Ficha Técnica / Artística:

Título  original: Doble Filo. / El final está en tus nanos.

Dramaturgia: Nicolás Arizcuren – Dirección  / Puesta en Escena: Nicolás Yannicelli – Género: Comedia Dramática –Idea Original: Lucas Rivas.

Reparto: Lucas Rivas (Ramiro),Nicolás Figueroa (Lucio),Mumy de los Ríos (Valentina), Antonella Lagamba (Violeta), Francisco Romero (Santiago).

Producción General: NY Producciones – Fotografía: Mumy de los Ríos.

Diseño Gráfico: KI Diseños– E-mail: doblefilolaobra@gmail.com

Sala: Teatro Buenos Aires, Rodríguez Peña 411 Esq. Av. Corrientes / CABA.  Link:  https://www.plateanet.com/Obras/doble-filo

Día y horario: domingos 20.30 Hs.  / Costo localidades: $ 250.-

País: Argentina – Año: 2016 – Duración: 60 min.

El escritor Nicolás Arizcuren con una prosa llana y transgresora, nos sumerge en una comedia donde el trastorno mental explota como excusa narrativa. Cuando la historia cierra, el hallazgo quintaesencial del rendezvous: la vida o la muerte pende del voluntarismo del espectador. ¿Vivir o morir? / ¿Ser o no Ser?... Como “Hamlet”, es una cuestión shakesperiana.

Argumento: Ramiro (Lucas Rivas), solicita la ayuda de su hermano Santiago (Francisco Romero), para reunir a sus amigos y celebrar la fiesta de cumpleaños de Ramiro. Acuden al llamado: Valentina (Mumy de los Ríos),  Violeta (Antonella Lagamba) y Lucio (Nicolás Figueroa). Toda reunión es un pretexto que legitima recuerdos y nostalgias de los convocados al confite. No obstante, Ramiro —que porta en su mochila un marcado déficit neurológico— pasará factura de historias pasadas que aún no cicatrizan. Una trama sin escapatoria, donde el pasado se juega y legitima en el presente.

La comedia y su dramaturgia atesoran sus reales en progreso. De andar esquivo y anodino en la introducción, al relato comprometido de una axiología universal: la decisión de vida o muerte sobre el delito o crimen. Hay una liturgia del tiempo pasado y el presente. El presente licúa el espacio-tiempo y la justicia /y el justiciero se condensan. Un plan narrativo que reúne a cinco amigos asociados por un secreto común, corporizado en el acto final.

En el guión, “los tiempos muertos” como una forma narrativa visual. Ayuda a romper convencionalismos de lo establecido. Los parlamentos son ácidos y tensos, requieren de estrategias de lenguaje que acompañe a esos instantes. Un recurso que nuclea la estética de la obra es la catáfora. Hay varias frases que instalan el discurso y la idea: “Han tomado el vino de la redención”-¡exclama  Ramiro!

Es el brindis que salva o condena. La bebida, la poción mágica que da vida o la extingue. El concepto del brindis, el encuentro de amigos y el destino que se gesta en cada trago. Esos pensamientos, lo obsequia el dramaturgo y tiende un puente retórico al público para conceptualizar.

Hay otra cita o guiño de autor que el escritor de la obra (Arizcuren) desliza. El agudo observador, hará un plano corto al cuchillo que varios integrantes del elenco lo toman en sus manos, para cortar la torta de cumpleaños. Es un ritual que antecede a la oscuridad. Conjuga romanticismo y tragedia.

El final de la pieza aumenta la ponderación de la crítica de correcta a buena. El talento de la puesta del “Régisseur” Nicolás Yannicelli, para alimentar un texto asimétrico con idas y vueltas. Una inteligente y empática iluminación  pone dramatismo a lo jugado sobre tablas.  Doble Filo, concluye en dilema que atraviesa eticistas y opinión pública. No es poco.

Gustavo Contarelli

Puntaje de la obra de teatro: 3 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Lucas Rivas (Ramiro) 4 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas:mala /pésima

Ficha Técnica / Artística:

Título original: Las Toreras.

Día y horario: Domingos 21 Hs. / Costo localidades: $ 150.-

Prensa y RR.PP.: Alfredo Monserrat / www.alfredomonserrat.com.ar

País: Argentina – Año: 2016 – Duración: 60 min.

La “Comedia en Vivo” (Stand-Up Comedy: “Comedia de Pie”) es un género literario teatral de franco crecimiento en Argentina. Asume un discurso reflexivo sobre temas cotidianos, con picaresca que desata risas y carcajadas de un público complaciente. Una dialéctica del monólogo, que encontró su lugar para quedarse en la mítica Calle Corrientes.

Con texto y dirección de Victoria Aragón (actriz y escritora /La Protagonista, 2012), en la segunda temporada, como propuesta fresca de prosa llana, para degustar histrionismo, repentización y dramaturgia sobre tópicos posmodernos. En un mix de comedia musical, monólogo /unipersonal (performances breves), atravesados por la lírica del violoncelista Miguel Ángel Gomiz, como objeto de culto asumido por las protagonistas: Victoria Aragón, María Eugenia Maldonado y Ana Livingston; con broche de oro de la Artista Invitada,Gogó Rojo.

Argumento: En un sólo montaje, el cabaret de las mujeres que muestran sus más íntimos deseos y aspiraciones, donde el melodrama apuntala a cada intervención, y hacen mutis por el foro. “Teatro Off”, “Indie”, que condensa la palabra de la autora al tiempo que la platea resignifica los monólogos de las actrices. El guión arropado con verba picaresca y sátira de lo establecido: frases que cristalizan nuestros oídos: “No te arrugues”, en alusión a las líneas del rostro y el paso del tiempo. –¿Por qué no te arrugues…? Catáfora transgresora posmoderna si las hay.Respuesta:–“Porque somos unas Reinas” (SIC). Los rostros desencajados, con rictus cuasi demenciales, hacen brillar la sala John Lennon del Paseo La Plaza.

Primer acto: una docente (Aragón) nos advierte del arte que vamos a presenciar. Tópicos como: la sexualidad, el amor, el romanticismo, a las tablas, a las harinas blancas y negras. Segundo acto: un ama de casa muy peculiar (María Eugenia Maldonado), con su escoba como micrófono, narra los quehaceres cotidianos erotizando todo a su paso. “Sexualiza” golosinas, meneando su cintura voluptuosa. Su oda o “soliloquio al chocolate” es memorable. Tercer acto: una novia y su vestido blanco tradicional, describe a su amor y el futuro de la relación. Conclusión: La actriz / estrella invitada Gogó Rojo, narra parte de su historia y su presente, junto a un desnudo inteligente y cuidado, al son de un rap de protesta a su medida.

La pieza es atravesada por las manos, el instrumento, las caras (mueca-poder gestual) del violoncelista Miguel Ángel Gomiz. El músico, como fetiche / parafilia de las cuatro mujeres desopilantes. Aporta el melodrama con partituras en vivo, un pícaro cellista que se las trae. No obstante, esta crítica, señala la carencia de este simpático personaje en el espacio escénico: se subestima el poder de repentización, la chispa histriónica de Gomiz. Más letra a su rol, haría indagar a otro nivel la Comedia en Vivo. Lo reduce a un fetichismo gestual casi sin palabra, al no explotar toda su potencial.

Gogó Rojo y su corolario: las causas y consecuencias de una exitosa carrera como artista y su vida como sujeto histórico; una mujer ciudadana del mundo. Sus viajes y el crecimiento personal. Redoble la apuesta una Gogó sin fin: “El periodismo de acá del diablo, no me da bola, no me quieren. No me dan bola porque no estoy en la joda”. Como vemos, no estamos solos en la gesta contra el periodismo infoentretenedor, mediopelo y autoreferencial. No es poco.

 
  Gustavo Contarelli

Puntaje de la obra de teatro: 4 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Victoria Aragón 5Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas:mala /pésima

Ficha Técnica:

Título para Latinoamérica: Sully: Hazaña en el Hudson.

Título original: Sully.

Puntaje de la película: 4 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Tom Hanks 5Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas:mala /pésima

Cuando el periodista llega a la cita, ella ya estaba esperando en un coqueto bar de Rodríguez Peña y Juncal, Recoleta. El cronista de Tribuna de Periodistassaluda: ¡Buenas tardes! ¿Gladys del Valle Rojo…Gogó? Al escuchar su apelativo sonríe. Nacida en Santiago del Estero, una mujer de temperamento y palabra, de múltiples profesiones (sumo: presentadora – showgirl– en España, pintora en seda natural). Creció en el seno de una familia patricia: su padre un reconocido sastre que vistió a gobernadores y políticos; su madre una modista, talento que heredaría después. Su filmografía es extensa en Europa. Ahora, una productora independiente hará un documental de las “Hermanas Rojo”. Gogó, la hermana menor de Ethel, de estirpe, buen gusto y glamour - la ex vedette del Maipo (el clásico vaudeville de Bs. As) - habló con su prosa llana, reflexiva, y su colorido acento norteño que le confiere una fisonomía propia y distintiva:

- ¿Gogó, Ud. es más conocida en España que en Argentina?

- Supongo que sí, aunque últimamente la experiencia me dice lo contrario. No sé si es la personalidad argentina o sudamericana o el trabajo. Me fui a España, vine, trabajé en el Maipo, me fui y volví a trabajar. Hace 10 años que renuevo artísticamente. Llegué a trabajar en la “Revista Porteña” con Nélida Roca cuando era corista, al empezar mi carrera. También conocí al marido de Nélida Lobato que era coreógrafo. Con José Marrone trabajé cuando me despedía del teatro. Recuerdo que me tocó la cola, y lo mandé a la “re-put…” Me suspendieron sin goce de sueldo, porque él era la estrella. Luego le hablé como si nada había pasado.

- (Carcajadas) Era un poquito mano larga “Pepitito” Marrone.

- Trabajé con casi todos. Llegué a conocer a Dringue Farías, en el “Maipo Superstar” (1972 / junto a Jorge Porcel, Juan Carlos Calabró, Ethel Rojo y Osvaldo Pacheco), donde me hice famosa con mi hermana pintadas de dorado.

- ¿Qué le dejó el haber laborado con los grandes capocómicos nacionales? La mayoría tenía formación en artes circenses. (El “Circo Criollo”, fue escuela y leyendas de artistas).

- La revista es muy parecida al circo. El circo como la revista, tiene que estar preparada para inventar, para arreglar las cosas si algo no sale bien; te da una experiencia una soltada increíble, que la gente de cine y televisión no tiene. Trabajar en revista te da esa cosa del público ahí sentado, hay otra motivación. El teatro clásico es más riguroso, no te da para inventar, te tienen que dar el pie, en revista no es tan rigurosa es más espontánea. El circo debe ser parecido.

- ¿Puede conceptualizar las diferencias del teatro de revistas del ayer con el actual? (¿Hoy son muy posmodernos?).

- Todo ha cambiado... todo ha cambiado; ha cambiado la humanidad, hemos evolucionado, antes era autogestión. Antes ir al teatro era una gran salida. Se vestían divinos, luego iban a cenar, la familia, el matrimonio. Había un ritual en la salida. El público nos mantenía. Hoy vas al teatro y ves gente con zapatilla, short, ojotas, vestido para la “mierd...” ellas / ellos. Todos los valores han cambiado. Hay celulares - que antes no había -, pero hay otras cosas que es basura. La estética te da distinción, seriedad. Es medio antiguo, ¡sabes! Lo clásico no pasa de moda.

- ¿Las hermanas Ethel y Gogó Rojo, impusieron tendencia en los ’70 caminando las tablas del espacio escénico pintadas de dorado?

- Las “Gogó Girls” (risas). Escúchame, me llamo Gogó. ¿Por qué? Cuando era chiquita (de bebé), mi hermana se resbaló y caí al suelo, en la alfombra. Estuve en observación hasta los 4 años porque no hablaba nada. Y todo lo que veía decía: “gogó...gogó...gogó”. Gladys, no sé de dónde lo sacó mi mamá. Gladys del Valle, porque nací el 7 de diciembre, casi el 8, por la Virgen del Valle. Si me llaman Gladys, yo no me doy vuelta, me parece una cursilería, no me sienta bien ese nombre. No me siento Gladys. ¡Yo me siento Gogó! Mi hermana Ethel, Ethel Inés, por Santa Inés. En cuanto a la idea de pintarnos fue de Ethel. Salir pintada por la película de James Bond /con Sean Connery / había una negra que salía de una piscina vestida de oro. Era buena idea, porque “Maipo Superstar”, era después de Nélida Lobato que venía de París. Y ella se sacaba plumas, piedras, todo. Nos fuimos a EE.UU. y Ethel propuso pintarnos de dorado con unas cremas de laboratorio. Se hizo muchas pruebas. Llegamos a una maravillosa, se nos veía oscura.

- ¿Cómo llegó a ser vedette?

- Hay una jerarquía. El inicio es como el soldado raso, si quieres hacer carrera. Empecé con 13 años en el “Teatro Maipo”, muy precoz. Bailando Rock and roll. Era un grupo de atracción en época de Elvis Presley. Éramos todos menores de edad. En ese grupo estaba “Pepe” Parada. Había 5 parejas de baile. Me llevaba bien con todos, ahora estoy algo chinchuda (risas).Mi hermana siempre era la linda, la reina de todo; a mi papá mucho no le gustaba que fuera artista, a mi mamá sí.

- Carlos Rodari (un referente del periodismo), acuñó aquello de enfrentar al entrevistado ante un espejo. Indagando sobre el reflejo: ¿qué ve; cómo se ve; cómo la ven? ¿Gogó, qué observa en su espejo?

- ¡Ah!, para subir la autoestima. Estoy jodida conmigo en ese aspecto. Tengo un ego muy débil, las veces que he leído para engrosar la autoestima. Para ver las cosas lindas que veo. Una vez lo hice cuando me vi fea en el espejo. Nunca me gustó mi rostro. Mi cuerpo es lo que me gusta, Sólo ahora tomo conciencia del cuerpo que tengo. Igual que mi hermana, de proporciones únicas. Mido: 1,65 y peso: 59 /60 Kg.

- ¡Tiene buen Índice de Masa Corporal! (IMC: 22) Muy saludable.

- Las proporciones son únicas: de la rodilla al tobillo, el busto, del busto a la cadera, de la cadera a la rodilla, Piernas interminables. Las proporciones muy buenas. Ahora estoy jodida, tengo “juanetes” como mi mamá.

- Me fijé en sus piernas - durante la obra de teatro - y no se nota el Hállux Abductus Valgus (“Juanetes” / Risas).

- Suena bien en griego (risas). Fíjate sin los zapatos (me muestra sus pies). Los años son horribles. Los tengo por mi mamá. Desde los 13 años uso tacos altos. Es normal que tenga juanetes. También una escoliosis. No confío en los médicos. ¡Tengo mis experiencias! Los años son terribles. Fui a 4 neurólogos. Cada 6 meses me hago controles por mi enfermedad (Linfoma de Hodgkin). Yo tomé conciencia de la enfermedad.

- ¿Mira televisión? ¿Qué le parecen los contenidos? Hasta Gérard Depardieu, se pronunció: “La televisión argentina es la peor que vi en mi vida: no es televisión, es pornografía".

- Es de muy mala calidad.Mirá lo que es la televisión, las mujeres son divinas por muy poquito tiempo. No me interesa hablar de mí en ese medio. Aquí lo que veo es “Animal Planet”, “Discovery”, algún programa de la BBC de Londres, noticieros. Tenía mascotas: perritos, pajaritos, en Santiago de niña. Era “bichera”. Me dan ternura. Era de capital de Santiago del Estero, pero iba a zona rural con la cocinera y al mercado. Mi perro se llamó “Francelino”, me dieron mucho amor los animales. Me agradan las Termas de Santiago. Me gustan los climas tropicales. No, el calor con humedad como acá.

-Su reflexión sobre la moda en Argentina de los artistas-militantes dogmáticos /genuflexos a una ideología política, Ej.: El Kirchnerismo. ¿Les cree? Antes no tenían militancia, y por el mito de la generación espontánea “ven la luz”.

- Es terrible como se meten en política. Ya te lo digo: Soy de la opinión que los artistas jamás deben meterse en política. Tienen un poder de comunicación que no lo tiene la gente, entonces, hacemos lo que queremos, si lo proponemos. Soy apolítica como buena artista. Tuve un marido que era político. Para casarse conmigo tuvo que dejar de ser senador. Era íntimo del Presidente. Y fue a nuestra boda, y todos los políticos haciendo reuniones, hasta que me cansé. Son muy chusmas los políticos. Me niego a gente así. Son cuadrados. En todos los aspectos. Quien es así en política, (dogmático) es así en otras cosas.

- Algo fuera de mi línea, dirá. Jamás indago sobre la vida privada. Pero como lo hizo público, y puede ayudar a otros el socializar su experiencia: ¿Cómo venció al Linfoma de Hodgkin?

- No hay problema. Estuve un año y medio hasta que me dijeron tenía cáncer. Me salió un ganglio inflamado en la ingle. Cuando mi médico de cabecera me revisó, me dijo que no tenía nada. Me hicieron de todo. No veían nada. Cuando veo a un hematólogo, me manda urgente e hicieron una resonancia o tomografía. ¡Quiero urgente una tomografía! – Dijo el especialista - (fue hace 6 / 7 años) Pierdo la noción del tiempo. Me fui a una confitería y fumaba mucho. Las lecturas, los libros, la búsqueda del saber me ayudó mucho.

- Gogó, es muy estudiosa. Siempre haciendo cursos / seminarios. Pero estudiar una pseudociencia como la Programación Neurolingüística (PNL), es “Macaneo Posmoderno” (Mario Bunge Dixit).

- ¡Macaneo las pelotas!... Porque funciona (Risas).

- (Carcajadas) ¿Vamos a pelearnos ahora entonces…?

- No vamos a pelearnos nada. Porque funciona. Todo funciona según la cabeza. Lo que no estudié antes de chica lo hice luego. Estudie lo que me gustaba a mí. Comencé en Brasil. Tenía dinero. Me rascaba las pelotas. Era ama de casa. Siempre estuve buscando un lugar donde aprender cosas. Buscar la trascendencia. Hice 3^er grado de Reiki, con una profesora suiza. Desde jovencita estaba en la búsqueda. Estas cosas de espiritualidad, funcionan si estás en el medio. Si sos “canal”, funciona. Sino es difícil. También estudié Cábala. La PNL copia con otras palabras o diálogos de lo antiguo. Siempre buscando lugares de espiritualidad. Lo hice para mí, para mi crecimiento personal. También hice coaching. Sigo a un autor: Paul Brunton, un inglés, y su libro “La Búsqueda” (“La Búsqueda del Yo Superior”, 1937”), lo compré 3 veces, en tres idiomas. Un filósofo. Me encantaba como escribía.

- Repaso su carrera y observo a una mujer de carácter y valores. En una entrevista radial con Alfredo Monserrat Ud. expresó: “Jamás me robaron un beso”. ¿Puede aclarar ese concepto?

- Nadie me robó un beso. Es que nadie me robó un beso. Así tal cual. Agarrarme desprevenida nunca, porque lo agarré a trompadas. No, no, no llegan nunca. Hoy, me dura un poquito el ego, pero me dura. Que me reconozcan luego de tantos años, me da mucha alegría.

- Hay un pensamiento suyo, resumido en una frase (Catáfora) que está en el espectáculo teatral “Las Toreras”; me impactó con agrado. Pone al periodismo posmoderno, del info-entretenimiento “berreta” en su lugar:“El periodismo del diablo no me da bola, porque no estoy en la joda”

(Ver:http://periodicotribuna.com.ar/17682-las-toreras.html)

- Me desnudé en el Paseo La Plaza con rabia, para que sepan que estoy bien todavía, y me llamen. Yo pongo la carne al asador, antes de entregar mi alma al diablo de los periodistas. Yo no hago quilombos; no cuento mentiras en la TV.; no estoy en las mafias; no estoy en la joda; no tomo cafecito con nadie, por eso yo no trabajo. Es un problema desgraciado. No tengo amigos en el ambiente.Hay muchos egos, mucha hipocresía. Tengo muchos compañeros no amigos. Mi hermana se me fue y estoy sola. Teníamos una gran relación.

- Ud. participó en nuestro país junto a Ethel, de dos films de culto para los diletantes del Alberto Olmedo y Jorge Porcel: “Hay que romper la Rutina” (1974) y “Maridos en Vacaciones” (1975). Son como “El Chavo del 8”, pasan los años y la gente los sigue viendo ¿Cuál es la magia? Historias simples, naif, que marcaron una época.

- Alberto (Olmedo) y (Jorge) Porcel se la pasaban corriéndonos. Eran un poco de todo,ganadores y perdedores, Las películas son muy malas. Es un tipo de público que esperaba eso. Hoy, me paran en la calle, y me dicen: ¡mi papá y mi mamá se vuelven locos por Ud.! Porque los padres hablaron a los hijos, me reconocen por ellos. Hace poco una mujer me reconoció en un taxi y me regaló un ramo de flores. Era una fan mía. Ahora nos vamos a reunir a charlar con un café de por medio. Es muy hermoso que te recuerden…

- Gogó, ¡gracias por la nostalgia y por tantos recuerdos de la rica historia del arte escénico nacional! Sólo por eso, la exonero de difundir el macaneo de la Programación Neurolingüística (Risas)

- (Risas). ¿Por qué tanto con la PNL? Tiene tanto de intuición, de la sensibilidad. Nada que ver con los horóscopos, ni con esas porquerías. Yo estudié otra cosa. Uno se contamina. Ej.: Los Lamas están en su medio, pero cuando salen de su medio, se contaminan. Dejan de ser lo que son. Con respecto a Olmedo, era un amor, atento, dulce. Hacía pareja con Ethel.En cambio Porcel, no tengo buenos recuerdos. Siempre me lo ponían a mí de pareja. No sé cómo Alberto lo bancaba. Ninguna energía jodida como el gordo. Seguro le interesaba comercialmente. De Javier Portales, era un divino, sólo trabajé en una película con él. Un tipo bárbaro. De buen humor. Muy amigo de Olmedo. Hoy la gente, mira televisión, sabe del celular, pero conocen poco de la historia. Lo que me sorprende - porque vos sos un caso aparte – la gente del teatro under, sienten una admiración conmigo como persona y artista que me reconforta. 

  Texto /Fotos: Gustavo Contarelli

  Especial para Tribuna de Periodistas

Agradecimientos:

- Prensa y RR.PP.Alfredo Monserrat www.alfredomonserrat.com

- Valence Cafetería /Helados. R. Peña Esq. Juncal, Recoleta.

   Gustavo Contarelli 

Puntaje de la película: 4 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Flavia Atencio 4 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas:mala /pésima

Ficha Técnica:

Título para Latinoamérica: Sing ¡Ven y Canta!

Título  original: Sing.

Dirección: Christophe Lourdelet, Garth Jennings – Guión: Garth Jennings. 

Género: Animación, Comedia, Musical – Apta para todo público. 

Reparto / Voces original: Matthew McConaughey (Buster Moon, el koala “teatrista” / protagónico), Reese Witherspoon (Rosita, la cerda), Scarlett Johansson (Ash, una puercoespín), Seth Macfarlane (Mike, el ratón que canta jazz) ,  John C. Reilly (Eddie, una oveja, el mejor amigo de Buster).

Audio Latino: Leonardo Sbaraglia (Mike), María Eugenia Suárez (Meena, una elefanta que sufre de pánico escénico), Benny Ibarra, (Buster Moon).

Productor: Garth Jennings, Chris Meledandri, Janet Healy.

Productora: Illumination Entertainment.

Montaje: Gregory Perler– Distribuidora: Universal Pictures.

Música: Leslie Mann – País: EE.UU. 

Año producción: 2016 – Duración: 108 min. Estreno: 05/01/ 2017. 

El cine de animación es un género de arte audiovisual. Produce la sensación ocular de movimiento que, en realidad no existe en el mundo real. La idea de recrear la ilusión del movimiento es más antigua que el cine tradicional, con actores humanos. Hoy, los largometrajes de animación han dado un salto evolutivo en calidad superando incluso algunos movimientos del cine universal. En esa línea de desarrollo conceptual, se inscribe Sing ¡Ven y Canta! Christophe Lourdelet y su ladero Garth Jennings, así lo entendieron al dar vida a una historia entretenida y en progreso; llena de candor y con enseñanza moral. Son los valores a transmitir. Un hallazgo. 

Argumento: Situada en un mundo como el nuestro, pero habitada por animales con todos los sentimientos humanos, Sing, es una historia coral pero no convencional, ya que hay un protagónico bien definido y superador: Buster Moon. Un koala “teatrista” –bueno para nada– regenteando una sala que fuera en el pasado orgullo de su padre. El presente de su negocio es el fracaso inexorable. Para remontar su empresa artística, gestiona un concurso de canto  el más grande del mundo. Su objetivo es atraer a una multitud de animales que busquen convertirse en estrellas. Y como se sabe,  ¡Quien canta sus males espanta!

Buster es un eterno optimista.  Ama el arte escénico, el mundo de las tablas. Hará hasta lo imposible para conservar la herencia artística. Es un metraje para  todas las edades; sin hipocresías, son los grandes quienes disfrutan más o al menos a la par de los “bajitos”. Se estrenó el 21 de diciembre de 2016 en Estados Unidos. En su primera semana ha recaudado 59 millones de dólares en todo el mundo. Con todo, es una fuente extra de financiamiento de actores muy apreciada en Norteamérica y resto  del mundo.

Los puntos fuertes de la puesta cinematográfica: el sólido desarrollo de la comedia animada; los momentos del melodrama como guiño a las grandes comedias musicales de Hollywood de los ’50 y ’60. Una apuesta como sólo  ellos saben hacer y recrear. La película fue desarrollada y producida por “Illumination Entertainment”  (los realizadores de Gru, mi villano favorito, 2010 /  y Los Minions, 2015 – productos más comerciales y domésticos asociados a góndolas de supermercados). De la mano de los estudios Universal Pictures, es su séptima cinta, y el primer musical. Sin dudas de la experimentación se aprende. Los deméritos del film: historias secundarias que no cierran; ausencia de elipsis; clisés que enmascaran carencias narrativas. 

El Casting / Las Audiciones. Son personajes con sueños y ambiciones que desean cambiar sus vidas; haciendo algo que trascienda sus historias. Pero sobre todo, mostrarse a sí mismos, que son capaces de progreso. No son losers, sino winners. En ese contexto se inscriben las frases cristalizadas de diálogos que se repiten. El guión es  anafórico: “Sin miedo, vamos a subir al escenario…” / “No dejes que el miedo, te impida hacer lo que amas” / ¿Sabes qué es lo mejor de tocar fondo?, que sólo puedes hacer una cosa… ¡Subir!”. Los diálogos están sembrados de citas a otras creaciones  Ej.: Los Minions,  canciones clásicas románticas, jazz, rock y mucho más. Todo un logro del arte animado. 

Completan los personajes: Rosita, una cerda con sueños de artista criando a sus 25 hijos;  Mike, un ratón de buenos modales,  canta jazz como Frank Sinatra; Meena, una elefante adolescente, tímida con una sublime voz, pero con pánico escénico; Eddie, la oveja, el mejor amigo de Buster;  Johnny, un joven gorila, hijo de un jefe criminal que desespera por salir de la mala senda; Ash, una puercoespín que trata de iniciar su propia carrera, etc. Lo fundante en la trama, es el uso vehiculizador de la partitura musical empática de Leslie Mann. Sin ella, sería un film animado más.  Es una comedia musical, un melodrama de autor con metáfora y valores. Es la superación del individuo y de su empresa. Se aprecian covers de más de  65 artistas; desde Sinatra, The Beatles, Katy Perry, Kanye West, y la lista continúa…

Final de la Historia. Un majestuoso Rendezvous: El lugar de encuentro entre el autor, la animación y el público.  Mike – el ratoncito –  metiéndose con los gánsteres, y a contra plano,  fascina a la platea adulta e infante con su voz atemporal. Un clásico del romanticismo universal: “A mi Manera” (My Way) como Frank Sinatra, “La Voz”. ¿Se puede pedir algo más?

Mike,  el ratón que canta “A mi Manera” como Frank Sinatra. Nos regala un glorioso Rendezvous que moviliza las emociones íntimas del público. Para ponerse de pie y aplaudir: ¡Bravo, otra maestro Frankie!

                                                                                                Gustavo Contarelli

Puntaje de la película: 4 Tribunas 

Puntaje actor protagónico: Género Animación. 

Referencias: 

5 Tribunas: excelente /imperdible

4 Tribunas: muy buena

3 Tribunas: correcta / buena

2 Tribunas: regular

1 Tribunas: mala /pésima

Gustavo Contarelli

Puntaje de la obra de teatro: 4 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Miguel Jordán 5 Tribunas ¡Imponente!

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas:mala /pésima

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Miguel Jordán: Actor, autor y director de cine, teatro y televisión. Dialogar con él, es entrar al vórtice del túnel del tiempo. La imaginación recrea, y cobran vida los grandes nombres y personajes de la escena nacional. El Radioteatro de Buenos Aires lo acunó, y ufanado por esos recuerdos, explora el presente y el pasado del oficio de la actuación. Un actor todoterreno con ADN teatral. Supo despuntar el sabor del arte, merced a su abuelo que lo llevaba al teatro desde infante. Se formó profesionalmente con Agustín Alezzo, Humberto Serrano y Heddy Crilla, quien fue su primera maestra: “una maravillosa austríaca. Está siempre en el recuerdo”, rememora un Jordán emocionado. Su frondoso curriculum vitae, intimida por extensión y se acrecienta a su paso. Un referente obligado a la hora de repensar y ordenar la historia del espectáculo argentino.

Antes de entrar a escena – con la generosidad y buen semblante que lo caracteriza – dialogó con Tribuna de Periodistas:

-¿En qué formato se siente más cómodo o realizado: cine, teatro, TV? ¿Y la idea de capacitar en Radioteatro? La palabra como fundamento de la expresión actoral.

-Yo amo el teatro, es el aquí y ahora. Una vez que se prenden las luces, se corre el telón, está ahí el soberano que es el público, nos hace dar lo mejor de nosotros. Todas las artes son muy buenas; empecé en radioteatro, hice cine, teatro y televisión. He recibido premios en mi trayectoria: “El Estrella de Mar,” con “La Nona” (2015), una obra de Roberto “Tito” Cossa. Soy hombre de teatro. Realicé un curso de capacitación de Iniciación al Radioteatro en la SAGAI. Hicimos dos radioteatros importantes, con textos de Mariano Fernández. En las películas animadas, hay una fuente de trabajo. Yo empecé en el cine, y el sonido se doblaba, no era directo. Lo que uno consigue a través de la palabra en el Radioteatro, es aprender a matizar, a decir. Con la radio, la gente imagina en colores, había que aprender a dramatizar claramente. Trabajé con Eduardo Rudy, con Susy Kent. Mi maestro maravilloso fue Alberto Migré.

-¿En aquellos tiempos heroicos / dorados del espectáculo argentino, los protagonistas eran conscientes de la historia que estaban forjando?

-Si, por supuesto. Trabajé al lado de las primeras figuras más importantes que tuvo la escena nacional. No podría mencionar a todas. Los primeros actores, actrices, las vedettes más importantes del teatro. Estuve al lado de Dringue Farías, un ser maravilloso, un señor del cual aprendí mucho. Con Ethel y Gogó Rojo, en tiempo que Ethel fue empresaria del Astros. También con Nélida Lobato, Jorge Porcel, Alberto Olmedo, Tristán, Mario Sánchez. Me nutrí al lado de esa gente. Me formé con esa maravillosa carrera del actor. Siempre uno está bregando que vuelva el Radioteatro. EJ: una modista, un sereno, escuchan la radio. Es un método importante de difusión y cultura.

-¿El buen actor que se precie de tal, debe pasar por todos los géneros del arte escénico?

-Un actor debe ser completo.A lo largo de mi carrera, hice revista, drama, comedia. Y lo bueno es que no te encasillen. Ver, elegir, saber. En esta obra: “Orquesta de Señoritas”,es un desafío total, hacer de una señorita. Es el destino de cada uno. El 2 de julio, ¡cumplo 60 años en esta maravillosa profesión de actuar! Empecé en radio y teatro en 1957. Mi primera obra de teatro: “La Señora Ministra”, de Zaldívar. Con la maravillosa Gloria Guzmán, Beatriz Taibo, y grandes figuras. Paulina Singerman, me enseño desde muy jovencito, los tips de la comedia.

-¿Sufrió presiones, intimidaciones durante la última dictadura militar?

-Si. Teníamos que trabajar sí o sí durante la Guerra de las Malvinas. La gente no entraba al teatro en esa época. Éramos más personas en el escenario que en la platea. A todo el elenco nos presionaron. Hasta en los camarines. Hacíamos una revista, un espectáculo de revista. Era una manera de espiar, como si acá no pasaba nada. Así querían que aparenten los militares, que aquí estaba todo bien.

-Su personaje de Patricia (una violinista) en Orquesta de Señoritas, ¿qué cree que le aporta al grupo de compañeras “losers” que están siempre detrás de algún paraíso perdido?

-Cada artista aporta desde algún lugar algo. En esta historia cada uno tiene una psicología diferente, y transmite un texto bello de Anouilh. El texto te lleva a ese núcleo, a esa personalidad. Se ha respetado, es una adaptación del original. Cada uno hizo aportes correspondientes desde la actuación.

-¿Ve en la estética de esa orquesta tan peculiar, algún punto de conexión con el sainete criollo de Vacarezza? Por el pesimismo de los parlamentos, no deja lugar a la esperanza, el fracaso es inevitable.

-No hay que compararla con el sainete criollo. Es una tragicomedia, debe tener un atisbo; obvio, es con la esencia de Anouilh, excelente obra, un grupo de actores con trayectorias. Es una cooperativa de trabajo. Estamos en este teatro Buenos Aires. Empezó la cooperativa, en abril del 2016. Una gestión de Jorge Paccini y Norberto Gonzalo. Cada uno hizo su aporte económico.

-Su colega Alfredo Castellani, expuso una tesis más que interesante: “Aquí en Argentina, hubo una interrupción cultural” / al preguntarle por qué las nuevas generaciones no conocen a los grandes del espectáculo nacional: Florencio Parravicini, Dringue Farías, Luis Sandrini, etc. No hay tradición de rescatar esos trabajos y aggiornarlos.

-Muchos actores jóvenes no conocen esa tradición. Es una cuestión de formaciónde cada uno. Esta respuesta me gustaría obviarla. Es de cada uno. Cada uno sabe cómo se encamina en esta profesión.

-¿Por qué no salen aquellos profesionales de las tablas en cantidad y calidad hoy? Pienso en los programas humorísticos de los ‘60 /‘70 /‘80. Hoy no existen aquellos ciclos; todo es autorreferencial, infoentretenimiento “berreta”.

-No hay, no hay...es verdad. Hay películas que las pasan en muchos canales. Hice 14 años “Teatro como en el Teatro”. Sobre eso, está rescatando algo el canal “Volver”. Tuve la dicha de haber trabajado con todo el mundo. Lamentablemente, estamos importando demasiadas tiras turcas, rusas, chinas, de todas partes, y hay poca ficción nuestra. A eso hay que darle valor, exclusivamente a eso.

-Siguiendo con ese postulado, mi teoría de la formación en artes circenses: desde la tradición de los Hermanos Podestá, hasta el inolvidable “Negro” Olmedo, todos estaban atravesados por esa capacitación tan sui géneris.

-El “Teatro Argentino”, empezó a raíz de los circos que se iban desgastando, empezaban a crear la segunda parte. Las segundas partes, fueron obras de teatro. De ahí Olida Bozán, Luis Sandrini. Los Podestá generaron todo esto. El circo te otorga distintas disciplinas del saber.

-En Argentina, tenemos el caso de los “Artistas Militantes”, que antes eran silenciosos, hasta sumisos, y un día “ven la luz kirchnerista de la salvación terrenal”. Para este periodista, son alcahuetes, genuflexos, buenos para nada. ¿Les cree?

-Yo creo que todos los actores, desde algún lugar, tienen un pensamiento, una ideología o militancia. Pero no se lleva al teatro. Vos representás un texto, no vas a discutir un tema político, cuando estás concentrado en una obra, ni hablar de Boca, River, Racing, Independiente. Cada uno tiene su ideología, y eso vale.

-¿Ve cine? ¿Documentales Argentinos? La moda del Movimiento de Documentalistas (liderados por Miguel Mirra y su pandilla), que echan la culpa de todos los males de la humanidad al capitalismo, a la ciencia y la tecnología. Ven a la ciencia como un disciplinador del capital que los oprime. Son amantes de la “posverdad” anticiencia.

-Si, mucho. Veo muchas cosas. Vivo en la esquina del cine INCAA (cine Gaumont). Realmente, durante toda mi vida, traté de valorizar y ver lo positivo. Desde donde sea. Hice autores nacionales y extranjeros. Hice franceses, como Jean Anouilh ahora, Shakespeare, un montón de autores. Todo es desde el cristal de donde se mire.

-¿Sobre la SAGAI (Sociedad Argentina de Gestión e Intérpretes), cuál es su importancia?

-La sociedad SAGAIHace 10 años están rescatando, lo que en otros países del mundo se llama Royalty (“Regalías”: derechos de autor, patentes, marcas). Por suerte, ahora los actores tenemos derecho de imagen etc. Se nos paga las repeticiones también.

-Para la obra “Dos Locos en la Terraza”, Ud.compuso una canción que dice: “Los actores estamos hechos de retazos, retazos de éxito, otros de fracaso. Es así. Nosotros somos artesanos. Nuestra labor es hacer reír, hacer llorar, lograr que la gente se emocione. Es una tarea apasionante y laboriosa".

-Es verdad. Es verdad. La famosa historia del gran Fidel Pintos que decía: “un actor es un señor que hoy come faisán y mañana se come las plumas”. Hay cosas, hay que vivir la realidad. Estoy empezando a dirigir una obra de un autor malagueño, Santiago Escalante, es un unipersonal. Acá en el Teatro Buenos Aires. El actor protagonista es Oscar Giménez, y la produce el dueño del teatro. Se estrena en mayo.

-¿Alguna cuestión pendiente que el periodismo no ha indagado? ¿Algún recuerdo de nuestro referente inmortal Alberto “El Negro” Olmedo?

-Siempre estoy feliz y contento por las notas que me hacen. Los periodistas tratan de extraer de uno lo mejor. Mil recuerdos tengo. “El Negro” Olmedo, era un ser humano maravilloso, querible, soñado. Con todos los que trabajé tengo enormes recuerdos. No te olvides que: ¡60 años, no es un día!

-Miguel, gracias por tantos momentos de arte y buena literatura a lo largo de su carrera. Por la nostalgia de recordar a próceres artistas. Como en Orquestas de Señoritas: ¿Quien canta, las miserias humanas espanta?

No, no, te ayuda a vivir la realidad. Hay cosas que me dan miedo, me asustan. Pero la realidad es solamente una. Soy feliz por hacer esto. 

Texto /Fotos: Gustavo Contarelli

Especial para Tribuna de Periodistas

Agradecimientos:

– Prensa y RR.PP.Alfredo Monserrat www.alfredomonserrat.com

– Teatro Buenos Aires. Rodríguez Peña 411, Esq. Av. Corrientes

https://www.filmindependent.org/spirit-awards/ 

 Gustavo Contarelli

Ficha Técnica:

Título para Latinoamérica: Manchester / Manchester junto al mar.

Título original: Manchester by the Sea.

Dirección y Guión: Kenneth Lonergan.

Género: Drama – Apta para mayores de 13 años. 

Reparto: Casey Affleck, Michelle Williams, Lucas Hedges, Kyle Chandler, Gretchen Mol, Tate Donovan.

Productora: Pearl Street Films, Big Indie Pictures, CMP Entertainment, K Period Media, B Story, The Affleck/Middleton Project. 

Distribución: Universal Pictures – Montaje: Jennifer Lame.

Música: Lesley Barber – País: EE.UU.

Año producción: 2016 – Duración: 135 min. Estreno: 23/02/ 2017. 

El Cine Independiente está desplazando a la poderosa industria de Hollywood. “Moonlight”, destronó al Óscar al número puesto “La La Land”, como Mejor Película en un tenso final digno de una comedia de enredos. El film tuvo un costo de un millón y medio de dólares, presupuesto inexistente si se compara con los grandes estudios. Así, Casey Affleck –protagonista de Manchester– alzó las distinciones a Mejor Actor en los “Independent Spirit” y el “Premio de la Academia”. Manchester by the Sea (2016), está en esa sintonía Indie y marca tendencia. 

Natural de New York, el cineasta y dramaturgo Kenneth Lonergan, también signa la historia como guionista y escritor: Premio Óscar /BAFTA / y de la Crítica Cinematográfica, al Mejor Guión por “Manchester”, su tercer largometraje. Una historia minimalista, el drama interior de un sujeto que atraviesa la pérdida absoluta. Un hombre sin presente y sin futuro. La crisis existencial y una identidad esquiva. 

El director de Margaret (2011), inscribe un drama ficcional con magistral profundidad narrativa. Todo un hallazgo. Una historia donde el pesimismo y la soledad ontológica tiñe cada fotograma con poética sui géneris. La primera apertura de plano y la conclusión (como indican los manuales de cine), se asocian en la metáfora que trasciende: “el bote; el tío - el esobrino y el amor filial”, es la imponente imagen cristalizada que conceptualiza. Con todo, ¿deja lugar a la esperanza? El realismo –naturalismo citadino–, parece no dar lugar a segundas partes. 

Argumento. Lee Chandler (Casey Affleck), es un individuo que podemos definirlo por su psicología como “un gris”, sin esperanza, que pasa una existencia aburrida, melancólica. Un bueno para nada. Como “El Hombre Mediocre”, de José Ingenieros: “El hombre mediocre es una sombra proyectada por la sociedad”. Forzado a subsistir en los márgenes, ajeno a todo contacto humano que pueda significar algo real. Un hombre que apenas puede con el aquí y ahora, carente de futuro. Hace su trabajo de conserje (fontanero, electricista, un “todoterreno”) en una comunidad de Boston, pero con la cabeza agachada y sin levantar la vista, imperturbable tanto ante el coqueteo de una vecina (con fantasías eróticas), como ante las quejas de un cliente insatisfecho. ¿Por qué todo le da igual?... Su apatía es manifiesta. 

Un día recibe una llamada que lo atormenta: su hermano, Joe Chandler (Kyle Chandler), un paciente terminal, que le obliga a regresar a su pueblo natal, Manchester. Un lugar del que partió tiempo atrás tras la incapacidad de manejar una tragedia familiar de la que se hace responsable y lo abruma. Inmerso en trámites funerarios, debe hacerse responsable y tutor de su sobrino Patrick (Lucas Hedges), un adolescente de 17 años. Merced a dicho tutelaje, Lee se descrubre como sujeto y sus limitaciones al tiempo que su sobríno madura en expertez. Tío y sobrino, conviven con la pérdida y el dolor de ya no ser. Ahí, lo mejores pasajes narrativos de la trama. 

Los protagónicos: Randi (Michelle Williams), el contrapunto de Lee, le aporta frescura y madurez a las decisiones. La ex-mujer, con su dureza primero, y luego con el coqueteo, imprimen realismo al perfil del hombre de carácter de hierrro. Casey Affleck, es mejor actor sin necesidad de mediar una palabra que su hermano Ben, pero la abrumadora premiación universal resulta al menos sospechosa. Tiene un gran potencial. “Manchester by the Sea” es precisamente eso, una fotografía descarnada de cicatrices abiertas; es la epidermis de un hombre culposo incapaz de recomponer su vida implosionada. 

Si bien la estética es “Independiente”, y se nota, los recursos de autor no: con inteligencia utiliza los conectores de tiempo y espacio; las elipsis narrativas, como opera consumada a lo Hollywood. La partitura musical de Lesley Barberes y su armonía incidental, nos sumerge en el mar de los personajes con el majestuoso adagio en sol menor de Tomaso Albinoni, ejecutado por Filarmónica de Londres y otros pasajes sonoros que asocian la imagen, los textos y los sentimientos. Sin demasiadas pretensiones a priori, termina concluyendo como un gran proyecto fílmico. No es poco. 

Una historia discreta e intimista, sin sobresaltos. “Cine de Sentimientos”. Un film con ADN Indie, que escapa de los estereotipos y clisés sentimentaloides. políticamente correctos. Habla en primera persona al espectador sin rodeos. 135 minutos que se notan. El ritmo enlentece y no condensa. Se expone lo previsible. Para una cancelación de la obra sin estertores o crepitantes. Sencilla, simple y profunda. Como era en un principio: el bote; el tío - el esobrino y el amor filial. 

“El hombre mediocre es una sombra proyectada por la sociedad”

“Sin la sombra ignoraríamos el valor de la luz” (José Ingenieros, El Hombre Mediocre, 1913)

Casey Affleck y Lucas Hedges: una historia minimalista que trasciende el fotograma. El ser frente a la pérdida absoluta, la soledad existencial del hombre mediocre. Cine Indie que marca tendencia.

Gustavo Contarelli

Puntaje de la película: 4 Tribunas 

Puntaje actor protagónico: Casey Affleck 5 Tribunas ¡Excelente!

Referencias: 

5 Tribunas: excelente /imperdible

4 Tribunas: muy buena

3 Tribunas: correcta / buena

2 Tribunas: regular

1 Tribunas: mala /pésima

Cierta vez un cineasta argentino me dijo al entrevistarlo: “el cine, es una de las pocas políticas de Estado que se continúan en el tiempo”. ¡Albricias! La historia da la razón a ese aserto.

El Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), en marzo de 2014, a partir de la ley 17.741, crea el ambicioso Programa Espacios INCAA con el fin de: “Garantizar la exhibición de las producciones cinematográficas argentinas, incluidas las de estreno comercial, paso digital, o menores y cortometrajes en todo el territorio nacional”. El primer Espacio INCAA – la casa matriz del cine argentino – fue la sala Gaumont, frente a la estratégica Plaza Congreso, marcando el Kilómetro 0 del país. A partir de ese hito, las salas se multiplicaron el todo el territorio nacional. (1) 

Ahora, desde el lunes 3 de abril de 2017, los Espacios INCAA se denominan CINE.AR SALA (Contenidos Argentinos). Es la red de salas en todo el país que fomenta la exhibición de cine argentino, forma espectadores críticos, y recupera el cine como espacio cultural.

En el país hay 80 salas que integran la red CINE.AR SALA, que durante 2016 crecieron un 9 % en espectadores gracias a la programación y realización de actividades especiales pensadas para que cada sala logre su mejor performance. CINE.AR SALA le brinda a la comunidad, en un país con enormes potenciales para la proyección, el acceso a un cine nacional de calidad en condiciones tecnológicas óptimas, manteniendo viva la afición al cine. (2)

En fin, el crecimiento de la industria del Entertainment sigue su curso de expansión sin importar niveles de encono políticos de ayer y hoy. El cine continúa narrando y filmando su historia. Según un informe de IT Consulting en PwC Argentina: nuestra nación “es uno de los nueve países cuya industria del entretenimiento y medios, presenta mayor potencial de desarrollo hacia 2018”. Los ingresos en boleterías de los cines crecerán a una tasa TCAC de 8,5 % alcanzando los US$ 318 millones en 2018. (3)

(1)-(2) Fuente: Coordinación de Espacios INCAA y Programas Especiales.

www.incaa.gov.ar

 www.sala.cine.ar

(3) Crecimiento de la industria del entretenimiento en Argentina

Gustavo Contarelli 

Ficha Técnica / Artística:

Título original: Tenemos Visitas. 

Dramaturgia: Alicia Muñoz – Dirección: Pinty Saba.

Asistente de Dirección: Adrián Andrada – Género: Comedia. 

Reparto: Ignacio Toselli (Fulvio), Rubén Stella (Damián), Federico Marrale (Martín), Lucía Stella (Sofía), Pinty Saba (Rossana / voz over). 

Iluminación: Fermín González – Escenografía: Carlos Gonzalo Castro, Fermín González – Vestuario: Silvia Picallo. 

Prensa y RR.PP. : Alfredo Monserrat / www.alfredomonserrat.com.ar

Sala: Teatro Carlos Carella, Bartolomé Mitre 970 / CABA. 

Tel: 4345-2774 / Web: www.facebook.com/tenemosvisitas

Día y horario: viernes: 20 hs. / sábados: 21 hs. 

Costo localidades: $ 100 – País: Argentina – Año: 2017 – Duración: 80 min. Fecha de estreno: 07-04-2017.

Alicia Muñoz es una escritora argentina, guionista y músico. Su obra Ciudad en Fuga (1979) sobre la epidemia de fiebre amarilla que azotó a la ciudad Buenos Aires en 1871, marcó su prosa historiográfica en progreso, Es autora de una veintena de obras de distintos géneros, experiencia que le permite hablar con autoridad los temas actuales. Tenemos Visitas (2017), es una comedia intimista, donde la relación de una ex pareja, impacta en la crianza de sus tres hijos de manera singular. Es el paternalismo y celo de un padre, que hará lo imposible para que vuelvan aquellos felices años de la unión familiar. 

Argumento. “Una cosa es quererse y otra cosa es convivir…”. Así es el spot publicitario de la pieza. Son los acuerdos y desacuerdos de una familia clase media convencional. En el centro del montaje: Rubén Stella (Damián), un padre celoso del amor de sus hijos: Ignacio Toselli (Fulvio), Federico Marrale (Martín), Lucía Stella (Sofía). Cada integrante con un perfil psicológico distinto. La idea que cristaliza, la llegada de la “visita inesperada”. La alegría, la emoción, las tensiones de una familia monoparental (madre ausente), que indagarán en sus contradicciones del presente con un pasado esquivo. 

Desde la primera apertura de escena, hasta la cancelación del relato, el mediador común estético es un coqueto “monomontaje”. Tampoco está dividida por actos como es tradición, sino es un sólo acto que se prolonga en el tiempo. En cine, dicho artilugio se denomina “plano secuencia”, una toma larga que adiciona sin cortes. Doble mérito al mantener la trama bien alta, entretenida y enigmática.

La dramaturgia de Muñoz, confecciona un texto donde la psicología y la ética del protagónico Damián (Stella), se posiciona en el centro del conflicto y alecciona manteniendo vivo “ese misterio” hasta el final de la obra. Damián hace de su paternalismo todoterreno, un modo de vida que lo realiza como persona. La estrategia del padre es la de “un gran simulador”. No todo es lo que parece ser. Metodología inteligente y un espectador cómplice hará su recorrido de creer o no en ese montaje de amor como cierto o armado. El silencio en la platea es lo que se proyecta en la atmósfera, en las escenas jugadas por ese respeto a las emociones que paraliza para comprender. Los parlamentos son de confronto, donde se pasan factura intergeneracional. 

Con todo, hay un quinto personaje misterioso: la llamada telefónica. ¿Teléfono para quién?...momento de resolución del misterio. Rubén Stella y su rol de actor, hace girar la comedia con meridiano pulso redentor. Todo lo puede: hace reír, llorar, enfurecer, pensar, explotando el uso del espacio escénico como notable estratega. El poder de su declamación, sus miradas, actúa como una lente para que el espectador haga foco donde la acción transcurre. Por la composición de su personaje; el uso de las emociones, estamos en presencia de un artista completo. Con jóvenes ad láteres que cumplen con creces. Son personajes disímiles, de estructura mental de opuestos; en un interesante debate interno de hermanos. En el guión hay pinceladas de ese “Teatro por la Identidad”, que la autora de la obra también abrevó en “Supongamos” (2001). Son tres hijos buscando la identidad, reconociendo a su madre abandónica en la puja por recuperar las caricias de un pasado que nunca volvió.

Traigo a la memoria la mítica comedia de televisión “Los Campanelli” (1969 -1974), que abordaba situaciones cómico-dramáticas de una típica familia extensa argentina de clase media. Aquí y ahora, Tenemos Visitas – con el mate y las facturas como mediador nutritivo, reemplazando aquellas ravioladas domingueras de Don Carmelo – es una familia monoparental, donde el patriarca (Rubén Stella), hace de madre y padre. “Un Campanelli sui géneris” quien como el artista Garrick, aprendió a reír con llanto, y también a llorar con carcajadas. 

¡Nada mejor que la familia unida! “Un Campanelli sui géneris” que todo lo brinda por amor. Comedia minimalista, sensible y familiar.

Gustavo Contarelli

Puntaje de la obra de teatro: 4 Tribunas 

Puntaje actor protagónico: Rubén Stella 5 Tribunas ¡Imponente!

Referencias: 

5 Tribunas: excelente /imperdible

4 Tribunas: muy buena

3 Tribunas: correcta / buena

2 Tribunas: regular

1 Tribunas: mala /pésima

Título para Latinoamérica: Frantz.

Título original: Frantz.

Dirección y Guión: François Ozon– Género: Drama /Años 1910-1919.

Apta para mayores de 13 años.

Reparto: Pierre Niney, Paula Beer, Cyrielle Clair, Johann von Bülow, Ernst Stötzner, Marie Gruber, Alice de Lencquesaing, Axel Wandtke, Rainer Egger, Lutz Blochberger, Jeanne Ferron, Torsten Michaelis.

Productora: X-Filme Creative Pool, Mars Distribution, Mandarin Cinéma.

Distribución: Golem Distribución – Música: Philippe Rombi – Fotografía: Pascal Marti – Montaje: Laure Gardette – País: Francia, Alemania.

Año: 2016 – Duración: 113 min. –Estreno Argentina: 20-04-2017.

El cineasta galo Ozon, rompe su tradición estética con Frantz (2016), su última película. Hasta aquí su cine se caracterizaba por un humor ingenioso, satírico y mordaz, asociado a una singular visióndela sexualidad humana. Por su estilo lo han bautizado el "Almodóvar" francés; el “Chaplin” de la no comedia. Allende los apelativos, el director de 8 Mujeres (2002), apuesta a oxigenar y recrear un género complejo y fascinante: el melodrama.

 Un film posbélico sobre los sobrevivientes, cuando han callado los cañones y el campo de batalla yace en la memoria. El tema es la simulación, un relato ficcionado para endulzar esos corazones fragmentados de tantos soldados que partieron con la anuencia de sus padres considerados patriotas. Que brindaron cuando llegaron a sus casas tras las victorias. Pero del otro lado de la línea de trincheras, otros padres sufrían la pérdida del ser amado. Un punto de inflexión –no menor— para entender el presente largometraje, es el particular plano de la sexualidad que el francés focaliza en el protagónico. Pone en nuestra conciencia el camino y el entendimiento del amor entre iguales (la homosexualidad). Decodificarlo será nuestra tarea. Al menos, coquetea con estructuras borderline de la genitalidad. ¿Las apariencias son la realidad? ¿O es el juego de la mente? Hay una historia central con fronteras abiertas...

Argumento. Érase una vez...una pequeña ciudad alemana, poco tiempo después de la I Guerra Mundial, año: 1919. Anna (Paula Beer) va todos los días a visitar la tumba de su ex-prometido Frantz, caído en combate en Francia. Un día, Adrien (Pierre Niney) – un misterioso joven francés – también deja flores en la tumba y se retira. Su presencia suscitará reacciones imprevisibles en un contexto signado por la derrota y la humillación de Alemania. Un siglo ha pasado desde la sangrienta contienda. La Vieja Europa convertida en un escenario de batalla; los cañones no habían cesado de tronar en los campos de Verdún, y los ecos de esa contienda son capturados para componer una historia cuyo eje es el perdón, la culpa, y la reconciliación por el amor.

Ozon, vuelve a filmar la problemática de la ausencia pero a partir de la remake de un metraje olvidado de Ernst Lubitsch: “Remordimiento” (“Broken Lullaby”, 1932), con una estética renovada y con aportes reales al melodrama “no almibarado”. Desde la primera apertura de plano el espectador percibe una pantalla en blanco / negro y “virado a sepia”, en los momentos de angustia, tensión, melancolía y desarrollo conceptual del sentimiento jugado; la exaltación y felicidad a partir de las pocas escenas cromáticas, cuando el amor adiciona a la poesía musical. La paleta de color aporta la frescura y la descompresión de un relato movilizador; la pintura de ÉdouardManet – el impresionismo – como simbología de una crónica universal que duele. Así, lo lugares de encuentros entre el autor, los artistas y el público, se condensan en soñados «Rendezvous». ¡Touché!

El guión abreva su escritura en la retórica de la catáfora: definiciones, conceptos que declaman los protagónicos y quedan en nuestra memoria para armar el planteo dramático: “Alemanes y franceses somos padres que brindamos por la muerte de nuestros hijos” / exclama emocionado el padre de Frantz, el soldado muerto; “Las mentiras nos hacía bien a todos”/ responde en una epístola Anna.“El cuadro de Manet me dio ganas de vivir de nuevo” / en la cancelación de la cinta, acomoda las neuronas de todos para alegría de los escépticos. Es la esperanza y el volver a empezar.

El montaje – la reconstrucción de época–explora gracias a la mediación de las artes combinadas (pintura, escultura, música, fotografía, cine), los efectos del amor, la ausencia y el perdón en la posguerra europea. La partitura musical potencia las imágenes y convierte al metraje en una “ópera cinematográfica” por la epopeya contada. Una obra de arte trasciende, cuando el espectador la recrea. Son los distintos formatos del arte que hacen recrear un drama no bélico, que apuesta al perdón, al amor y nos hace trascender como personas. Un sentimiento maravilloso de nuestra condición. El género del melodrama busca como ninguno la identificación con el público para la catarsis sentimental. Con todo, el filósofo francés Jean-Jacques Rousseau (1712- 1778) lo definió: “un tipo de drama donde las palabras y la música, en vez de caminar juntas, se presentan sucesivamente, y donde la frase hablada es de cierta manera anunciada y preparada por la frase musical”.

En cuanto a los protagónicos y el reparto, es otro logro de autor. Paula Beer, la exquisita actriz berlinesa, compone un personaje de alta dramaturgia; en el uso del espacio escénico, conmueve por la variedad de sus recursos narrativos dentro de una rigurosa escenoplástica que no da respiro. Bien secundado por el francés Pierre Niney. Un dueto bien aceitado que solidifica la construcción exitosa del verosímil. Son jóvenes actores que parecen veteranos en el cine de arte y ensayo. Es más, lo desafían. Frantz es un film co-producido por Francia y Alemania. Por eso se entiende que no tenga la trascendencia universal que amerita. Caso contrario, la industria de Hollywood y su portentosa maquinaria publicitaria, lo hubiesen entronizado como un hito contemporáneo.

Atrás en el tiempo quedó la posguerra. Las pérdidas, los encuentros y desencuentros de franceses y alemanes. Surge el amor como reparación histórica de sentimientos que alguna vez fueron dirimidos en el pleito. Al fin y al cabo esos padres que brindaron por la muerte de sus hijos, encontraron por la fe en el hombre, un bálsamo para seguir viviendo: “la mentira hace que nuestra vida sea soportable”.

 Gustavo Contarelli

Puntaje de la película: 5 Tribunas ¡Imperdible!

Puntaje actor protagónico: Paula Beer 5 Tribunas ¡Excelente!

Referencias:

5 Tribunas: excelente /imperdible

4 Tribunas: muy buena

3 Tribunas: correcta / buena

2 Tribunas: regular

1 Tribunas: mala /pésima

Título para Latinoamérica: La Morgue / La Autopsia de Jane Doe.

Título original: The Autopsy of Jane Doe.

Dirección: André Øvredal– Guión: Ian Goldberg, Richard Naing.

Género:Terror, Thriller, Cine Fantástico –Apta para mayores de 16 años.

Reparto:Brian Cox, Emile Hirsch, Ophelia Lovibond, Michael McElhatton, Olwen Kelly.

Producción: Matt Gant, André Øvredal.

Distribución: A Contracorriente Films– Música: Saunder Jurriaans, Danny Bensi.Fotografía:Román Osin– Montaje: Peter Gvozdas –País: EE.UU. /Reino Unido.

Año: 2016 – Duración: 99 min. –Estreno Argentina: 20-04-2017.

Elfilm The Autopsy of Jane Doe (2016), conocido en Argentina como La Morgue, es un convincente thriller psicológico y terror sobrenatural. Se balancea finamente en un género que necesita de dispositivos de lenguaje cinematográfico para estremecer, sembrar pistas y la creación de personajes encontrados: el héroe y el villano. La atmósfera esotérica de la demonología y las brujas, condensan una obra de creíble verosímil y de un público al acecho.

Argumento. Grantham, condado de Virginia (EE.UU.). Época actual.Tommy Tilden (Brian Cox), es el forense principal; su hijo, un Técnico Médico certificado. 3 generaciones en la gestión de tanatorios en su familia. Ambos manejan la morgue de la localidad y son de entera confianza del oficial Sheldon quien confía en la expertez de los Tilden, para averiguar las causas de la muerte de una joven al que la denominan “Jane Doe”. Ambos proceden a la necropsia del cadáver, sin saber las consecuencias insondables de ese acto profesional. La investigación, las pericias, conducen a la acción y el suspenso.

El cineasta noruego André Øvredal (Trollhunter, 2010), logra que el tándem padre-hijo sean personajes interesantes, como la historia del crimen sin resolver. El suspenso se da lentamente, sin escenas superfluas o forzadas. La fotografía de la autopsia está lograda por el naturalismo; con buen asesoramiento del arte de la evisceración de los cuerpos. La acción se desarrolla en un “monomontaje” donde transcurre de principio a fin. Doble mérito de autor. Hay un trabajo superador del escocés Brian Cox (Premio Laurence Olivier), quien domina el espacio escénico y hace girar el thriller bajo su protagónico. El rol de actor en la recreación de la historia es notable.

El guión explora un tópico universal: la muerte y el destino final de los cuerpos. Hay una valoración moral en su manipulación. Aparece como el personaje vital en el misterio, las brujas y sus rituales. En una atmósfera esotérica de la demonología, nos remite a esos seres mitológicos de la Inglaterra del siglo XVII. Articulaciones fracturadas; órganos marcados; signos de laceración en su interior –y por fuera –sin rastros de violencia. Øvredal propone una estética noble, sin subterfugios de cine “gore” (de escenas sangrientas). Amantes del cine “splatter” o gore, abstenerse. Carente de explotación / derroche cruento y golpes bajos, una película tradicional que logra eficacia narrativa.

La Autopsia de Jane Doe concluye. Pero la historia sobrenatural no. Subyace un relato místico que atraviesa la idea de la inmortalidad. Buen suspenso logrado para amantes del género y aficionados. Una idea digna y atrapante. La escena del crímen se asocia a la mesa de disección forense: ¿es verdad que los cuerpos hablan?... si conservan vida, ¡Houston, tenemos un problema! En fin, el personaje de Emile Hirsch lo dijo: “estamos en lo más allá de lo posible”.

   Gustavo Contarelli 

Puntaje de la película:4 Tribunas

Puntaje actor protagónico:Brian Cox 5 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas:mala /pésima

Un frondoso curriculum vitae lo distingue a su paso. Actor y director de teatro argentino que participó alrededor de cuarenta obras y ciclos de televisión. Recordado por el personaje que lo llevo a la popularidad en el unitario televisivo “Hombres de Ley” (Canal 7 / 1987, Premio Martín Fierro, Mejor actor de reparto). Pasó por la función pública como Secretario de Cultura de la Nación, en la administración de Eduardo Duhalde. Hizo una versión de “El Conventillo de la Paloma” (1998) -de Alberto Vacarezza-que vale la pena rescatar por el sorprendente elenco: Diana Maggi, Rafael “Pato” Carret, Elena Lucena, Beatriz Bonet, María Rosa Fugazot, Onofre Lovero, María Leal, Mario Alarcón, Pachi Armas, Néstor Ducó, Aldo Bigatti, Mario Labardén. Se define políticamente: “Soy Peronista. No menemista ni kirchnerista. Duhalde es el tipo que para mí mejor representa al peronismo”. En una confitería del microcentro porteño dialogó con Tribuna de Periodistas:

-En la obra de teatro “Tenemos Visitas”, su personaje “Damián”, compone a un padre paternalista que realiza un montaje sui géneris para reunir a la familia. ¿Cómo ve esos dispositivos del lenguaje? ¿Había otras opciones? ¿Hay alguna crítica a la familia monoparental?

-En realidad crítica ninguna. Es una observación aguda de la dramaturga Alicia Muñoz. Usa un lenguaje adecuado vinculado al trato cotidiano; es un padre “maternal” que ha cumplido dos roles. No tenía puta idea como se criaba a un hijo, y lo único que no pudo hacer es darle la teta. Cumplía todos los roles. Es una obra que tiene sus años (2009). Es una observación sobre la idea que la construcción familiar hay que recuperarla a como dé lugar. A volver al esfuerzo de convivir, de comprenderse. Lo que rescata Alicia, es el desbande familiar. El rol de Damián, tiene frases extraordinarias. Mirá, es tan poco lo que nos queda a los argentinos ya; nuestra patria desgraciadamente, es un fleco a esta altura, está devastada desde lo político, lo ético, hasta humano. La única manera de parapetarse, es desde la base.

-El hecho que la pieza no está dividida en actos tradicionales; hay un sólo “acto-secuencia” - jamás corta la dinámica del trabajo actoral (sin montajes alternos) ¿dificulta la labor en el espacio escénico?

-Es una obra que transcurre en un acto y tiempo real. No hay elipsis. Sólo tomamos mate en escena (risas). Cuando hice “Discepolín”, tenía mucho más desgaste físico. Era también más flaco, y había adelgazado 8 kg. Ahí perdía mucho líquido. Acá hay desgaste a nivel emocional. El personaje está todo el tiempo en crisis. Como dijo don Pedro López Lagar: “me pongo la gorra y salgo”, sin petulancia. Lo estudié desde el comportamiento, desde los vínculos. Los hijos ven un fragmento de la realidad que los afectan. El personaje de “Martín” (Federico Marrale), es el único que ha tenido relación con su madre. Por eso cuestiona al padre.

-Hay un mediador nutritivo que concentra la atención: la ronda de mate con facturas (Superador a la raviolada dominguera) ¿tiene función especial el “atrezzo” como disparador narrativo?

-Es una gran excusa social para poder estar juntos. Casi se ha dado, los únicos que tomamos mate es el hijo más chico “Fulvio” (Ignacio Toselli) y yo. Los otros no están en la ronda. El mate es el medio, para charlar lo importante que hay que contar. El teatro también tiene azar. En el teatro cuando se presenta una obra, estás develando un misterio. Y en este caso había dos temas importantes: la panadera y la madre. Todo el tiempo se regula la tensión, de esos ingresos posibles. El teatro es un juego: que necesita de un actor que juegue, y el público que asista y comparta el juego, que también juegue su rol. El espectador es el director. En este juego el espectador nutre lo que pasa en el escenario. La semana pasada, cuando terminó la obra, en medio de los aplausos se oye decir a una persona del público: “le voy a pedir a mis hijos que vengan a vivir conmigo” (¡se emociona al contarlo!). Esa persona está jugando conmigo. Esto tiene un valor trascendente para el actor, al menos para mí. Ese es el rol que tiene que cumplir el teatro, la TV., y el cine; el mostrarnos, el ayudarnos a reflexionar. Nos hemos olvidados de las relaciones parentales. Y vos (se refiere al periodista) que sos cinéfilo, fíjate: que el cine norteamericano de consumo interno que nos llega, está siempre vinculado a la reconstrucción de la familia. Es la base de lo social. Y eso está roto acá.

-Antes había una división tensa y dialéctica entre el actor de formación dramática y el de comedia / cómico /actor circense. Hoy todo se ha integrado. ¿En este tópico ha cerrado “La Grieta”?

-No lo hubo nunca. La hubo en todo caso entre los profesionales y los independientes ideologizados, puede ser. El actor argentino tiene formación circense. Venimos de trapecistas y malabaristas y gente del circo. Los hermanos Podestá, del “Circo Criollo” venimos nosotros. Lo extraordinario es que empieza a aparecer la cosa intelectual del “Método Stanislavski” etc., para denostar a los actores argentinos -y esa fisura-en el devenir de la formación de los actores. Esa gente no tuvo la grandeza de ver que, cuando apareció un discípulo de Stanislavski, que empezó a cuestionar esa metodología y dijo que los actores tenían que hacer trapecio y esgrima para su formación. De ahí venimos. “Pepe” Arias, Adolfo Stray, Don Pelele y (Alfredo) Barbieri, ya hacían stand up(comedia de pie). Sentarte delante un micrófono y contar historias graciosas. Que no te gusten es otra cosa. Ahí tenés, hoy hay algunos plumíferos que sostienen que el cine no tiene que ser subsidiado por el Estado. No quieren que haya cine argentino. Quieren cine de las grandes empresas.

-Se habla del boom del teatro. Según una encuesta realizada por el Sistema de Información Cultural de la Argentina, 2015, hay 288 salas en total (comercial, privado, público y alternativo). Sólo el teatro “under”, posee unas 180 salas en el circuito alternativo. ¿El teatro y la cultura como refugios ante las crisis sociales?

-Es un tema que habría que investigar desde otros ángulos, me da la impresión. Todo lo que tenga que ver con la creación es bienvenido. Durante el menemismo, durante la gestión del Secretario de Cultura Mario “Pacho” O’Donnell, se hizo la Ley de Fomento Cinematográfica. Sí se creó el Instituto Nacional de Teatro. Durante su paso o ahí no más, se permitió que (Domingo) Cavallo con la “Ley de Emergencia,” vaciara el INCAA. También debo decir que, el quele devolvió la autarquía al cine, e hizo posible que ellos se administren fue el Dr. Eduardo Duhalde, a instancia de su Secretario de Cultura, que fui yo. Hay que ser justo con las cosas. El que tuvo la grandeza de poder ver la capacidad estratégica que tiene el cine en la sociedad fue Duhalde.

-Ud. fue Secretario General de la “Asociación Argentina de Actores”. El productor teatral Carlos Rottemberg, insiste: “La ley del Actor no le sirve a nadie”¿Y la SAGAI (Sociedad Argentina de Gestión de Actores e Intérpretes) con sus problemas de recaudación? Shakespeare dijo en Hamlet«algo huele a podrido en el estado de Dinamarca»¿Su opinión?

-Yo estoy de acuerdo con eso de Rottemberg. Se llama reciprocidad el tema de recaudación. Sobre ese tema de plata no discuto, sobre recaudación. Yo discuto ideas. Ese es el fundamento de SAGAI. Si vos tenés acuerdos internacionales o no cumplís, lo único que ganás es descrédito internacional. Actores tiene una representatividad relativa. Es raro lo que pasa ahora. Habida cuenta, que en la conducción que estuve yo, con más o menos nombre, éramos actores de larga data. Con mayor o menor cartel. Todos éramos actores. Cuando Pepe Novoa era Presidente, yo era Secretario. Nadie podía dudar.

-La clase política argentina desconoce a la cultura y la Industria del Entertainment, en la generación de riqueza e identidad como en los países desarrollados. ¿Maneja hipótesis de cambio de este paradigma?

-No me gusta el término clase política, prefiero el de emergente de nuestra sociedad, y hacernos responsables a quien ungimos para conducir. Ellos tienen como única preocupación subsanar los problemas económicos sin contemplar el deterioro cultural de nuestro país, hablo de los valores. Que se reconstruyen a partir de lo cultural. No lo valoran. Es una poderosa herramienta la industria cultural, no sólo da riquezas, sino el teatro, el cine, la música, como un modo de reconstruirnos. Ej.: Getúlio Vargas, en Brasil, se da cuenta de la realidad de la división cultural del país; y ve un instrumento fundamental: “La Radio”. Esto nos identifica, esto es el norte y esto es el sur. Como modo de unificar el concepto el país. Nadie pondera a la televisión como construcción de valores. Fíjate, ahora la TV. Pública compra un proyecto español (que es muy bueno), para hablar de nosotros, estamos jodidos. ¡Qué país quieren construir! La Televisión Pública es inmirable.

-¿Cómo ve la gestión cultural en Argentina? ¿Hay políticas de Estado a largo plazo?

-No hay políticas de Estado. Si la hay es fatal. No conozco. Yo estuve poco tiempo en la función pública, hubo proyectos comunes en el Mercosur Cultural. Hubo proyectos comunes en la zona. Estuve poco tiempo (un año y medio). El Mercosur, a poco de subir el presidente Kirchner, lo neutralizó, puso al el especialista en hacer desaparecer cosas -Carlos Álvarez -el famoso vice presidente renunciante.

-En una entrevista dijo: “Mi mayor logro como Secretario de Cultura fue la autarquía del INCAA” ¿Cómo se logra desde la administración, separar lo ideológico de lo eficaz en la acción? ¿Qué le dejó su paso por la función pública (2002 /2003)?

-En principio nadie me dijo lo que tenía que hacer.Te quiero decir que tuve conducción. Que orienta el camino. Todo lo que tenía que ver con esa orientación, hacia allá vamos era bienvenido o no. Nosotros acercamos un proyecto (a “Chiche” Duhalde) y lo llevamos adelante. Fuimos con ese proyecto. Cuando hablé con el Presidente con respecto al cine, para darle la autarquía, para que él viera la capacidad productiva que tiene el cine, y el trabajo que hay a partir de ahí, lo que se mueve industrialmente. Los servicios se multiplican y lo movilizan. Hay industrias subsidiarias. El cine tiene una capacidad de penetración cultural enorme. Si lo sabrán los Estados Unidos. EJ: el jeans, que usaba James Dean y Marlon Brando. Las heladeras y las cocinas, de “General Electric”, porque las tenía Doris Day. Gustavo querido (se refiere al periodista), ellos te venden heladeras, no sólo cultura. ¿Qué es lo que tenemos que vender los argentinos? ¡El paisaje! El cine en Estados Unidos, lo diseña el Departamento de Estado, y no Hollywood. Entonces tiene un valor estratégico que no estamos entendiendo. Este fenómeno devalor estratégico que tiene el cine, el teatro, la música, etc., no lo entienden ni el ministro de Cultura, ni el Presidente, ni este ni otros, ni el secretario y el ministro de Comunicaciones que maneja Canal 7. Cuando nosotros con Norberto Díaz, fundamos “Hombres de Ley”, llevamos ese proyecto para venderlo a distintos productores, nos decían: ¡eso no le interesa a nadie!. Y respondíamos: ¡Vos no viste a “Perry Mason”, eso transcurría en New y York! Estuvimos 3 años con el proyecto bajo el brazo. Luego hicimos varias temporadas en Canal 7. Que luego por cuestiones personales no siguió. Hubo varias propuestas incluso en canales privados.

-¿Hay que trabajar de actor cuando se está en el poder político “para preservar la salud”? (Risas)

-Yo fui criticado porque hacía teatro, mientras era funcionario. Les contestaba así: ¿vos sabés cuántos son los funcionarios que juegan al golf? -No. ¿Y si supieras cuántos funcionarios los criticarías? - No. ¿Y los que hacen psicoanálisis los criticarías? - No. ¿Y porque me criticás a mí que hago mi terapia en el escenario? Yo me divierto siendo actor. Yo no le cobro al Estado. Lo hago en forma independiente y privada. No me contrató el (Teatro) Cervantes ni Canal 7. Dejé la gestión en mayo de 2003. Nadie me puede señalar por nada especulativamente, que hice esto. Toda la gente que se fue conmigo de la gestión está indemne.

-Para concluir, la nota de color /la humorada: ¿Ud. es hincha del Club Vélez Sarsfield. ¿Cómo ve la política y el fútbol? ¡Encima es de Vélez un equipo no popular y chico! (Es la mirada de un simpatizante de Boca, la “Mitad más uno del Mundo”. (Risas)

-Porque le ganamos varios campeonatos y ustedes ganaron campeonatos con gente nuestra, por eso no nos quieren. Y es lógico que los de Boca no nos quieran porque lo hicimos grande con Bianchi. Y ganaron campeonatos con la gente nuestra. Y además con el Pepe Basualdo, se lo regalamos. Ustedes son unos “farabutes”. Mirá, me saco los lentes por si me querés pegar... (Risas) [...] 

 Texto /Fotos:Gustavo Contarelli Especial para Tribuna de Periodistas

Agradecimientos:

Bar: Confitería Saint Moritz. Esmeralda 802 esq. Paraguay, Retiro, CABA. Tel. 4311- 7311 (“Cafés Notables de Buenos Aires” - Patrimonio e Instituto Histórico de la Ciudad de Bs. As.).

Prensa y RR.PP. : Alfredo Monserrat / www.alfredomonserrat.com.ar

Ficha Técnica / Artística:

Título  original: La Puta de Arriba.

Dramaturgia: Maxi Escalante – Dirección: Sergio Lombardo. 

Reparto: Gia Bellotti (La Cindy), Noelia Mellea (Sheila) y Maxi Escalante (Franklin). Género:Comedia.

Voz Over: Sergio Lombardo, Hernán Darío Statuto.

Producción General: Iván Leiva. – Arte y Escenografía: Sebastián Varela.

Vestuario: Diego Spiridione.Diseño gráfico: Nicolás Blum.

Fotografía: Pablo Schroder  – Coreografía: Gia Bellotti.

Prensa y RR.PP.: Alfredo Monserrat / www.alfredomonserrat.com.ar

Sala: Sala Colette, Paseo La Plaza,  Av. Corrientes 1660 / CABA.

Tel: 6320-5346  –Día y horario: sábados: 21.30 hs.  

Costo localidades: $ 180 –País: Argentina – Año: 2017 – Duración: 75 min.  Fecha de estreno: 06-05-2017.

El“Teatro Off” es un circuito alternativo en pleno crecimiento en la cartelera porteña. Estas propuestas de creadores independientes con distintos formatos, y en muchas ocasiones con dramaturgia de actores del mismo elenco. Con escenoplástica rudimentaria y modesta producción, pero de amplia llegada popular. Este es el caso de “La Puta de Arriba” – en su segunda temporada – con autoría de Maxi Escalante, también protagónico de la pieza.

Argumento. La Cindy (Gia Bellotti), es una joven mujer de dudosa moral: una oportunista que no da puntada sin hilo para sacar provecho. “No hay nada en esta casa”, se queja; histeriquea a Franklin (Maxi Escalante), su vecino y amigo para tener información de su “novio”, que la engaña con la vecina de su amigo.  La Cindy se aprovecha de la bondad de Franklin, y una noche de ocio se convertirá en un auténtico delirio de ocurrencias y situaciones disparatadas. Es una historia de un mal entendido, no todo es lo que parece ser.  Gia Bellotti, Noelia Mellea y Maxi Escalante, nos proponen una intimista comedia de situación, con pinceladas surrealistas. No es poco.

El autor de “Las Chicas Cocodrilo” (2015), presentala segunda temporada de la obra.Dueño de una prosa llana y explosiva, – en un sólo montaje y un “acto-secuencia” (sin elipsis)– tensiona y tracciona el triángulo amoroso. Son tres actores en escena y una voz  over que siembra sospecha y dramaturgia. El lenguaje teatral es difuso y de confronto: mediadores como las nuevas tecnologías de la información (guiño a celulares y redes sociales). Con Franklin, un personaje hipocondríaco; que coquetea con su indefinición sexual; aparecen citas de farmacología (“Amoxicilina”) y un completísimo botiquín y  su trastorno de déficit de atención. Tal es su perfil psicológico.

En una historia minimalista de equívocos, todo juega, se potencia y articula: es el caso de los objetos en escena (el “Atrezzo”). Ante una atmósfera de pobreza franciscana, el plan narrativo asocia los objetos y los anima: un maniquí –  usado como fetiche – la mesa ratona, un par de  teléfonos celulares, las pelucas, no mucho más,  adquieren importancia en la retórica de autor. Los dos personajes centrales (los vecinos), se definen por opuestos, se sacan chispas.  Ahí yace el interés del público.

El demérito del texto es el rol del tercer actor: Sheila (Noelia Mellea). Que si bien cumple con creces la tarea guionada, su dimensión en la trama no  cierra, no condensa, agregando dispersión a la comedia. Un error en la dramaturgia del autor. No obstante, hay un exitoso trabajo del “Régisseur” en el tránsito de salida o entrada a escena, asegurando la calidad del producto teatral.  Sheila, pasa de ser la “villana”, a una dulce cosmetóloga y tarotista. La historia se diluye y entra en una encrucijada que la eclipsa.

En el rapport de la obra, los tres actores cumplen con suficiencia la representación. Inclsuso hasta un acertado  ensayo de un musical, más un corrrecto juego de luces dan el plano fusión.  Luego decae el ritmo, y por consiguiente la dinámica grupal. Con todo, el personaje que se pone al hombro la comedia es sin dudas el protagónico de “La Cindy”, Gia Bellotti.  Por su ubicación y explotación del espacio escénico;  el uso de las emociones; la composición del personaje; el poder de repentización, su rol de actor trasciende y condensa el éxito de su teatro. El juego de representar lo lleva en su epidermis.

Cae el telón de la obra, y la cancelación abierto del relato impregna el escenario. Es el público que visualiza la suerte de “La Puta de Arriba”. El «rendezvous»de baja intensidad suma al desconcierto.  Punto final para una comedia dislocada, disparatada y digna, sobre las relaciones interpersonales en un desencuentro amoroso de vecinos.  El“Teatro Off” como disparador de ideas en el asedio de la posmodernidad.

                                                                                                      
Gustavo Contarelli

Puntaje de la obra de teatro: 3 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Gia Bellotti (La Cindy) 5 Tribunas ¡Excelente!

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

Ficha Técnica:

Título para Latinoamérica: Escuela Trashumante.

Título original: Escuela Trashumante.

Dirección: Alejandro Vagnenkos–Guión: Víctor Cruz, Alejandro Vagnenkos.

Género: Documental –Apta para todo público.

Reparto: Género Documental. Entrevistas de autor. Voz Over.

Producción: Víctor Cruz (16 M Films) – Edición: Emiliano Serra.

Sonido: Pablo Gamberg, Guillermo Picco– Música: Francisco Seoane. Fotografía: Lucio Bonelli, Nicolás Richat–País: Argentina.

Año producción: 2016– Duración:93 min. – Estreno: 18/05/ 2017.

Cine: CINE.AR Sala Gaumont, Av. Rivadavia 1635 / Tel: 4382- 4406.

Entrada general: $ 30– Sitio Web: www.sala.cine.ar

El género documental (Documentary), por ductilidad, producción y costo, es la elección núcleo de los cineastas noveles. Tal es el caso de “Escuela Trashumante” (Alejandro Vagnenkos /2016).Tipificado como un “Docudrama”, formato en el cual los personajes reales se interpretan a sí mismos. La excusa narrativa es la educación. La escuela como cita de encuentro entre culturas fusionadas (mapuche - hombre blanco), del aquí y ahora. Un punto de partida para repensar la pedagogía y la inclusión social, dentro de la enseñanza multicultural. “Son los tiempos productivos los que marcan el ritmo de la escuela”, reflexiona un maestro. Es la mirada del cine sobre la escolarización y su capacidad para transformar la realidad, en un horizonte de sucesos patagónicos.

Argumento. Retrato del pueblo Huncal, un paraje poco habitado de la provincia de Neuquén (Argentina), donde habita la comunidad mapuche Millain Currical. La escuela primaria Nro. 6, fundada en 1911, que durante setenta años no tuvo ningún egresado. En 1984, llegó Pedro Vanrell, uno de los protagonistas de la historia. Tuvo que lidiar con la profecía autocumplida: “no se puede hacer nada con estos pibes”; su respuesta: “Sí, se puede” / “Éramos capaces y no lo sabíamos”. Ahí, construye un proyecto pedagógico rural de autor. Lo acompañaron Orlando “Nano” Balbo y Alejandra Martínez. Dividen el año escolar y los recesos según necesidades de sus animales: “Parición” (del ganado) y otro por “Trashumancia”, de soporte al desplazamiento migratorio que todos los años realizan en busca de pasturas para sus chivas y ovejas.

El director de “Jevel Katz y sus paisanos” (2005) –en su segundo film –elabora un relato estético de predominio naturalista. Cine testimonial sobre las carencias de la argentina profunda y dolorosa. Desde la primea apertura de plano, se ven alumnos jugando con animales de granja y el paisaje patagónico cerrando la toma. Una voz over del maestro Vanrell, nos introduce lentamente. Corre el año 1984. Arriba como nuevo director, dejando atrás su pesada mochila de perseguido y ex detenido durante la última dictadura militar. Un condimento especial, si se desea elaborar otra mirada sobre una ideología populista (“posverdad”) de fantasías sociales, a éste, comprometido y exitoso con su comunidad. Aquí, el docente, es un instrumento de saberes que modifica la realidad, que suma y no divide. Es un emprendedor educativo que hace patria. Un líder positivo.

La construcción del guión aporta elementos fundacionales en su éxito narrativo: la representación del progreso de una comunidad que se organiza alrededor de un centro educativo estatal. El lenguaje cinematográfico hace foco en conceptos muy caros: «La autoridad del maestro»; «La imagen del docente portando el retrato del Libertador San Martín, en la construcción de identidad y pertenencia»;«La importancia de la educación para el desarrollo»; «La unión de una comunidad en busca de la superación». La trama gira en torno a los dos edificios donde se desplaza por migración los habitantes. Son las imágenes y frases catafóricas que disparan conectores de sentimientos. La Escuela como protagonista. No es poco.

Los hallazgos fuertes del film: la fotografía y los juegos de capturas: “en picado”, “plano sobre plano”, “planos fusión”; se articulan a los “espacios muertos”, donde la lente se cristaliza, y continúa la narración visual. Ej.: una niña apoyada en la puerta esperando que algo suceda. Es el realismo patagónico donde aparecen personajes entrañables: el caso del baquiano ganadero – un personaje pintoresco y delicioso – que busca en la escuela el conocimiento para lograr su objetivo: que la Gendarmería logre que algunos pícaros chilenos le devuelvan los cabritos que le robaron. El abigeato y el surrealismo mueven a humorada. El hilo conductor en progreso es la búsqueda del conocimiento a través de la escuela. Rescato de manera excluyente, la cosmovisión científica positiva: no al conflicto con divisiones irracionales del mito del aborigen bueno y oprimido («El buen salvaje» / de Jean-Jacques Rousseau) versus «el hombre blanco demonizado». No hay sesgo anti- ciencia y contracultura ¡Albricias!

Concluimos con los deméritos de la cinta: las entrevistas no son direccionadas. No hay repreguntas. La modalidad es de observación / descripción. La informalidad, la diversidad es tan grande, que dispersa no condensa. Quita dinámica. La cámara es contemplativa. La voz over de un inicio correcto, se diluye y eclipsa los sentidos. Los documentales más sólidos y de prestigio son con “intervenciones”. Al menos si deseamos transformar la realidad. 

Puntaje de la película: 3 ½ Tribunas

Puntaje actor protagónico: GéneroDocumental

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas:mala /pésima

Tribuna de Periodistas dialogó brevemente con Víctor Cruz, productor y guionista del film:

-¿Cómo llega la historia a Uds.?

-Nos llega a través del libro de Guillermo Saccomanno: “Un Maestro”. Es la vida de Orlando “Nano” Balbo, un conocido maestro y alfabetizador (militante del Peronismo de Base -PB - en los setenta). La escuela era un capítulo del libro. Pero al conocer Huncal y el proyecto educativo, decidimos contar esta historia. Y la mejor manera de narrarla era reconstruir un ciclo lectivo.

-Los lugareños viven la escuela como una herramienta para transformar sus vidas. ¡Qué paradoja! ¿Lo contrario que se vive en partes de BS.AS. con violencia doméstica, adicciones, etc.?

-Históricamente la escuela expulsó culpando a los alumnos y sus padres por el fracaso educativo. Durante 70 años no hubo egresados. Luego con la llegada de Pedro Vanrell, Orlando “Nano” Balbo y Alejandra Martínez, egresan los primeros alumnos. Cuando la escuela se convierte en trashumante, los mapuches entienden que ellos son capaces de transformar su realidad. Hay respeto mutuo entre maestros y pobladores. La comunidad es muy humilde pero no existe la marginalidad, como en las grandes ciudades y periferia.

-¿Su experiencia en una comunidad multicultural, qué aprendizaje dejó?

-El documental es una experiencia vital y transformadora. Conocemos experiencias ocultas y compartir con personas increíbles. Tienen una capacidad práctica de resolver problemas, pero sobre todo, su entendimiento profundo de la relación hombre-entorno. Según los aborígenes: “no es el hombre que posee la tierra, sino que es ella la que nos posee a nosotros”. Una verdad tan profunda.

Víctor Cruz. Cineasta y productor. Se emociona al hablar de su experiencia en una escuela rural patagónica.

(Ver: http://periodicotribuna.com.ar/15099-victor-cruz-un-cineasta-entre-las-cuerdas.html). 

Gustavo Contarelli

Ficha Técnica:

Título para Latinoamérica: Los Padecientes.

Título original: Los Padecientes.

Dirección: Nicolás Tuozzo–Guión: Nicolás Tuozzo, sobre novela homónima de Gabriel Rolón – Género: Suspenso, Thriller Psicológico.

Apta para mayores de 16 años.

Reparto: Benjamín Vicuña, María Eugenia Suárez, Nicolás Francella, Pablo Rago, Ángela Torres, Osmar Núñez, Justina Bustos, Luis Machín.

Producción: JEMPSA SA,Fox International Productions, Telefé.

Distribución: Fox International – Sonido: José Luis Díaz.

Música: Sebastián Scofet – Fotografía: Félix Monti–País: Argentina.

Año producción: 2017– Duración:116 min. – Estreno: 27/04/ 2017.

Cine: CINE.AR Sala Gaumont, Av. Rivadavia 1635 / Tel: 4382- 4406.

Entrada general: $ 30 – Sitio Web: www.sala.cine.ar

La categoría cinematográfica del Thriller, debe cumplir un arsenal de dispositivos técnicos y de lenguaje, que motive al espectador y lo encuentre aferrado a su butaca desde principio a fin. Sinónimo del suspenso en un alto grado de anticipación de hechos, un gran peso de expectativa por lo que puede pasar, disparador de pistas, misterio y ansiedad. No es el caso de “Los Padecientes” / de Nicolás Tuozzo (2017). Lejos de esta descripción del género, el metraje pugna desde la construcción del verosímil a la dispersión de los protagónicos. Para rescatar el modelo técnico de filmación y la fotografía de autor. Muy poco.

Argumento. Pablo Rouviot (Benjamín Vicuña) – un reconocido psicólogo (de la escuela psicoanalítica) – es contratado para una pericia judicial por Paula Vanussi (Eugenia “China” Suárez), para demostrar que su hermano Javier (Nicolás Francella) es inocente del delito que se le imputa: la muerte de su padre (Luis Machín). Pablo comprueba la verdad y los trastornos psiquiátricos que padece el paciente, y arma el rompecabezas de una historia familiar atravesada por la violencia doméstica, sexo, locura y muerte.

El director de “Horizontal /Vertical” (2008), nos sumerge en las aguas del thriller psicológico (un policial negro) en progreso. Los condimentos: una familia de clase media acomodada; dinero; sexo; negocios turbios; intrigas y muerte. Tuozzo, adapta la novela homónima de Gabriel Rolón – conocido psicoanalista mediático de la farándula– muy popular por su literatura de autoayuda.

El guión es un sembradío de prosa psiquiátrica digno del DSM IV (Manual diagnóstico y estadístico de los trastornos mentales /Asociación Estadounidense de Psiquiatría). Rouviot llega a un diagnóstico del imputado: “Trastorno Límite de la Personalidad” (TLP). A partir de esa premisa se jugarán los momentos de tensión dentro de los espacios escénicos. Apela al montaje de una familia disfuncional–donde la violencia doméstica, el destrato –injuria a los tres hermanos en lucha con su padre, un psicópata a tiempo completo. Lo más importante está ausente: un background de peleas o pujas interminables, muertes, violencia, personajes increíblemente entrometidos, etc. Todos estos subgéneros del Thriller deberían crearse en cada fotograma, o de repente son variaciones sutiles de los mismos. Ausencias de pistas; pésima construcción del villano (Luis Machín), que asusta menos que el lobo feroz de Caperucita Roja.

Para entender esta apreciación, el espectador avezado piense en el thriller psicológico que hizo escuela en el mundo del cine: “The Silence of the Lambs” (Jonathan Demme, 1991 / “El Silencio de los Inocentes”). Metraje de culto que signó una época merced a Jodie Foster en la piel de la atormentada Clarice Starling, agente especial del FBI que tiene que atrapar a un peligroso asesino múltiple. Va en su ayuda el misterioso Hannibal Lecter (Anthony Hopkins), encerrado en un psiquiátrico de Baltimore. La frase que popularizó Lecter todavía resuena en nuestros oídos: "¿Han dejado ya de llorar los corderos, Clarice?". ¡De eso hablamos! El thriller que nos ocupa le faltó la primera gran decisión: la de trascender y creer en su potencial. Para ello, hay que armar un buen guión. Una pena, ya que contaba con la producción extranjera de la Fox International Productions (FIP).

Rescato del ostracismo, el modelo de filmación, la fotografía y su inteligente montaje realista. La partitura musical tampoco acompaña con los sonidos incidentales. En cuanto a los protagónicos, lo más débil del film: la pareja marketinera Benjamín Vicuña -María Eugenia “China” Suárez, aporta suficiente morbo de la industria del chisme, pero poco a la alta dramaturgia. El cine es arte y también negocio. Se explica por ese modo. Sí, destacamos el rol de actor; la composición de su personaje (un duro comisario); su expertez en el espacio escénico y su poder de declamación, el sólido trabajo de Osmar Núñez. “Los muertos tienen dos caras”, reflexiona el comisario frente al psicoanalista amateur de Sherlock Holmes. El psicólogo responde: “La fuerza de la verdad habita en las personas”. Frases que cristalizan la estructura narrativa.

La terapia freudiana llega a su fin. Entre tanta dispersión que propone el libro de Gabriel Rolón hecho cine, valga la siguiente metáfora: “El psicoanálisis es la etapa chamánica de la psiquiatría” (Mario Bunge Dixit). Como en la vida real, la pseudociencia psicoanálitica jamás culmina. Es surrealista. Siempre crea nuevos problemas y fantasías a los incautos pacientes. También en la ficción, el mismo cuento chino de siempre: el psicoanalista cool que pudo resolver un caso ajeno, pero es incapaz de resolver sus propios dilemas.

  Gustavo Contarelli

Puntaje de la película: 2 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Benjamín Vicuña 2 Tribunas

Puntaje actor de reparto: Osmar Núñez 5Tribunas ¡Excelente!

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas:mala /pésima