La pieza está inspiradaen hechos reales de una historia reciente en Estados Unidos, durante el año 2014. Grayson Bruce, un estudiante de 9 años de edad, que tras sufrir varios ataques físicos y verbales, le fue prohibida la entrada a su colegio, por llevar colgada a su espalda una mochila con la estampa de “Mi Pequeño Poni”. El director del establecimiento alegó esa conducta de “disrupción en el aula”, como una estrategia para detener el acoso. Un mes antes, el estudiante Michael Morones (de la misma edad de Grayson), tuvo similares problemas por ser seguidor de esos dibujos animados. De tal manera, la emblemática serie My Little Pony – pasó de ser el ícono de la magia de la amistad, los valores y el compañerismo – a convertirse en un símbolo de lucha contra el bullying. Como advertencia de autor, dedica la obra a los alumnos foco de la agresión, sin que ningún adulto a su alrededor haya hecho nada por evitarlo.

En los textos, el Régisseur trabaja la elipsis narrativa para enfocarse en el conflicto profundo jugado por los dos actores en escena: Melina Petriella y Alejandro Awada. Ambos de aceitada empatía que trasciende. Como fondo del Atrezzo, la imagen del hijo colgado en un retrato singular (con movimiento y luces, que expresan emoción, alegría, penuria y tensión). El cuadro de Grayson sentencia el nivel diegético de lenguaje. La platea deberá estar atenta y hacer foco de esta pieza decorativa. La dinámica del envío se proyecta en actos breves que se cuentan en número de 11, y el juego de luces que marcan la entrada y salida a tablas. La excusa narrativa, es el objeto de deseo tan temido: la mochila con los dibujos de “El Pequeño Poni”. Así, que el spot publicitario de la obra se ilustra con los padres de espalda, y la mochila en plano sagital. Trabaja como imagen anafórica que otorga vida al guión.

El espectador percibe en los parlamentos de confronto, los distintos perfiles psicológicos: Awada – en la máscara de un taxista obsesivo por defender causas perdidas – adscripto a quijotadas, un todoterreno que se le escapa la realidad, mientras que su partenaire Petriella, en la piel de dulce y complaciente mujer que lo contiene, al tiempo que lo pone entre las cuerdas. Ella cristaliza la universalidad: “yo pienso como la mayoría, y vos no” (nivel pragmático del lenguaje); “Sos igual que ellos, en el fondo”, replica un atribulado marido; “Soy la mayoría que vos tanto despreciás”, concluye con goteo lagrimal la resignada fémina. La madre expresa “el bien común”, al mejor estilo filosófico de Jeremy Bentham y su escuela del sentido común. El drama cruza a los ausentes y los demoniza: el director del colegio, los compañeros de curso, ese fuera de campo sentenciado como enemigo, nunca la autocrítica. Un clisé del ignorante y del populacho que asedia.

Conclusión: el discurso de “Si uno cree, la magia existe”, slogan romántico /posmoderno que atraviesa la pieza y la expande, no cierra y endereza los problemas de la vida. Tampoco hurga en políticas y posiciones intermedias del conflicto que lo hubiese solucionado. La historiaes la metáfora del fracaso dialógico. En un diálogo, las personas dan argumentos basados en pretenciones de validez y no de poder. Ya lo sostenía el talentoso literato Leopoldo Marechal, a la hora de resolver intrincados problemas: «De todo laberinto se sale por Arriba».

Puntaje de la obra de teatro: 3 ½ Tribunas

Puntaje actor protagónico: Alejandro Awada 4 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima 

Gustavo Contarelli

Ficha Técnica / Artística:

Título  original: Angá Rodolfo.

Dirección: Matías Gómez – Dramaturgia: Ricardo Torre.

Género: Unipersonal /Drama.

Reparto: Ricardo Torre – Músico en escena: Diego Salvatierra.

Asistente de dirección: Nadin Jezabel Gulman.

Diseño gráfico: Felipe Castro  – Fotografía: Felipe Castro

Prensa y RR.PP.: Kazeta Prensa / kazetaprensa@gmail.com

Facebook:   https://www.facebook.com/anga.rodolfo/

Teatro:La Lunares, Humahuaca 4027, CABA / Reservas: https://www.deteatro.com.ar/reservar/1271

País: Argentina – Año: 2017– Duración: 75min. – Funciones: lunes 21:30 Hs.

La propuesta teatral “Angá Rodolfo”  –el unipersonal de Ricardo Torre –  con el encanto del Teatro Off en un cuento navideño. Un melodrama de ADN gauchesco y acento guaraní. Corporiza la máscara de la soledad extrema, de toda caricia y amor humano. Es la mirada provocadora de las tradiciones occidentales a la que nos sometemos como sociedad. La puesta minimalista de Matías Gómez,  en un tópico abordado por el cine y la televisión, con el sabor y la seducción de la prosa correntina.

La pieza cuenta con la presencia de un músico en escena: Diego Salvatierra. Música criolla de autor, como partitura incidental que envuelve la atmósfera tensa y emotiva. Describe los distintos momentos escénicos: separadores de actos, entrada y salida a tablas, asocian la iluminación  en un montaje  básico. El actor de “Marejada” (de Diego Beares), en la epidermis de un hombre solitario que desespera ante la fecha liminar: 24  de diciembre. Es la magna celebración para el reencuentro con los amigos y seres queridos. No obstante, hay quienes están solos y esperan en su nostalgia. El espíritu navideño del aquí y ahora, un vehículo de depresión, angustia y balances. La autocrítica tarda en llegar pero asedia en la conclusión de lo narrado. La cosmovisión, mezcla de autocomplacencia y crítica ontológica, de situaciones extremas.

La obra intimista calza como un guante en el teatro “La Lunares”, de 35 butacas. El espectador puede acceder a toda la magia en escena: el juego de luces, la música empática, hasta los ruidos corporales de contorsión del protagónico. Estos dispositivos de lenguaje visual, para la teatralización de emociones humanas movilizadoras. El silencio de la sala se percibe como eco de la sensibilidad que cruza el unipersonal;  los espectadores asumen el juego del teatro y lo recrean: Las delicias del lenguaje guaraní, el costumbrismo campesino.  Hay una  imagen que cristalizada la trama: la figura del Gauchito Gil (el  fetiche) y su altar. Las velas que arden y la religiosidad como objeto de culto de un santo popular. Es el pensamiento mágico y su circunstancia.  Al tiempo que su  mascota– el gato “Cambá”  –endulza lo doméstico. Las  frases catafóricas aportan sentido: “Rogando a que me inviten”/”Soy una lombriz asustada y solitaria”. Los textos tienen citas de autor: al mítico humorista Benny Hill, que descomprime la angustia asfixiante.

“Angá Rodolfo” construye su mundo (“Angá” - “Angacito”, voz guaraní que significa: pobre /pobrecito) a partir de un sólido personaje donde se advierte el puente pedagógico / didáctico del Teatro Off. La imagen de la oscuridad total en escena, símbolo del abatimiento y de una larga lista de sinsabores. Con ausencia de romanticismo, el drama /la melancolía y la soledad, se juega  y condensa.  El actor Ricardo Torre le pone el cuerpo y se siente: en todos sus movimientos; en la creación del personaje; en el uso y manejo de las emociones; el dominio del espacio escénico; abordaje del texto; en las técnicas para improvisar. Con todo, se percibe el espasmo de las articulaciones del cuerpo atravesado por el dolor y la soledad. ¡Todo un logro!

Conclusión: Asistimos a la refutación del axioma popular “Si uno cree, la magia existe”. Los mediadores surrealistas del pensamiento mágico  sugestionan sólo a los que creyentes. Ni la superstición o el  altar de su gauchito, pudo devolver la tranquilidad al humano sufriente. En palabras del sabio universal Dante Alighieri: “No hay mayor dolor que recordar los tiempos felices en la miseria”.

Puntaje de la obra de teatro: 4 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Ricardo Torre 5 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima   

Gustavo Contarelli

Ficha Técnica / Artística:

Título original: Medea en la Oscuridad / De Eurípides.

Dirección / Versión / Puesta en Escena: Marcelo Silguero – Género: Drama.

Reparto: Verena Smith (Medea), Cristian Disabato, Juan Lucero, Mirta Galluppi, Fede Marrero, Laureano Ferro, Franco Raffín, Vanina Koiffman, Federico Papaleo, Chiara Di Bella, Sebastián Aisen, Myriam Gordillo y Maximiliano Arko – Banda:“Absenta Soul” / Músicos: Chiara Di Bella (voz), El Gato Ale Quiroga, Luiggi Montaño y Nahuel Domínguez.

Iluminación y Sonido: Manuel Mazza –Vestuario: Juan Lucero–Prensa y RR.PP.: Alfredo Monserrat / www.alfredomonserrat.com.ar

Producción Ejecutiva: Smith / Galluppi / Silguero.

Teatro: Auditorio Losada, Av. Corrientes 1551, CABA / – Costo localidades: desde $ 200.- Reservas:www.alternativateatral.com

País: Argentina – Año: 2017– Duración:75min. – Estreno: 08-10-2017.Funciones: domingos: 20 Hs.

“Medea en la Oscuridad” / de Eurípides, es la versión aggiornada del dramaturgo Marcelo Silguero (“Casamiento en el Campo”, 2010). El nuevo concepto teatral en clave de melodrama rock. La oportunidad para que el público alejado de los clásicos de la literatura universal, se acerque a los trágicos de la Antigua Grecia. Son 13 actores en escena; 3 músicos de la banda “Absenta Soul”, animan la entrada y salida de los artistas. Un musical dramático es la propuesta en el Auditorio Losada –Calle Corrientes –los días domingo a las 20 hs.

Argumento. El escritor Eurípides humanizó los mitos. Los problemas que aborda son reales y de su tiempo. Siempre nos regala una moraleja, donde el héroe reconoce su error y se redime. Medea y Jasón pertenecen al linaje de los dioses. Están casados, tienen 2 hijos. Medea descubre que Jasón tiene un romance con la hija de Creonte (Rey de Corinto). Ella es una mujer vengativa y arrogante. La deshonra de su lecho conyugal la hará pagar con sangre. Se convierte en una mujer desgarrada, despechada, porque su esposo Jasón, abandona su hogar para casarse con una joven princesa y planea una terrible venganza. Desde la oscuridad más absoluta, muestra el infierno que vive Medea. Con música rock como mediadora, se cuenta una historia de pasión, amor, venganza y muerte.

La característica basal del melodrama, es el juego del público (emociones y sentimientos) mediado por la música para lograr el efecto deseado. La tragedia clásica se caracteriza, según Aristóteles, por generar una catarsis en el espectador. El objetivo del género es provocar en las personas dos emociones: el temor y la compasión. El dramaturgo griego realza la figura femenina: Medea es sabia, formidable, fuerte, hábil y luchadora. Es amada y odiada al mismo tiempo. Medea es la legitimación de la violencia.

En los textos, el Régisseurtrabaja la elipsis narrativa para enfocarse en el conflicto profundo: el amor y la venganza. Al enterarse Medea de su desdicha, el armado de su ira se inicia. Es una mujer despechada que va contra el establishment de la época. El demérito en la versión de marras, hay que signarlo en la falta de dinámica dialógica en la construcción del verosímil. El teatro es condensación mientras que el cine es dispersión conceptual. Con esta advertencia asistimos a la pérdida de sentido. Son los problemas de la elipsis y su lógica descriptiva. En Medea, son pocos los momentos de clímax.

En cuanto al reparto, Medea (Verena Smith) cumple con suficiencia el personaje central. La representación gira a su alrededor. Su rol de actor se relaciona con sus opuestos en los parlamentos. Smith tracciona al resto del elenco y levanta la pieza del ostracismo. Aporta frescura y belleza a la trama: Vanina Koiffman, Chiara Di Bella y Myriam Gordillo; Mirta Galluppi, el partenaire necesario de Medea, con solidez y presencia sobre tablas muestra su oficio. La estructura de la pieza se basa en los niveles del lenguaje; en los diálogos de confronto, la declamación de los personajes que impacta en el auditorio. Se oye un rosario de frases, poesía y épica: ¡Oh patria, cuánto me acuerdo de ti ahora! De estética cosmopolita, se asocia al clásico estilo helénico con aderezos de la sociedad moderna. Una entente que se mira superadora pero se queda en la pretensión.

Conclusión. Lo que subyace en la historia es la prosa multicultural de Marcelo Silguero, en la nueva versión de Medea de Eurípides. Así se conforma el melodrama rock de un clásico del género, cuya influencia persiste hasta nuestros días. Medea recuerda a los hombres su lección, que pende como Espada de Damocles: “Una mujer suele estar llena de temor y es cobarde, para contemplar la lucha y el hierro, pero cuando ve lesionados los derechos de su lecho, no hay otra mente más asesina”

 La prosa multicultural del Régisseur Marcelo Silguero, en la nueva versión de Medea de Eurípides.

Puntaje de la obra de teatro: 3 ½ Tribunas

Puntaje actor protagónico: Verena Smith (Medea) 4 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

Gustavo Contarelli

Ficha Técnica:

Título para Latinoamérica: Olvídalos y volverán por más.

Título original: Olvídalos y Volverán por Más.

Dirección y Guión: Juan Pablo Lepore.

Género: Género Documental–Apta para mayores de 13 años.

Reparto: Documental

Productora: Colectivo Documental Semillas – Duración: 115min.

Producción: Juan Pablo Lepore–Montaje: Mariano Lucio Bazterrica.

Fotografía:Nicolás Van Caloen– País: Argentina – Año producción: 2016 

Sala: Espacio INCAA – Cine Gaumont, Av. Rivadavia 1635 – Tel. 4382-4406

Precio entrada general: $ 30– Estreno: 22/09/2016.

El documentalismo político, y económico —centrado en un acontecimiento / película de tesis— tiene una importante misión social siempre y cuando su representación no vaya en contra del progreso humano que ellos mismos intentan defender. Una paradoja sembrada por el irracionalismo de postulados que atrasan. Pugnar contra la megaminería a cielo abierto sí, pero con armas superadoras para un progreso sustentable. No en contra de la minería tradicional.

Filmado en varios países, Olvídalos y Volverán por Más (2016), retrata el impacto social, económico y ambiental de la megaminería como “herramienta del neoliberalismo que explota, contamina y saquea”. Con una postura ideológica expresa, el realizador Juan Pablo Lepore (Sin Patrón, Una Revolución Permanente (2014), redobla su cruzada para exorcizar al eje del mal: El Capitalismo Industrial Moderno.

Con la liturgia “Que se vayan todos”, excomulga por impíos a los gobiernos de Carlos Menem, Cristina Fernández e Ing. Mauricio Macri. Todos en santa comunión con el maligno progreso que destruye a su paso. Una visión sesgada de la realidad. Si bien hay semillas de verdad en la muestra documental, el hecho es que rechaza a priori a toda la minería. Confunde minería tradicional sostenida por el Estado moderno, con los intereses espurios de transnacionales que explotan el suelo, la riqueza y dejan a su paso contaminación y desempleo.

El relato es una propaganda del activismo radical contra todo uso de minería, agroindustria (Montanso Company), y otras yerbas. Los parlamentos son unidireccionales, no da lugar a la confrontación de miradas. Es una construcción social equívoca. Preso de su propia dialéctica, exhibe poco conocimiento de los mecanismos narrativos; no sostiene la atención del espectador; concluye en una visión simplificada de la realidad.

Para destacar, un hito a favor: la productora del Documentary es autónoma. No se ata a ningún tipo de empresas privadas o gubernamentales. Mantiene su independencia ideolóligca. Como consecuencia, quedan liberados a su propia suerte y se nota: una estética precaria, desprolijidades en el montaje y edición. Al fin y al cabo, casi dos horas del mismo tenor narrativo sin contraste, es un suplicio para el espectador. Y más, la voz over no ayuda, es monótona y cansina; el cuento radical ambientalista de parlamentos pseudo-petardistas y naif, asusta menos que los cuentos de terror de mi tía Eduviges.

Apela al recurso del principio de autoridad, colocando en plano detalle a especialistas en el tema, a fin de asociar una visión antiminera, de contracultura. Aplica “el viejo truco” de victimizarse para legitimar sus actos de rebeldía. Léxico de contracultura: “genocidio del capitalismo”; “neoliberalismo genocida”; “colectivo de resistencia”; “escraches”, cuando no se sabe dialogar y negociar. Un film con necesidad de trascendencia culmina en deja vu de la izquierda fascista tradicional.

Me permito una sugerencia tanto al realizador Lepore, como a su feligresía de “contracultura”. Son las lecciones de la historia. Hay dos acontecimientos que condicionaron el presente y el futuro de la humanidad: la Revolución Francesa como ideológica, y la Industrial como económica. Esta revolución constituyó la base del sistema contemporáneo. Marcó el fin del medioevo, y el comienzo de la modernidad. Ir contra el desarrollo científico tecnológico no sólo atrasa 500 años, sino, es peligroso para las economías emergentes como Argentina.

Sugestivamente, no pone el ejemplo sueco: Suecia es el principal productor de hierro de Europa, el segundo de plata y zinc, y el tercero de cobre y oro. Se establece el deber de llegar a una industria en armonía con el medioambiente, la cultura y otras actividades comerciales; la cooperación para promover la innovación y el crecimiento sostenido. Minería sin contaminantes, esa es la cuestión. Suecia como los otros países escandinavos, son ejemplo de desarrollo sustentable, mejor educación y respeto a la diversidad y los derechos humanos en todo el mundo.

Moraleja: sin hierro, acero, cobre y otros minerales, el mundo no se mueve o progresa. Incluso para mentes contracultura del ”Colectivo Documental Semillas”, que bien usan la tecnología proveniente de la Revolución Industrial para vivir y progresar. Realidad sí, hipocresía irracional / pensamiento–mágico, no.

   Gustavo Contarelli 

Puntaje de la película: 2 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Género Documental

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas:mala /pésima

Ficha Técnica:

Título para Latinoamérica: El Peor Día de Mi Vida.

Título original: El Peor Día de Mi Vida.

Dirección: Daniel Alvaredo – Guión:Osvaldo Canis.

Género: Comedia –Apta para mayores de 13 años.

Reparto: Javier Lombardo, Daniel Alvaredo, Irene Almus, Mónica Scapparon, Constanza Maral, Ximena Fassi.

Productora: MR FILMS, José L. Crescia, Mónica Roza, Carlos Piwowarski.

Fotografía:Osvaldo Díaz– País: Argentina – Año producción: 2016 Distribución: Aura Films – Música: Pablo Sala– Duración: 73min. 

Sala: Espacio INCAA – Cine Gaumont. Av. Rivadavia 1635 – Tel. 4382-4406

Precio entrada general: $ 30– Estreno: 22/09/2016.

El actor y realizador Daniel Alvaredo (Paternoster, 2013), apuesta a El Peor Día de Mi Vida (2016), el oficio de la comedia intimista, minimalismo en progreso centrado en un protagónico, donde hay un menú abierto: humor ácido, grotesco, poesía, y abandono. A partir del realismo mágico, un día que era para el olvido, una jornada pésima, se convierte en el mejor día en la vida de Julio Cabrera. Es la metáfora de un loser– y el potencial winner – que nos aguarda a la vuelta de la esquina o en una escollera de río…

El metraje revelala historia de Julio Cabrera (Javier Lombardo),un actor desempleado, “mediopelo”, que vive aferrado a la idea de que pronto su suerte va a cambiar. Hace malabares para obtener un pequeño papel en una publicidad El problema es que el éxito se ha olvidado de él, porque veinte largos años pasaron desde su participación en una famosa telenovela. Casado hace 25 años, su pareja está en crisis. La economía, la inmovilidad y la desesperanza, peligra su felicidad. Sin embargo, todo empeora el día de su cumpleaños: discute con su esposa (Mónica Scapparon), su mundo se desmorona; debe hacer frente a una situación angustiante (portar las cenizas de su hermano mellizo muerto hace 4 años); un día donde todo le sale mal, casi abatido sin salida. Hasta el cruce fortuito con una mentalista y todo parece cambiar…

Si preguntamos cuales son las credenciales de esta historia: costumbrismo pero bien entendido, no contumaz, no autorreferencial y asfixiante. Es el amor a lo pequeño / lo cotidiano, que a todos nos puede afectar; hay historia universal que lo sustenta. El director es un mensajero de emociones. Son los afectos que llega al sensorio, al corazón y nos transforman. Una historia digna de contar, ver y disfrutar. No le sobra mucho, pero alcanza. Con innumerables citas o guiños a películas y stars de la actuación: Marlon Brando (1924 -2004). Su efigie está sembrada en el montaje, ora pósters, ora remera del protagónico. Considerado uno de los mayores mitos de la historia del cine.

El guión es un canto a la nostalgia, y como sabemos la nostalgia tracciona emociones y recuerdos. Siempre la nostalgia está de moda. Una imagen cristalizada atraviesa el guión como recurso anafórico del lenguaje: la caja de bizcochos “Panali” (que rememora su infancia), lo acompaña a todos lados, usada como urna funeraria, donde descansan las cenizas de su hermano extinto. La idea de El Peor Día de Mi Vida, tiene precedentes / se asocia a La Peor Noche De Mi Vida (Walk Of Shame, 2014), donde una reportera entre en colapso en el centro de Los Ángeles: sin teléfono, coche, identificación, ni dinero, su mundo se desmorona…La “desesperación” es un tópico universal, con los clisés de cada época que la legitiman.

Y seguimos con la nostalgia, la participación de la actriz Constanza Maral (como la mentalista Blanca), hace tiempo no se veía a la pelirroja actriz. Ahora “abriendo los caminos” y “destruyendo los maleficios” de Julio (Lombardo). Hay un instante mágico en la trama: el protagonista desmoralizado, sentado en una plaza habla con un anciano desconocido. Es un insight, momento de realismo mágico. ”Hasta de los muertos nos olvidamos”, sentencia el desconocido. Pero hete aquí que el muerto, hermano de Julio, parece no olvidarse de su gemelo y lo ayuda…

Ximena Fassi aporta frescura a la historia, la solución perfecta. ¡Es el mejor día en la vida de Julio Cabrera! Su cameo, la condensación perfecta en la vida del actor desahuciado. Al fin y al cabo, hay una película de estética Buddy Movie—“Película de amigos”—, mezcla la amistad entre varones, como principal motivo de la trama. Aunque uno de ellos se encuentra en la modalidad cenizas dentro de una caja de bizcochos. El humor negro, ácido, desenfrenado, grotesco, que descomprime parlamentos cargados de dramatismo. El humor es una fuerza que doblega a su paso las locuras, los sinsabores y pone las cosas en su lugar.

Javier Lombardo demuestra que se puede luchar y trabajar pese a los escollos de una enfermedad que padece hace años (Mal de Parkinson). Coloca al hombro una película; brilla su fisic du rol y deleita al espectador. Reímos, lloramos y nos enfurece. El mismo Lombardo concluyó en una entrevista a la Agencia Télam: “Una enfermedad siempre es un despertador y eso te tiene que llevar a cambiar algo”. Es un despertador que suena en los oídos de cineastas: una muestra que con pocos recursos, se produce cine con dignidad creativa. Una historia emotiva de fluida y comprometida prosa. No es poco. 

  
Gustavo Contarelli

Puntaje de la película: 3 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Javier Lombardo 5 Tribunas / Excelente

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas:mala /pésima

Ficha Técnica / Artística

Título original: Vacas Sagradas.

Dramaturgia: Daniel Dalmaroni – Dirección:Hugo Urquijo

Asistente: Bárbara Caggiano y Tony Chávez – Género: Comedia.

Reparto: Irene Almus (Susana), Alfredo Castellani (Alberto), Fausto Labraña (Funcionario), Thomas Valentín Lepera (Mariano), Nehuen Zapata (Kabir)

Diseño de Imagen: Karina Hernández– Fotografía: Álvaro Antonio Delgado.

Escenografía y Vestuario:Sebastián Sabas.

Iluminación: Hugo Urquijo y Horacio Novelle.

Prensa y RR.PP: Alfredo Monserrat – Comunicación Visual: Claudio Medin.

Sala: Solidaridad, Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1543, CABA. Tel.:5077-8000/77 / Boletería: int. 8313.

Día y horario: viernes y sábados 22:30 hs. / Costo localidades: $ 200.-

País: Argentina – Año: 2016 – Duración: 60 min. – Hasta: el 26 /11/2016. Esta obra cuenta con el apoyo de Proteatro, el INT, y el Fondo Nacional de las Artes.

Daniel Dalmaroni, escritor y dramaturgo platense (New York, 2013), experimenta con su obra Vacas Sagradas (2014), el lenguaje de sainete criollo explosivo y convocante. Una historia breve y efectista, pese a las fisuras del guión. En un oscuro espejo de la idiosincrasia de los argentinos, hace reír a carcajadas y deja un trago amargo a través de su antropología porteña.

Argumento: una comedia que exhibe las miserias de una familia clase media argentina, donde la intolerancia y la discriminación al diferente, es servida con humor inteligente, sarcástico y grotesco. La trama minimalista, de estética costumbrista, donde los protagonistas Irene Almus (Susana), Alfredo Castellani (Alberto) —tándem empático, bien aceitado— se complementan con precisión de joyería suiza. Almus, una interesante comediante del medio, aunque sobreactúa un poco, y cae en afectación. Castellani es más natural, no necesita gritar o realizar con frenesí ademanes. Se pone al hombro Vacas Sagradas, todo gira en torno a su rol de actor generoso.

El ex director de la “Revista Oral de Teatro de Buenos Aires” (2003/05), utiliza como excusa narrativa un viaje de intercambio cultural. El hijo Thomas Valentín Lepera (Mariano), recibo al estudiante indio Nehuen Zapata (Kabir). El título del envío Vacas Sagradas, como metáfora de ese país exótico, que profesan costumbres distantes a la nuestra. Ora su dieta vegetariana por considerar sagrados al rumiante vacuno, ora no tienen ningún reparo en usar su cuero para zapatos, valijas, guantes y otras vestimentas. En síntesis, son las contradicciones indias que llegan a Buenos Aires, se instalan en la casa de Susana y Alberto—dos ejemplares del porteño avivado, que quieren de todo sacar ventajas— que colisiona con las contradicciones propias del “argento” medio pelo, que todo pasa por el tamiz ideológico populista.

Alberto es el encargado de proferir parlamentos unidireccionales que contextualiza a su paso: el diferente es el “zurdo” / “comunista”; los "negros"; “deben ser trotskistas”; “soy de la Matanza, y antiperonista”, y una larga lista de ese cuño, secundado por su esposa eficiente y hogareña que asiente y remata la construcción de gags bien resueltos. La pareja peca de ingenua dentro de su pensamiento obsoleto. Hacen suyo el pensamiento de Albert Einstein: “En medio de la dificultad, yace la oportunidad”. Y ese es su plan de acción. La dificultad es un disparador, una oportunidad de negocio en ciernes.

Hay sendos guiños de autor a clásicos del cine nacional: Esperando la Carroza (Alejandro Doria, 1985).Nada mejor que una película de culto del grotesco criollo para legitimar el compromiso con el espectador. Al tiempo que la música hindú suena como separadores o telón de cada acto. La escenografía de Sebastián Sabas, con seis montajes /escenarios dibujados sobre las tablas, bien de “Teatro Off” (pequeños formatos que vinculan la obra al espectador), es una imagen cristalizada el teatro y su dinámica. Las butacas de la sala están sobre nivel del escenario como gradas / tribunas. Una idea singular e inteligente, que otorga profundidad conceptual de campo.

En cuanto al guión, hay asimetría en los textos de los protagónicos y resto del elenco. No explora los otros roles. Los gags no soporta el punch de una comedia avasallante, intensa y de corta duración: 60 minutos; caen en clisés inevitables. Concluye en previsible, y cuento naif. Con todo, una obra digna de ver y disfrutar en familia.

Moraleja: carente de rendezvous—así llaman los dramaturgos franceses a esos encuentro “en el espacio” o en “la gloria” entre el autor-actor y espectador— el final se inscribe en solitario y baja la tensión. Una historia breve, que expresa su mensaje para hacer mutis por el foro.

 Gustavo Contarelli

 
Puntaje de la obra de teatro: 3 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Alfredo Castellani 5 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas:mala /pésima

La edición número 13 de “La Noche de los Museos”—de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires— se celebra este sábado 29 de octubre de 2016. Promete ser superadora por las nuevas actividades y formatos. Como todos los años, museos y espacios culturales abren sus puertas para disfrutar del arte bajo la luz de la Luna. Son los barrios porteños que se visten con sus mejores galas, para recibir una noche en la cual los museos no duermen y cobran vida. Donde la necesidad de cultura, hace realidad la fantasía.

Desde Mataderos a Puerto Madero —distribuido en 15 comunas— enun programa de actividades libres y gratuitas, con núcleo fuerte en el Distrito de las Artes (La Bocas, Barracas y San Telmo). Son 240 sedes que participan. Se espera que entre las 20 y las 3 de la madrugada, recorran los espacios culturales casi un millón de personas.

Como en el film Night at the Museum (Una Noche en el Museo, 2006), las salas que atesoran la historia cobran vida en un montaje de género fantástico. Los concurrentes al evento cultural podrán jugar al personaje “Larry” (Ben Stiller), el guardia de seguridad que participa de todos los acontecimientos mágicos. Y la magiade la noche abrirá sus puertas al público en un guión insondable, de historias atrapantes y emotivas. A diferencia del metraje, ahora el espectador es el protagonista. Una idea inteligente.

Entre los puntos de interés, sobresale la muestra de 200 dibujos inéditos del pintor Antonio Berni (1905, Rosario / 1981, Bs.As.) de reciente inauguración en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA). Al tiempo que en la Fundación Proa, se podrá apreciar la primera retrospectiva en Argentina del vanguardista ruso Kazimir Malévich (1878- 1935).

Con epicentro en los barrios del sur: a partir de La Usina del Arte y la Fundación Proa, en La Boca, con caminatas guiadas. Habrá espectáculos de tango en vivo frente a la mítica Pizzería “Banchero” (Suárez 396 esq. Av. Almirante Brown) y al “Bar Notable Roma” (Avenida Alte. Brown esq. Olavarría). En sintonía con los festejos de “La Noche de los Museos”, enlas líneas de micros (buses) que participan del recorrido se podrá viajar gratis a partir de las 20 hs.

Al no existir un recorrido establecido, los visitantes pueden armar sus propios paseos, según gustos y criterios. Se sugiere desde el GCBA el siguiente esquema orientativo: a) Itinerario desde el Museo de Arte Moderno a la Usina del Arte, o al de Bellas Artes Benito Quinquela Martín, o del Museo del Humor hasta el Centro Cultural Recoleta. b) Desde el Malba, Centro Cultural Recoleta, al Museo Hispanoamericano, al Museo Evita y al Sívori.

Museo de Arte Moderno de Buenos Aires: Av. San Juan 350. Exposición Antonio Berni, “Revelaciones sobre papel 1922-1981” / con 200 dibujos inéditos del artista.

Fundación Proa: Av. Pedro de Mendoza 1929. Retrospectiva de Kazimir Malévich. Al salir se podrá disfrutar de un paseo por Caminito y Vuelta de Rocha.

Usina del Arte y Museo del Cine: Caffarena 1. Exposiciónde fotografía y videoclips del estadounidense David La Chapelle.

Legislatura Porteña: Perú al 100. Espectáculos de música popular, visitas guiadas cada 30 minutos.

Calle Lanín 33: El dibujante Sendra y el artista plástico Marino Santa Marina, darán un taller a los presentes a las 20 hs.

Fototeca Latinoamericana: Godoy Cruz 2626.Exposiciones de A. Marroquín y G. Iturbide.

Centro Cultural Rojas: Av. Corrientes2038. Inauguración muestra “Latinoamérica”. Habrá actividades de teatro, danza y exposiciones.

Les Souffleurs: la compañía francesa actuará sobre la Av. Almirante Brown, en La Boca.

Info completa: www.lanochedelosmuseos.gob.ar

 Gustavo Contarelli

Dirección: Leonardo Damario – Guión: Israel Adrián Caetano, Nora Mazzitelli, Leo Damario –  Dirección Artística: Mauricio Catarain.

Género: Comedia Dramática – Apta para mayores de 13 años C/Reservas.

Reparto: Alejandro Awada, Lucila Polak, Brenda Gandini, Fabiana García Lago, Belén Chavanne,  Graciela Borges (Narración),  y la participación especial del actor internacional italiano Adriano Giannini.

Fotografía: Francisco Almenara Mosqueira – País: Argentina – Año producción: 2016 – Duración: 82 min. 

Sala: Espacio INCAA – Cine Gaumont. Av. Rivadavia 1635 – Tel. 4382-4406

Precio entrada general: $ 30 – Estreno: 27/10/2016.

Resentimental (2016), la nueva propuesta de Leonardo Damario  (Olympia, 2012), deja en el paladar un sabor a nada: atípica, inconsistente, pretendida rupturista, concluye en previsible y anodina. Sólo un sinnúmero de secuencias de alto voltaje sexual lésbico, para endulzar la retina del espectador fetichista y voyeur. Nada más.

Argumento: la historia de Eva (Lucila Polak), una excéntrica cineasta y publicista que orillando el estrellato, lo lleva entre el amor y sus picardías sexuales. Parece tener todo resuelto, pero la vida la sorprende y debe enfrentar una situación que no puede sobrellevar. Es la fama, el dinero, el amor no correspondido y el poder, que se esfuma y deprime.

La trama sorprende por la adición de minutos dialógicos y de confronto, sin embargo, se pierde en lo banal y desecha por la borda la oportunidad de creación en “el arte de la conversación”. Un guion sembrado de lugares comunes, clisés y erotismo disociado del concepto fundante, es el retrato de un metraje sin demasiadas pretensiones de trascendencia.

La primera apertura de plano viene con una puesta fuerte: la voz over de la consagrada primera actriz Graciela Borges, para ilustrar una historia de erotismo y pasión desenfrenada. Una buena idea, que poco auxilia a una esquiva construcción del verosímil. En cine,  este tipo de relato se llama “Focalización Interna”. Una voz / la narración tan peculiar con su tono gutural no alcanza, no sostiene, cuando la alteración de las secuencias temporales (Flashback / Flash forward)  dispersa la atención y no condensa. La carencia narrativa y conceptual es evidente. 

Redimen  al  film del ostracismo, el voltaje de erotismo y la magia del cine que regala al público Lucila Polak – la bella mujer de Al Pacino, quien le ayudó a componer su personaje  de lesbiana – y Brenda Gandini, sacándose chispas a puros besos y caricias, seduciendo incluso hasta el más pacato y distraído. Juega con la parafilia y el fetichismo: ¿Qué hombre no soñó alguna vez con participar –aunque sea de voyeur– de una maratón sexual de escenas de lesbianismo?

Cine erótico, con frases cristalizadas, portadoras de vulgarismos y neologismos: “la cámara te coge”; “cerebros cogiendo” (SIC), en un alud de vocablos fuertes y movilizadores como el argentinismo “Resentimental”. Con  todo, el título del film, poco tiene que ver con la dinámica y estructura del mismo.  Nada de sentimental, de romanticismo, es el amor no correspondido y la búsqueda de un sustituto sin fin. No obstante, la cinta funciona como “Anticine”: una crítica ácida contra el cine clásico, marcando las miserias de la producción y la fama del establishment.

¡Luz, cámara y sexo!...Un amor de féminas bien chic, que no aborda la problemática del conglomerado lésbico y sus derechos. No  quedan  bien representadas las camaradas de aventuras con sus iguales.  Actuaciones muy forzadas; triángulos amorosos poco convincentes, difícil consoliden algún concepto trascendente y superador.

La cancelación del relato no cierra, como tampoco las historias secundarias. Una galería de cameos innecesarios tampoco levanta la puntería del cine de Damario, perdido en su propia dramaturgia.  La pasión “desapasionada”; una traición permanente que se aleja de la tragedia para transformarse en inactual e intrascendente. 

Resentimental: neologismos y erotismo lésbico en progreso. Donde la dispersión toma la narración  y se confunde. 

Gustavo Contarelli

Puntaje de la película: 2 Tribunas 

Puntaje actor protagónico: Lucila Polak 4 Tribunas

Referencias: 

5 Tribunas: excelente /imperdible

4 Tribunas: muy buena

3 Tribunas: correcta / buena

2 Tribunas: regular

1 Tribunas: mala /pésima Ancla

Alfredo Castellani. De Liniers al mundo: Filmó con Gérard Depardieu y Santiago Segura (Torrente). Última obra de teatro: Vacas Sagradas (Director: Hugo Urquijo/ Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1543).

Llega a la cita puntual. Respetuoso de los tiempos de este cronista y el suyo. Terminada la entrevista, tiene función de teatro en la Calle Corrientes (ver: Vacas Sagradas). Rompiendo la formalidad, comenta que en su casa florece un vivero, el espacio verde al que bautizó: “El Jardín de la Convivencia”, como guiño de autor a la obra Desde el Jardín. Conviven dos gatas, un perro y muchos pájaros. Su mujer es naturista y lleva adelante una germinación de plantas autóctonas. Es como “un espacio escénico” que lo tiene hace diez años. Hombre factótum: fue gimnasta federado, pasó por la danza, la murga, la docencia escolar (con su proyecto pedagógico: “Educación Recreativa”) hasta su formación de actor. El común dominador ha sido el juego, el espacio lúdico. De trato amable y prosa directa -sin ornamentos –conceptualiza a solicitud de Tribuna de Periodistas: 

-¿Hablemos del presente laboral y la formación del actor en nuestro país?

-El camino no es fácil como tampoco será en otras profesiones; se hace difícil el comienzo profesional del actor. Primero te dedicás a otra profesión y luego volvés. Me recibí de Profesor de Educación Física, obtenida una sólida posición como docente, me volqué de lleno a la actuación. Hoy hay problemas con la formación, muchos jóvenes salen de la escuela de actuación y no conocen a Luis Sandrini, a José Marrone. La comedia rinde como el drama. Desconocen El Conventillo de la Paloma (de Alberto Vacarezza), la obra más vista de la historia del Teatro Nacional Cervantes. Sainete escrito en 1926. Pienso y se me pone la piel de gallina. Trabajé con Claudio García Satur en dicha obra. Le digo a Satur: “vos tenés que seguir laburando, mostrarte -él tiene problemas de salud - donde vos cerrás la boca, yo dejo de aprender; tengo que aprender de vos para que de mí aprenden los que vienen de atrás”. Acá, nos interrumpieron culturalmente…

-¿Interrupción cultural? 

-Me refiero al concepto cultural. Al concepto teórico de la historia de la actuación. Hoy agarrás a un joven en formación actoral, y le preguntás: ¿viste algo de Luis Sadrini? -No, te contestan… Y te sorprende. Eran buenos hasta los de la tercera fila. Acá, se ha interrumpido desde el lado político cada vez que fue posible la cadena cultural. Vengo de hacer una novela (La Leona), con Miguel Ángel Solá, muchos de los actores no lo conocían. Solá se fue del país en 1991 /92.

-¿Cuál es su metodología, abordaje de textos, creación de personajes?

-Lo que me impacta primero es la lectura inicial, el contacto con el texto, las características del personaje, su espiritualidad, una impronta que no puedo evitar. La primera impresión y a partir de allí, si el personaje lo requiere, salgo a buscar información si es necesario. Su historia, etc. 

-¿Analicemos juntos a su protagónico en Vacas Sagradas, el controvertido personaje de “Alberto” (abordaje dialéctico amigo -enemigo, es un “busca”; esa contradicción del porteño, te enternece por momentos y por otros tenés ganas de putearlo).

-Lo leíste muy bien, me alegro que lo hayas entendido así. Cuando lo espías como espectador, te vas y decís: “¡qué hijo de puta!”. Es un personaje que tiene histrionismo y la visión de conservación de caer siempre parado. Es un gris, no queda nunca claro. Porque es peligroso de verdad. Su mujer (Irene Almus, como Susana), es la compañera perfecta. Ella por momento lo sostiene ¿verdad? 

-¿Falta la escena con el matrimonio trotskista? -Nuestro criterio es que no es necesaria en la narración, la elipsis está bien lograda. La escena final es la que no me cierra…

-Es verdad, algún crítico lo sugirió... Para mí coincido no era necesaria. También desde el punto de vista narrativo, porque hoy no se puede preparar elencos muy grandes, chocan con el rendimiento del proyecto. Por la estructura económica, por los gastos, hoy no se superan los cuatros actores. No podemos ser pretensioso. La duración óptima es de una hora. Se podía tener otra referencia: ¿Cuál es el trabajo del personaje Alberto? No se sabe. Son opciones. No se explicita.

-¿Cuál es la magia que despierta por su formato la sala del Centro de la Cooperación? 

-Es una suerte de confort. Hay confort para todo. Todo está facilitado. Tiene un escenario amplísimo. Todos lo pueden ver. La calidad es extraordinaria. Los recursos modernos, la calidad de luces, operador, camarines. Me encanta. El espectador está incluido, colabora en la atención. Con la velocidad que ocurren las cosas, todo cambia. Hay que habituarse. Soy actor porque mi papá me llevaba a ver teatro desde chiquitito. Me daba cuenta de que quería estar ahí arriba. 

-¿Es actor más de teatro o lo seduce el cine?

-No… también me seduce mucho el cine. Acabo de filmar hace 15 días una comedia con “Peter” Lanzani y la “China” Suárez (protagonistas). Una comedia, un policial. Peter tiene un presente bárbaro, y un gran futuro. Es muy profesional. Muy respetuoso. Está Brandoni también. Estoy en una escena con Gérard Depardieu y Santiago Segura (Torrente). El film se llama Sólo se vive una vez (ópera prima de Federico Cueva). Se estrena el año próximo. Sí, ahora soy un actor internacional (risas).

-Giremos a temas políticos del oficio del actor ¿Cuáles son los aspectos salientes de la Ley del Actor (2015), de iniciativa kirchnerista? Se sostiene que protege a 14 mil actores.

-Lo más claro es que se determina que el actor es un trabajador en relación de dependencia. Tiene jubilación, servicio médico, tenemos un 14% de descuento por cargas sociales, como cualquier trabajador. El sector patronal tiene que hacer los aportes sociales correspondientes. El empresario teatral se vio sacudido con esto, y por el tarifazo de los servicios públicos. La Ley del Actor se está gestando desde hace 35 años. También se debería pagar el derecho de imagen. En los estatutos de la Asociación Argentina de Actores, está considerada la repetición sólo. No derecho de imagen. Se creó la SAGAI (Sociedad Argentina de Gestión de Actores Intérpretes).para gestionar el derecho de imagen. Es de actores / bailarines.. “Pepe” Soriano que había estado en España, habló con Néstor Kirchner y se creó la SAGAI para cobrarlo. 

-¿Hasta qué punto el artista debe comprometerse políticamente? Una cosa es participar de una determinada ideología, otra muy distinta, es ser alcahuete y genuflexo de un gobierno y acceder a prebendas…

-Me parece que se debiera difundir como un mensaje armonizador el tema de las ideologías; más allá de los estratos políticos y las influencias familiares, de época, por otro lado es la globalidad. ¿Qué me propone tal corriente ideológica? No soy fanático, soy sentimentalmente pasional. Quiero que mi país tenga soberanía.

-¿Su reflexión del caso Andrea del Boca: imputada por el Fiscal Federico Delgado, por el manejo discrecional de $ 36 millones, de la serie de TV. Mamá Corazón que nunca se estrenó? 

–Yo puedo participar de una ideología pero no soy corrupto. Si aparece corrupción de cualquier lado, que los manden en cana a los que son corruptos. Para eso existe la Justicia. Y te quedás corto con ese número. Si querés hacer una gran novela se necesitan $ 800 mil pesos por capítulo mínimo. 

-¿Qué pasa con las novelas brasileñas y turcas que nos invaden, nos colonizan? ¿Uds. pierden trabajo?

-Como dijo Juan Gil Navarro, la próxima entrega del Martín Fierro vendrá uno de Turquía, de Brasil, etc. Es una desculturalización nacional, regional. Es un proceso que cuentan con cipayos que lo apoyan. Se acabó la televisión de Romay (Alejandro), la de traer a “Pepe” Biondi de Cuba. Lo nacional no interesa. Sale mucho más barato comprar del exterior. Con los enlatados no tienen ART, no hay accidentes laborales, no hay presión de sindicatos, etc. Hay un gran retroceso por el interés cultural nacional. No me identifico con la novela Moisés (Y los 10 Mandamientos). Está bien hecha. Es como ver un largometraje, una película. Me gustaría ver personajes que me representen, de la cultura nacional. 

-¿Su futuro profesional como lo vislumbra? ¿Volvería a la docencia?

-No, no, no. La docencia la doy por etapa concluida. Jamás perdí mi hábito docente, ni mi conducta docente, pero no volvería. Hoy me siento más libre. Seguría formándome de actor, el aprendizaje es permanente. Quisiera viajar al exterior para ver otros enfoques. Profundizar la labor creativa. Tengo en ciernes reponer una obra mía: Silencio en la Noche (2002, il piacere di morire).

-Alberto, se puede aceptar (como Ud. sostiene, ser un artista “sentimentalmente pasional”, “Nac. & Pop”) -no dogmático, eso es bueno -pero lo imperdonable, es su pertenencia como hincha del club San Lorenzo de Almagro. ¡Es incorregible! (risas).

-(Risas) Bueno…es como el apellido de mi familia ser hincha de San Lorenzo, Soy tercera generación, mis hijas son la cuarta, en un club que tiene 108 años. Me gusta la actual gestión. Yo podría aportar ideas, pero no con responsabilidades del día a día. Fui preparador físico de un equipo de fútbol eso ya lo viví. Ahora, estoy muy contento con haber filmado con Gérard Depardieu. Y lo hice hincha de San Lorenzo. 

Castellani se entusiasma al hablar de Vacas Sagradas, su último trabajo sobre tablas. A nivel global, sostiene el concepto de Interrupción cultural y el desinterés por lo nacional.

  Texto /Fotos: Gustavo Contarelli Especial para Tribuna de Periodistas.

Agradecimiento: Prensa y RR.PP. Alfredo Monserrat www.alfredomonserrat.com.ar

 
Gustavo Contarelli

Puntaje de la película: 3 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Carlos Echevarría2 Tribunas

Puntaje actor de reparto: Roberto Carnaghi5 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas:mala /pésima