Ficha Técnica / Artística:

Título original: Los Prójimos.

Dramaturgia: Carlos Gorostiza (derechos otorgados por Argentores). Dirección / Adaptación: Nicolás Yannicelli.

Reparto: Tomás Blatt, Alejandro Monetta, Antonella Lagamba, Claudio Sirna, Nela Shagrosky, Martha Tallaguirre.

Género:Comedia Dramática –Voz Over: Mumy de los Ríos.

Producción General:Perspectiva Producciones / Antonio Lagamba.

Arte y Escenografía: Cristian Tito–Fotografía: Edd C Rost.

Vestuario: Antonella Lagamba –Diseño gráfico: Victoriano Pololla.

Fotografía: Edd C Rost –Maquillaje: Mechi L.

Sala: Teatro Porteño, Av. Corrientes 1630 / CABA.

Web: www.teatroportenio.com.ar

Tel: (011) 4372 - 5474–Día y horario: domingos: 20 hs.

Costo localidades: $ 300 –País: Argentina – Año: 2017 – Duración: 80min. Fecha de estreno: 04-06-2017.

La pieza literaria “Los Prójimos” escrita en 1965 por Carlos Gorostiza (1920 -2016), fue Premio Nacional de Teatro – 1967. Convertido en otro texto canónico, eldramaturgo de marras formó parte del «nuevo realismo» del teatro argentino. Una escuela donde el autor cree que la realidad se presenta hasta cierto punto equilibrada, lógica, y que puede reflejarse tal como es. El espectador asiste al juego crítico de la burguesía porteña; a su inconsistencia ideológica, y la persistente fascinación de evadir la responsabilidad social. El teatro realista argentino se funda en la creencia de una mirada comprometida, donde lo que allí se expresa tiene una clara función solidaria.

Argumento. Asistimos a una historia minimalista en dos actos: el primero en el espacio-tiempo de 1960; segundo acto, en los 2000. Tiempo presente. En el interior de un departamento de clase media, un montaje de época reúne a Lita (Nela Shagrosky) y Hugo(Alejandro Monetta), dueños de casa. El tercer personaje: Tito. Amigo de Hugo, que los visita cada noche. Completan elenco la vecina Rosa(Martha Tallaguirre),que pide prestado el teléfono; su marido Felipe(Claudio Sirna),un hombre enfermo y taciturno; y la vecina bonita (Antonella Lagamba) a quien envidian y desean. Sus vidasse verán atravesadas por los gritos de una mujer agredida por su pareja. Una súplica proveniente de los pisos inferiores. Este espectáculo es observado desde el balcón por los 6 personajes. Un buen cuento de principio a fin.

La elipsis espacio-tiempo, un logro en la adaptación del director Nicolás Yannicelli, multiplica la resolución del conflicto sin fin: La violenciaque se desata afuera y que observan desde el balcón, expone las miserias humanas en doble plano: el individual y el colectivo. Individual, ocurre en un cuarto piso con balcón, donde hay discusiones de tinte político;la supuesta movilidad clasista que trajo el peronismo; sitúa toda posibilidad de agresión en la rivalidad de clases proletarias versus el liberal pequeño burgués que confronta con los sindicatos y sus secuaces. El otro, “el balcón” - verdadero disparador narrativo – donde se escucha el famoso “no te metás argentino”; la apatía, y esa industria del chisme tan caro a la hora de despotricar contra el diferente. ¡Algo habrán hecho! se escucha también.

Los textos trabajan la bondad y el ocio de una pareja convencional y la relación con sus vecinos. Juntos ¡son dinamita! Todo puede ocurrir. Un auténtico delirio de ocurrencias y situaciones disparatadas, donde categorías de razón política y moral se asocian para definir el presente histórico. Una adaptación inteligente – de inicio en 1965, pero a mitad de camino la estética se moderniza a nuestros días –, sin cambiar la esencia de la historia, creando un paralelismo social entre las dos épocas. La paradoja delrégisseurYannicelli se percibe en la platea: La incomunicación ausente en los ‘60 está tan o más presente en los 2000. Este Cambalache siglo XXI donde hay más tecnología de la información (internet, celulares, redes sociales, etc.), concluye en un mundo “observacional” – de fetichismo visual – y no de intervención manifiesta al prójimo.

El perfil psicológico y conductual de cada personaje se siente: compone verdaderos opuestos y de confronto. Clisés y personajes extravagantes que, en algún punto, se identifican con estas posibilidades. Caricaturas risueñas del mediopelo argentino, y la movilidad social. En esta caja de Pandora se observa: una vecina extravagante, excéntrica, dedicada a la industria del chisme dentro del condominio; un matrimonio joven inexperto en la comunicación de pareja y el amor. Lo que se debate en el pensamiento del autor, es la violencia doméstica / intrafamiliar, y su resolución. Desde lo personal y lo colectivo. Tomar partido o no, es una metodología de iniciación histórica.

Para el final, el personaje de Tito, como modelo superador en la construcción de un protagónico entrañable y multiplicador: un solterón empedernido, el pequeño burgués desencantado de los sindicatos o gremios. Les pasa factura a todos. Por su rol de actor gira toda la dramaturgia. Incluso hay un quiebre, un Insight:“necesito de alguien que me cuide”. Por el uso del espacio escénico y el poder de repentización para regalarnos costumbrismo social bien entendido; es la vara para medir la moral secular de una sociedad hipócrita que esconde lo que le asusta, y muestra lo que no tiene. La metodología campo-fuera de campo, como modelo de observación desde el balcón. Un disciplinador en el arte de fisgonear y ocultar las miserias de la condición humana.

La obra es un espejo donde el autor pretende que nos miremos para reflexionar sobre la identidad hacia adentro y hacia el afuera. Dos planos de la misma realidad. ¿El realismo crítico de Gorostiza deja lugar a la esperanza y el cambio?“Siempre encontraremos gente que te que te quiere culpar de sus fracasos, y cada quien tiene lo que se merece” - respondería el genial William Shakespeare.

Concluye el segundo acto y el juego del teatro. Se asocia el emocionante Rendezvous de autor: Un cuadro de personajes en oposición y la metáfora de la incomunicación global. El creador del “Teatro Isabelino”imaginó hace siglos elrealismo social y sus contradicciones:“Palabras, palabras, palabras” (Hamlet / Segundo Acto).

Puntaje de la obra de teatro: 4 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Tomás Blatt 5 Tribunas ¡Excelente!

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

Tribuna de Periodistas dialogó con Tomás Blatt, cuyo protagónico brilla con luz propia en “Los Prójimos”.

–Su personaje de “Tito” como centro del espacio escénico: ¿Cómo lo construye?

–

–Dicen los maestros que el actor lleva dentro de sí todos los personajes posibles, es cuestión de buscarlos. En el caso de “Tito”, lo encontré en la parte de ese “enano fascista” que llevamos dentro. Lo busqué y construí también desde el exterior, desde el lugar en que vi en muchos de nosotros, lo vivido y escuchado en mi juventud salió. Por otra parte tomé la soledad de “Tito”, que va todas las noches a charlar con su gran amigo Hugo, para no sentirla tanto. La comparé con la vida “protegida” de Felipe, lo cual me ayuda a alimentar toda esa reacción y casi odio que depositara en él. “Tito” es soledad, insatisfacción y falta total de empatía: si no me quieren –quizás porque yo no me dejo –entonces tampoco querré. Si es el nexo, es porque va diciendo y sacando afuera lo que muchos de ellos piensan en realidad y dado su falta de filtros lo dice y permite que los otros se plieguen o no, caso la vecina. Que los otros tomen partido por una posición u otra. Es casi la contra conciencia de la vecina.

–El segundo acto –de aggiornamiento de Nicolás Yannicelli –es superador al primero. Por emoción, dinámica grupal, y contradicciones de lo jugado. ¿Cómo lo observa?

–El acto 2 puede que sea visto como superador, pero no creo que sea por el aggiornamiento (más allá que esta vuelta de tuerca es magistral para llevarnos a la conclusión). La superación me parece viene ya del texto de Gorostiza. En el acto dos todos muestran sus cartas, si es que aún faltaba hacerlo. Evaden responsabilidades habiendo tomado una supuesta decisión, se agrupan en su miseria, destilan lo que son. “Tito” parecería mostrar algún atisbo de empatía, pero es sólo para ser parte y no ser ayuda y terminar así tomando con total naturalidad lo que sucedió.

–En la conclusión del relato,ellugar de encuentro autor–público, y el cuadro final: ¿Las contradicciones sociales de los ‘60 vuelven en los 2000?

–Claramente es la cachetada final que nos dan el autor desde texto y director desde puesta. Los ‘60 y los 2000 son iguales, la esencia no cambió… (Ni cambiará cuando seamos muchos más en el 3000, me animo a decir). Diría que sí, la incomunicación, el dar la espalda, “el no te metás” persisten. Más allá de la toma de conciencia mucho mayor hoy en día por algunos temas, desde ya por la violencia de género y los derechos humanos en general, parecería que Gorostiza nos dice que todo lo negativo aún está y estará presente. Es innato del ser humano. Incluso puede convivir con el amor, la amistad, el compañerismo o los sentimientos maternales.

Gustavo Contarelli

Ficha Técnica / Artística:

Título original: Currículum Vitae.

Dramaturgia: Sobre textos de Roberto Arlt, Osvaldo Dragún, Cristina Merelli, Maestro y Vaimann.

Dirección / Adaptación: Julián Márquez –Género: Comedia Dramática.

Reparto: Nicolás Yannicelli (El Jefe), Analía Gastaldi (La Empleada), Alejandra Mussaco, Sergio Tito, Emanuel Ochoa, Mariano Fernández, Andrés Ponce, Lara Presentado (Renata)–Producción General: Sentir Arte.

Arte y Escenografía: Julián Márquez, Alejandra Mussaco.

Fotografía y diseño: KL Diseño –Vestuario: Sentir Arte

Sala: Teatro Maipú, Av. Maipú 380 / Banfield (Prov. Bs.As.).

Costo localidades: www.sentirarte.com.ar (Precios y contratación).

País: Argentina – Año: 2017– Duración: 80min.

Fecha de estreno: 21-05-2017 –Próxima función: 12-07- 2017 (10 y 14 hs.) y 05-10-2017 / Teatro Raúl Soldi (Rafael Obligado 336, Glew): 03- 07-2017.

En otra producción de Sentir Arte, en el coqueto Teatro Maipú (Banfield), llega “Currículum Vitae”. Son cuatro relatos breves de diferentes autores – articulados en un sólo envío – donde el eje narrativo gira en torno al trabajo, la búsqueda del deseo y la realización profesional. Una mirada crítica de la opresión y despersonalización propias del capitalismo y sus contradicciones. No obstante, la esperanza y la convicción en la superación personal saldrán a escena para confrontarla.

Argumento. La pieza se organiza en cuatro textos de autores diferentes: “La Isla Desierta” (Roberto Arlt); “El Hombre que se convirtió en Perro” (Osvaldo Dragún); “Vengo por el Aviso” (Cristina Merelli) y “Vocación”, (Maestro y Vaimann). La impronta narrativa de Arlt y Dragún, son la fuerza núcleo de una dramaturgia clara, profunda y reflexiva. Como lecturas obligadas de autores que redefinieron lo temático y lo lingüístico en la relación artista-época. La estética de la repetición de sucesos que le ocurre a un hombre – tras frustrados intentos de conseguir un empleo – y decide trabajar de perro. La desocupación, la desesperación, y los espacios de explotación y maltrato del ser humano, se juegan en una puesta arriesgada y actual.

Sentir Arte es un grupo de teatristas con una logística pedagógica sui géneris. Teatro didáctico que crea escuela y ciudadanía. Dirigida a alumnos de nivel secundario, una pieza provocadora para desafiar la pereza de las emociones y el pensamiento a través de historias de maltrato y superación. Invita a pensar la deshumanización, el conformismo, la marginalidad y el abuso de poder. Llanto, risas, amor y realidad en una trama borderline: ¿Cuál es el límite de la razón y la desesperación? ¿Hasta dónde somos capaces de llegar? ¿El fin justifica los medios? Un principio de moralidad secular se hace presente.

El lenguaje de la representación posee un hilo conductor manifiesto: el diagnóstico de violencia y acoso laboral. Problemática muy presente en la modernidad. Hay un nivel de frustración donde los personajes muestran sus miedos, miserias y sueños rotos. En la búsqueda laboral, “El Jefe” (Nicolás Yannicelli), construye un “villano” peculiar: un selector de personal que juega con la desesperación de la gente y degrada al postulante. “La “Empleada” (Analía Gastaldi) su partenaire de lujo. Con la dramaturgia al hombro, este torbellino de talento y generosidad actoral impregna tensión e histrionismo sobre tablas. El uso y la explotación del espacio escénico le son connaturales. Así, es la propia Gastaldi quien conceptualiza la pieza: “no darse por vencido; hay que perseguir los sueños y la vocación que tenemos. Eso nos hace feliz”.

El resto del elenco de “Currículum Vitae”lo integran: Alejandra Musacco, Mariano Fernández, Sergio Tito, Lara Presentado, Andrés Ponce; con la dirección y adaptación de Julián Márquez. Los personajes salen a escena con una bolsa de papel cubriendo sus cabezas. Que en fila india esperan ser entrevistados en la búsqueda del trabajo salvador. Simbolismo de multitudes de individuos anónimos en soledad que esperan. Un inteligente recurso descriptivo, que denota invisibilización del sujeto y la anomia social que se inserta. Lo absurdo, el humor negro, lo simbólico, lo realista, se entroniza con la música incidental del “2x4”. Es el tango y la nostalgia de un tiempo que se fue.

La búsqueda de empleo y el conflicto social de la obra concluye: Hay un lugar de encuentro y quiebre donde la platea se identifica con la puesta y lo jugado. Arremete contra la visión utilitarista de la vocación de los hijos asociada a carreras liberales exitosas. Son los hijos que deciden la vocación no los progenitores. Rompe con los guiños de preceptos morales tradicionales sobre el deber ser. Quizá, la felicidad habría que buscarla como hizo el multifacético Roberto Arlt, en un pequeño laboratorio químico de Lanús. Allí, sus inventos sin fin: las medias de mujeres reforzadas que no se corren. Es la vocación una entelequia humana.

Puntaje de la obra de teatro: 3 ½ Tribunas

Puntaje actor protagónico: Analía Gastaldi 5 Tribunas ¡Excelente!

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

 Tribuna de Periodistas dialogó con Julián Márquez (foto),director de la obra “Currículum Vitae”:

–¿Cómo trabajó los textos de Arlt, Dragún y compañía, en un sólo relato?

–

–El objetivo era poder armar una obra sólida en relación a estos 4 excelentes textos que desde el vamos son muy diferentes en estilos entre sí. La adaptación fue un desafío hermoso donde se combinó igualdades y diferencias. Es la clave de la adaptación: la búsqueda de la esencia y la problemática en común de los personajes.

–La música incidental del “2X4”, trae nostalgia e identidad ciudadana. Junto a la incertidumbre de la desocupación que asedia a la sociedad: ¿Es el empleo o la vocación el eje de la obra?

–Es la vocación, la deshumanización y el sistema perverso donde estamos sumergidos. Perseguir los sueños sólo puede ser una utopía. Queremos romper con este precepto. Priorizar la felicidad del ser sobre la producción de un sistema socio-económico perverso.

–El personaje de “El Jefe” (Nicolás Yannicelli), como símbolo del realismo económico o un disparador de narrativa: ¿la bondadde “La Empleada”versus el villano?

–El personaje de “El Jefe” es la opresión, la peor cara de la realidad económica y social que atraviesa al ser humano, donde el poder importa más que la vida. La conciencia limitando nuestras pasiones. La contracara es la adolescente (Lara Presentado) que lleva adelante sus sueños, enfrentando al resto de los personajes.

 Gustavo Contarelli

La fiesta de los premios Martín Fierro a lo mejor de los contenidos de televisión de aire que realiza anualmente APTRA (Asociación de Periodistas de la Televisión y la Radiofonía Argentinas) se llevó a cabo el domingo 18 de junio pasado, desde el suntuoso Hotel Hilton (Canal 13. / 21.15 hs.). Cuando la ceremonia se cumplía en tiempo y forma – el singular aditivo un elenco de artistas oscurantistas y su liturgia: «la exacerbación de la dialéctica populista K». El tópico no es nuevo, tampoco el mamarracho de sus aportes a la gala. (Ver:http://periodicotribuna.com.ar/8600-la-television-basura-y-los-artistas-genuflexos.html). La televisión basura y los artistas genuflexos recargados.

Para entender la lógica posmoderna de los artistas alcahuetes y serviles del relato kirchnerista, sugiero abordarla desde la psicología de la mentira: mienten para salvaguardar la imagen que se tiene sobre ellos; la principal razón de la mentira es la vergüenza. La mentira no sólo oculta la verdad, sirve para enmascarar y favorecer la opinión social, dando seguridad y protección al que miente. Todo el discurso / relato K es un plano secuencia de mentiras. Viven y explotan la mentira como una realidad social. La falacia metodológica es la posverdad. Una contracultura torpe y “berreta” su presentación.

Son los mismos actores bravucones, llenos de rencor y odio al que piensa y siente diferente. El juego de la democracia republicana no lo entienden. Son torpes. Se nota. Los artistas (¿?) Pablo Echarri, Nancy Dupláa, Gerardo Romano, son individuos que cacarean por izquierda, ponen los huevos ycobran por derecha. Juntos conforman ese “Acting de hipocresía” del mediopelo y exudan su contradicción. Unas de las primeras lecciones en el arte escénico, es la “composición del personaje”; la declamación y la ocupación del espacio escénico. Los de marras, hasta en eso son amateurs. Analicemos “el discurso político” de los actores militantes, que no deberían prestarse en una ceremonia de fiesta y alegría del arte y la comunicación, aplicando la psicología del comportamiento para refutar a estos advenedizos y su inconsistencia discursiva:

Caso 1: Pablo Echarri. Al recibir el Martín Fierro por “La Leona” (de su productora El Árbol, propietario junto a Martin Seefeld. Hoy rota la sociedad). Echarri / Acting 1: “Se lo quiero dedicar a todos los que estuvieron identificados con “La Leona”, que intentó ser una novela más pero en el momento en que cayó terminó representando a una gran cantidad de gente, quiero agradecerles a los desocupados y a todas las cooperativas que fueron la mayor expresión de trabajo en un momento donde las cosas son adversas” (1)

Seefeld, a su turno quiso poner un manto de piedad: "Me siento muy orgulloso por este premio, le quiero agradecer a todos los que confiaron, a todo el equipo técnico y quiero destacar que se puede trabajar pensando y sintiendo diferente pero con respeto y profundo amor por lo que hacemos".

Caso 2: Nancy Dupláa. Que toma el micrófono y representa su papel libertario /de heroína, de crítica social a la “división internacional del trabajo” (como si fuera una militante del prehistórico Partido Obrero). Dupláa / Acting 2: "Cuando un determinado sector quería boicotear la novela, ellos se la pusieron al hombro”. Así, embistió contra el actual gobierno de Cambiemos al sostener que se cerraron fábricas en este año y medio. El tándem de actores Dupláa & Echarri, concluyen al levantar el premio con la dedicatoria: "a los desocupados y a las cooperativas". Ambos, son el verosímil de los que gobernaron ayer, y se victimizan en “La Grieta” de hoy. Ellos fueron parte del mismo sistema de exclusión kirchnerista, que hoy dicen combatir en el macrismo. (1)

El Árbol, es una productora de multimedios con sede en CABA. Fue creada en 2010, por Pablo Echarri,Martin Seefeld y Ronnie Amendolara. En 2015, El Árbol estuvo a cargo de la producción de “La Leona” junto con Telefé. La misma es una Sociedad Anónima (S.A.), no una Cooperativa. En la S.A. el factor principal es el capital; en la Cooperativa, el trabajo; la primera tiene fines de lucro, la segunda no. En la S.A. los accionistas son los dueños, en las cooperativas, los asociados. En una palabra: si tanto le preocupa por solidaridad, la gente, los obreros, sus empleos y /o familias ¿por qué no transforma su negocio (El Árbol) en una cooperativa?¿Qué sea un socio más en una cooperativa y perciba los ingresos que le corresponde? Por lo visto, son nacionales y populares (en el discurso), pero no boludos. (2 y 3)

Esta pareja de artistas tan peculiar, parece que ha vivido durante la “Década Saqueada Kirchnerista”, en una organización social y política digna de los países nórdicos: que los K han dejado una educación como Finlandia; una distribución del ingreso y una inversión en ciencia y tecnología como Suecia, y una oferta laboral y respeto por los DD.HH. como Noruega. ¡Patrañas! Es el dogmatismo de contracultura – representado por personajes en la construcción del villano – que vuelve por su poder perdido. La mentira que se hace pasar por verdad. La falacia se llama Dupláa, Echarri, Romano, o el impresentable Diego Brancatelli. Incluso este adulador todoterreno, arremetió contra el periodista Jorge Lanata y le dejó una muñeca de regalo: “La Cristinita de la suerte” / "Para cerrar la grieta", le dijo. Lanata se rió y le respondió: "Me parece una boludez, pero está todo bien”. Es el info-entretenimiento arropado de arte escénico. La narrativa siempre la misma: el dogma kirchnerista y su división del mundo en amigos o enemigos. (1)

Con todo, La Sociedad de Actores que dirige Pablo Echarri perdió un juicio en España. Tendría que dar explicaciones de su gestión en la SAGAI (Sociedad Argentina de Gestión de Actores e Intérpretes), que recauda derechos de imagen y sostiene un conflicto con la española AISGE (Artistas Intérpretes Sociedad de Gestión). Argentina no tiene reciprocidad. Así expresa la actriz española Pilar Bardem –presidenta de AISGE – y madre de Javier Bardem: “Cuando una entidad de gestión recauda en nombre de determinados titulares de los derechos y una vez recaudado comienza a tomar decisiones de naturaleza mercantil y altera el reparto equitativo comete el mayor de los atentados contra la democracia, la justicia, la transparencia y la dignidad de los colectivos que administramos y que nos han depositado su confianza”. Ni con los españoles ni con los compatriotas. La justicia española emitió un duro fallo contra SAGAI. Sospechan que hubo administración fraudulenta de los fondos. (2)

En fin, “La Leona” muestra las miserias de los protagónicos: una doble moralidad y la hipocresía de un clan de aplaudidores y lacayos que, disfrutaron las mieles del poder y hoy, resisten la pérdida del mismo. Echarri, Dupláa y Romano, simbolizan lo peor de la militancia rentada o prebendaria. Son capangas – buenos para nada– que más temprano que tarde: ¡Una sombra ya pronto serás!

 Pablo Echarri desmintió que hayan querido agredir al periodista Paulo Vilouta. Se lo puede ver haciendo un gesto obsceno mientras Vilouta recibía su premio: La estupidez de los artistas K es ilimitada.

 “El Marginal”. Mejor Programa Unitario y /o Miniserie: Canal 7 TV. Pública Argentina. Martín Fierro de Oro 2017.

- Julieta Díaz. Mejor Actriz Protagonista en Unitario y / o Miniserie: “Silencios de Familia”.

- Adrián Suar. Mejor Actor Protagonista en Unitario y /o Miniserie: “Silencios de Familia”.

- Antonio Gasalla. Mejor Labor Humorística: “Susana Giménez”.

- Maite Zumelzú. Mejor Actriz de Reparto: “Por Amarte Así”.

- “NotiCampi”. Mejor Programa Humorístico /De Actualidad.

-Susana Giménez. Mejor Programa de Entretenimiento. Telefé.

- “El Marginal”. Mejor Programa Unitario y /o Miniserie: Canal 7 TV. Pública Argentina.

- Luis Novaresio. Mejor Labor Periodística Masculina / “Desayuno Americano”.

-“Telenoche”. Mejor Noticiero. Canal 13 (ARTEAR).

- “Carburando”. Mejor Programa Deportivo. Canal 13.

- “La Noche de Mirtha”. Mejor Programa de Interés General. Canal 13.

-“Showmatch”. Mejor Reality. Canal 13.

- “Panam y Circo”. Mejor Programa Infantil / Juvenil. Canal 13.

- “El Diario de Mariana”. Mejor Magazine. Canal 13.

- “Calles Felices”. Mejor Aviso Publicitario. Leo Burnett Argentina.

-“Intratables”. Mejor Programa Periodístico. América TV.

-“Pasión de Sábado”. Mejor Programa Musical. América TV.

-Paulo Vilouta. Mejor Panelista. “Intratables”.América TV.

- Diego Ramos. Mejor Actor de Ficción Diaria /Comedia. “Educando a Nina”.

- Griselda Siciliani. Mejor Actriz Protagonista de Ficción Diaria /Comedia. “Educando a Nina”.

- Guillermo Salmerón. Mejor Autor /Libretista. “El Marginal”.

- Adrián Caetano. Mejor Autor / Libretista. “El Marginal”.

- Andrea Rincón. Revelación. “La Leona”.

- Miguel Ángel Solá. Mejor Actor de Reparto. “La Leona”.

- Telefé. Mejor Ficción Diaria. “La Leona”.

- Nancy Dupláa. Mejor Protagonista de Ficción Diaria /Drama. “La Leona”.

-“Ambiente y Medio”. Mejor Programa Cultural /Educativo. TV. Pública Arg.

- Diego Torres. Mejor Cortina Musical.

- Juan Darthés. Mejor Actor Protagonista de Ficción Diaria / Drama. “Los Ricos no piden Permiso”.

- Marcelo Tinelli. Mejor labor en Conducción Masculina. “Showmatch”.

- Alejandro Ripoll. Mejor Director. “Showmatch”.

- MirthaLegrand. “Premio de Brillante”.

- Ignacio Otero. Mejor Cronista / Movilero. “PPT”. “Telenoche”.

- “El Marginal”. Premio de Oro. Canal 7 TV. Pública Argentina.

- MirthaLegrand. Mejor Labor en Conducción Femenina. “Almorzando con Mirtha Legrand / La Noche de Mirtha”.

- Ramón Andino. Premio Honorífico.

- Luciana Geuna. Mejor Labor Periodística Femenina. “PPT” / “Telenoche”.

-Susana Giménez. Premio a la Trayectoria.

Nancy Dupláa y su discurso político en los Martin Fierro.

 Martín Fierro 2017 / el regalo que Diego Brancatelli le llevó a Jorge Lanata: el gran papelón de la noche.

Gustavo Contarelli

Referencias:

1)http://www.lanacion.com.ar/2035092-martin-fierro-2017-pablo-echarri-hablo-sobre-su-polemica-foto-junto-a-nancy-duplaa

2)http://www.perfil.com/espectaculos/un-acuerdo-que-genera-dudas-entre-los-actores-0402-0084.phtml

3)http://www.lanacion.com.ar/1895480-victimas-de-la-grieta-pablo-echarri-y-martin-seefeld-disolvieron-su-sociedad

Ficha Técnica / Artística

Título original: Madre Amadísima.

Dramaturgia: Santiago Escalante.

Dirección / Puesta en escena: Daniel Cinelli.

Reparto: Oscar Giménez–Género:Unipersonal / Drama.

Voz over: Femenina,Pepa Luna / Girasol, Santiago Escalante.

Vestuario: Paula Molina – Diseño gráfico: www.conamor.org

Operación de luces: Matías Canony,Mario Gómez.

Sonido: Alejandro Piar– Fotografía: David Rosso.

Prensa y RR.PP.: Alfredo Monserrat / www.alfredomonserrat.com.ar

Sala: Teatro Buenos Aires, Rodríguez Peña 411 Esq. Corrientes / CABA.

Web:www.teatrobuenosaires.com.ar

Costo localidades: $ 300 – Reservas: 5218-5214.

País: Argentina – Año: 2017– Duración: 90min.

Fecha de estreno: 03-07-2017 – Hasta: 28/08/2017–Funciones: lunes 21 hs.

El dramaturgo español Santiago Escalante, estrenó en el Teatro Buenos Aires su obra “Madre Amadísima”. El unipersonal interpretado por el multifacético actor Oscar Giménez, tiene la nueva versión del texto original y montaje adaptados por el propio ibérico. Una prosa con elementos simbólicos lorquianos, que fusiona estilos narrativos de lo gestual, lo metafórico y lo flamenco. El resultado: una profunda-dramática y entretenida pieza teatral.

De la pieza expresa el autor: “es un caso atípico, con un texto que nace como obra teatral, que luego se convirtió en película, luego en novela, y que ahora se estrena en Buenos Aires. Pero también hay otras vías abiertas para estrenarla en México, Brasil o Cuba”. ¿Qué encontrará el espectador en este unipersonal con acento español y algo más? Una historia minimalista, de un costurero /modisto, atravesada por el franquismo y la tortuosa relación de una familia disfuncional. Los prejuicios de época; una sociedad pacata y el humor ácido andaluz que se las trae. Una buena opción de literatura teatral y entretenimiento. No es poco.

Argumento: Es la historia de Alfredito– en la epidermis de Oscar Giménez (”El Buen Canario”, de Zach Helm): un “maricón de pueblo” (SIC), nacido en 1954 en la Baja Andalucía, con una madre estupenda, un padre de férrea disciplina tradicional y conservadora, en una sociedad pacata y prejuiciosa. De oficio sastre /vestidor de la virgen. Transforma los recuerdos tristes y penosos en jocosa alegría andaluza. Crece durante el régimen político de Francisco Franco. Su tortuosa infancia; el despertar homosexual; el servicio militar; la militancia en el Partido Comunista; sus amistades, la adorada madre y la virgen negra (el maniquí), su confidente. Alfreditolucha por ser feliz, sufre y ríe con las mismas emociones que cualquier otro ser humano, en cualquier tiempo y lugar.

Como todo unipersonal /monólogo / soliloquio, hay que tener en cuenta los siguientes guiños que el dramaturgo monta en el espectáculo: hay un sólo discurso que genera el protagonista (Giménez). El personaje no se dirige a un interlocutor material sino ideal. Es auténtico y desenfadado. Se expresa con la voz y el pensamiento. Hay voz over desde el exterior del espacio escénico que juega con el público y enriquece la puesta. El monólogo de Alfredito enmascara otra realidad: hay diálogos que efectúa el personaje consigo mismo y con el fetiche, el maniquí de la Virgen. El texto posee la impronta del culturalismo español y la riqueza de los poetas de su clase. Así, articula con éxito la expertez del Régisseur Daniel Cinelli.

El spot publicitario reza: “Todos tenemos derecho a nuestra parcela de felicidad”. Es el deseo del protagónico. En un montaje minimalista, el sastre, la silla y el maniquí de la Virgen. Asistimos al «Teatro Conceptual», como una manera de cuestionar la naturaleza del arte escénico. El monólogo de Alfredito es una crónica de momentos buenos y malos. De violencia doméstica, de tensión. Es una crítica social al oscurantismo español. ¿Pero cómo sale de la retórica pesimista? Con la poderosa fuerza del humor que alecciona y descomprime contracturas. Nos amiga con otra realidad y sus sueños.

La crítica literaria encontrará obstáculos cuando una obra – como “Madre Amadísima”– hecha con modismos de un terruño determinado no universal, de forma que la asimilación entre nación y lengua quede en entredicho: la nación española y los otros países donde se monte la pieza. Hay mucho ornamento y poca elipsis /síntesis: 90 minutos es redundante. 60 minutos sería superador. Lo bueno, si breve, dos veces bueno ¿verdad?

Cae el telón de la representación artística. El trabajo de Oscar Giménez es demoledor. Un saber-hacer para transformar la ficción en realidad y su construcción de verosímil con autoridad. En ese maridaje de literatura contemporánea, la metáfora del poeta Evaristo Carriego en “La costurerita que dio aquel mal paso”. La costurerita/to deberá distinguir entre vestido y disfraz, uno de los mayores desafíos de su oficio.

“¡Qué cara tenía la costurerita,
qué ojos más extraños, esa tardecita
que dejó la casa para no volver!”

Puntaje de la obra de teatro: 4 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Oscar Giménez 5 Tribunas ¡Imponente!

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima 

Gustavo Contarelli

En los cursos que el Nobel de Literatura (2010) Mario Vargas Llosa ofrece en la Universidad Complutense en el Escorial (España), abordó un tema siempre candente: su relación personalcon otro peso pesado del arte de la escritura: Gabriel García Márquez(1927-2014).El pasado jueves 6 de julio de 2017, dentro de un programa dedicado al autor de “Cien años de soledad”, dio precisiones sobre el legado de “Gabo”. La vida del polémico ensayista colombiano, va más allá de las contradicciones: vivir como burgués y apoyar las dictaduras latinoamericanas. Ha redoblado la apuesta como plumífero contracultura, enemigo de la ciencia y el progreso humano. ¡Todo a favor! (1).

Habló del origen de su amistad allá por 1967. Hasta su ruptura por cuestiones políticas en 1976, en gran medida por la postura antagónica sobre la Revolución Cubana. Ambos fieles exponentes del “Boom Latinoamericano” (un fenómeno literario que surgió entre los años 1960 y 1970), que compartieron momentos de candor, separados por “La Grieta” del populismo autoritario latinoamericano. Tras explicar las diferentes ideas, el escritor peruano ha dicho que “trasel distanciamiento, nunca tuve contacto con él y jamás volví a estar con él" / "García Márquez tenía sentido práctico de la vida, descubrió en ese momento que era mucho mejor para un escritor estar con Cuba que estar contra Cuba, él se libró del baño de mugre que recibimos después todos los críticos". (1 /2)

Con todo, el intelectual peruano recordó que ambos son subsidiarios de un referente común: el modernista norteamericano William Faulkner (1897 – 1962). Márquez en “Vivir para contarla” y Vargas Llosa en “El pez en el agua”, admiten su influencia en la narrativa. Vargas Llosa hace una crítica retrospectiva a la batalla cultural de la izquierda latinoamericana: “La izquierda es la que tiene el gran control de la vida cultural en todas partes, y de alguna manera enemistarse con Cuba, criticarla, era echarse encima un enemigo muy poderoso y además exponerse a tener que estar en cada situación tratando de explicarse, demostrando que no eras un agente de la CIA, que ni siquiera eras un reaccionario, un pro-imperialista. Mi impresión es que de alguna manera la amistad con Cuba, con Fidel Castro lo vacunó contra todas esas molestias”. Verdad de Perogrullo, ya que “Gabo” cultivó una amistad fecunda con el tirano Fidel. (1/2)

El Premio “Príncipe de Asturias de las Letras” (1986), rememoró la fascinación que tenía el creador de Macondo por el poder: “García Márquez tenía una fascinación enorme por los hombres poderosos, su fascinación no solo era literaria sino también vital, un hombre capaz de cambiar las cosas por el poder que tenía le parecía una figura enormemente atractiva, fascinante. Se identificaba muchísimo con esos poderosos que habían cambiado su entorno gracias a su poder, en el buen sentido y en el mal sentido por igual. Un personaje como el Chapo Guzmán creo que le habría fascinado a García Márquez, inventar un personaje como el Chapo Guzmán o como Pablo Escobar estoy seguro de que para él sería tan absolutamente fascinante como Fidel Castro o como Torrijos”.

“Como escritores vivimos un periodo en el que la literatura latinoamericana era una credencial positiva. Descubrir que de pronto soy el último sobreviviente de esa generación y el último que pueda hablar en primera persona de esa experiencia es algo triste”, concluyó. (1/2)

Mario Vargas Llosa, no recordó en ningún momento el apego que García Márquez tenía por el esoterismo y las pseudociencias. Por eso lo hago a continuación. Y no hablo de su escuela el realismo mágico /fantástico, ya que es literatura ficcionada, y está en todo su derecho creativo. Me refiero a sus afirmaciones y ataques a la ciencia y al progreso de la civilización. Un solo ejemplo para ilustrar su prosa contracultura, marginal y oscurantista: su afición por la astrología, clarividencia, ovnis y otras yerbas me exime de comentarios: (3)

(Pregunta de entrevista) “– ¿A qué atribuye esta persistencia de algunos científicos en negar, no ya la posibilidad de que existan naves extraterrestres, sino también el fenómeno en sí?
– Lo que pasa es que la humanidad no supo merecer la sabiduría de los alquimistas, que consideraban el laboratorio como una simple cocina de la clarividencia, y ahora estamos a merced de una ciencia reaccionaria cuyo dogmatismo ramplón no admite las evidencias mientras no las tenga dentro de un frasco. Son científicos regresivos que niegan la existencia de los marcianos porque no los pueden ver, sin preguntarse siquiera si los marcianos no serán los microbios que nos hacen la guerra dentro del cuerpo.
Mientras la ciencia sea experimental – y no clarividente, como lo fue la alquimia y como sólo puede serlo la poesía en nuestros tiempos – la humanidad seguirá formando parte del reino de los percebes(crustáceos). Seguiremos viendo con la boca abierta esos discos luminosos que ya eran familiares en las noches de la Biblia, y seguiremos negando su existencia aunque sus tripulantes se sienten a almorzar con nosotros, como ocurrió tantas veces en el pasado, porque somoslos habitantes del planeta más provinciano, reaccionario y atrasado del Universo”. (4)

 El populismo ilustrado de García Márquez – ha seducido con su lírica comunofascista – al tiempo que disfrutó de las mieles del capitalismo burgués; no fue la única contradicción en su relato. El realismo fantástico abrevó enla obra de Louis Pauwels y Jacques Bergier, “El Retorno de los Brujos” (1960), de enorme influencia en la literatura latinoamericana. El populismo ilustrado de ayer, hoy es un espectro que se cierne sobre Europa: el espectro de «La Izquierda Anticiencia o “La Izquierda Feng Shui». (4 /6)

Pier Paolo Pasolini. Escritor, poeta y director de cine. Su crítica magistral al autor de “Cien años de soledad”: «Márquez es sin dudas un fascinante burlón, y tan cierto es ello que los tontos han caídos todos»(6)

Gustavo Contarelli

Referencias:

1)https://cultura.elpais.com/cultura/2017/07/06/actualidad/1499366796_414985.html

2)https://cultura.elpais.com/cultura/2017/07/07/babelia/1499445200_348553.html

3) Tesis Doctoral: Margarita Blancohttps://repositorio.uam.es/bitstream/handle/10486/10331/52463_Borrero_blanco_mariamargarita.pdf?sequence=1

4) http://confabulario.eluniversal.com.mx/ovnis-en-macondo/

5) “La Izquierda Feng Shui” / “La Izquierda Anticientífica” http://magonia.com/2017/06/28/izquierda-feng-shui/

6)http://www.elpais.com.co/entretenimiento/cultura/las-figuras-publicas-que-atacaron-la-obra-de-garcia-marquez.html

Ficha Técnica / Artística

Título original: Juegos de Amor y de Guerra.

Dramaturgia: Gonzalo Demaría.

Dirección y Puesta en Escena: Oscar Barney Finn–Género: Drama.

Reparto: Luisa Kuliok (La Madre),Diego Mariani (El Teniente),Walter Bruno (El Hijo), Sebastián Holz (Celeste Imperio), Diego Vegezzi (El Cadete). Producción: Mónica Benavidez – Arte y Escenografía:Alejandro Mateo.Iluminación: Leandra Rodríguez – Maquillaje: J.M. Pont Ledesma, O. Mulet.

Vestuario: Mini Zuccheri – Música: Sergio Klanfer–Fotografía: Javier Mollo.

Peinados: Paula Molina – Diseño Gráfico: Leandro M. Correa.

Asistencia Artística: Mauro J. Pérez, Lucía Cichitti, Mónica Benavidez.

Prensa y RR.PP.: Alfredo Monserrat / www.alfredomonserrat.com.ar

Sala: Centro Cultural de la Cooperación. Av. Corrientes 1543/ Sala Solidaridad. Tel: 5077-8000 / Boletería interno: 8313/ Costo localidades: $ 350.-/ $ 250.- Reservas: Alternativa Teatral – Web:www.alternativaentradas.com.ar

País: Argentina – Año: 2017– Duración: 80min.

Fecha de estreno: 07-07-2017 –Funciones: viernes y sábados: 22.30 Hs. / domingos 20 Hs.

El director de cine y teatro argentino Oscar Barney Finn, cuyos trabajos exhiben el exquisito método y solidez interpretativa de los que tienen formación y saben, vuelve a la Calle Corrientes con “Juegos de Amor y de Guerra”. Ahora, dirigiendo a la pareja protagónica Luisa Kuliok y Diego Mariani, con la producción de Mónica Benavidez. Una pieza necesaria para entender los convulsionados años ‘40: la posición de nuestro país en una contienda mundial, los sistemas totalitarios en Europa, y la prehistoria del peronismo. La dramaturgia comprometida con la historia y los conflictos de clase; una mirada crítica a los convencionalismos e hipocresías.

Argumento. Buenos Aires, 1942. Argentina y su neutralidad en la Segunda Guerra Mundial. No obstante, hay dubitaciones y simpatías por Eje Roma-Berlín. El Gobierno de Ramón Castillo no se resuelve: a favor de los alemanes o de los aliados. Un predicamento que parece solucionarse el 4 de junio de 1943 -con La Revolución de los Coroneles y golpe de Estado militar. Signando la suerte y la entronización histórica del militar Juan Domingo Perón. Con este trasfondo, se inscribe la presenta obra basada en un hecho real que conmovió los cimientos de la institución militar y el de una familia tradicional. La Madre (Luisa Kuliok), El Hijo (Walter Bruno) y El Teniente (Diego Mariani), atravesados por pasiones, violencia, extorsión, perversidad e intereses políticos y económicos. Lucha de clases, mascarada social, y los cambios políticos que despuntaron los inicios de una nueva época.

El texto del autor Gonzalo Demaría, trabaja la tensa relación de encuentro /desencuentro de una pareja sui géneris: Luisa Kuliok (La Madre / Carolina), una mujer snob presa de las convenciones sociales y del qué dirán – femme fatale– mujer destructiva, fascinante, demoníaca, que seduce a su paso. Su partenaire, Diego Mariani (El Teniente/Federico), rememora ser el hijo del verdulero que llegó a oficial del Colegio Militar. Él es un militar fuerte, aguerrido y determinado a sustentar hasta lo último su condición que lo estigmatiza. ¿Qué une verdaderamente a esta pareja de opuestos? En el fondo, son dos trepadores que les importa las formas más que el contenido de su moralidad secular. El resto del elenco: Walter Bruno (El Hijo), Sebastián Holz (Celeste Imperio), Diego Vegezzi (El Cadete). El hijo de Carolina, es un joven oficial con trastornos de conducta y una sexualidad no resuelta. De carácter introvertido, tiene vergüenza de su madre. Es el malestar en la trama que precede a la tragedia. Su personaje es el que sostiene el clímax del relato.

Barney Finn se vale de “montajes alternos”. Utiliza el recurso de las bambalinas transparentes, para multiplicar el espacio escénico y la narrativa visual. La escenoplástica asocia a los protagonistas de una época con guiños políticos que cuestiona la legitimidad del poder político: «La Década Infame» y el mandato de Castillo. “Juegos de Amor y de Guerra”, una comedia dramática tensa, profunda y movilizadora por los elementos jugados. Tópicos universales de bioética aporta al debate: el suicidio, la decisión capital, el travestismo, el sexo y el género, en un espacio-tiempo donde el conservadurismo popular invisibilizaba a las minorías diferentes.

El director de “Doña Rosita la Soltera” (2006), trabaja el monomontaje. Una puesta arriesgada: 1 mesa larga, 10 gorras militares, 2 sillas y 1 banco. Las bambalinas juegan un papel superador: domina la entrada y salida de los actores a escena. El mutis por el foro con precisión de joyería suiza, y las cuidadas escenas que pueden herir la susceptibilidad del espectador. El Régisseur está en todos los detalles. La montación – como lenguaje – se articula con un vestuario de época realista. Mediante el juego de luces se suceden los actos. El texto es anafórico: el último acto retoma la escena del primero. Un inteligente recurso de alteración del espacio-tiempo en la secuencia. Es el ser o no ser, la declamación, la culpa y la exoneración. Las frases cristalizadas del guión, son pedagógicas para comprender y conceptualizar la pieza: “Es tarde para todo, menos para ganarle al amor” /“La mujer comienza a pensar como un varón” / “A las minas les gusta el uniforme” (... miradas machistas del teniente).

El Teniente (Mariani), compone un personaje duro – “el semental criollo” – que tiene en claro el espíritu de cuerpo tan caro para las instituciones castrenses, contrapunto con la escena de desnudez de El Hijo (Bruno); la metáfora del vaciamiento, la crisis del joven oficial. Se entrega a un final preanunciado. La música no es incidental y melosa, es una partitura empática que simplifica narrativa. Hay tiempo para citas de adicciones a estupefacientes impensadas en la dinámica de la obra.

El amor y la guerra concluyen. El odio no. Un soberbio protagónico de Luisa Kuliok, nos obsequia su lírica en el uso de las emociones; su poder declamativo y su ubicación en el espacio escénico, condensa el exitoso Rendezvous donde el espectador, la obra y el autor, se encuentran y manifiestan: « ¡Me aferro a lo último que me queda: mi odio!» ¡Touché!

Sebastián Holz (centro). Como Celeste Imperio, un artista travestido. Instantes de musical y prosa afrancesada, con pinceladas de melodrama que multiplica la pieza. 

Tráiler oficial de la obra

Puntaje de la obra de teatro: 4 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Luisa Kuliok 5 Tribunas ¡Imponente!

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

Gustavo Contarelli

Ficha Técnica:

Título para Latinoamérica: Chávez Infinito.

Título original: Chávez Infinito.

Dirección: María Laura Vásquez–Guión: Alejandra Loprea, María Laura Vásquez– Género: Documental – Apta para todo público.

Reparto: Documentary.Entrevistas periodísticas, noticieros, archivo.

Montaje: Florencia Mujica– Música: Catara Estudio, Humberto Pérez, Miguel A. Machado – Fotografía: Miguel A. Machado–País: Argentina.

Año producción: 2017– Duración:74 min. – Estreno: 20/07/ 2017.

Cine: CINE.AR Sala Gaumont, Av. Rivadavia 1635 / Tel: 4382- 4406.

Entrada general: $ 30 – Sitio Web: www.sala.cine.ar

“Chávez Infinito” (2017) es un formato de propaganda política burda, una impostura de Documental. La idea es torpe si trata de construir un metraje político de calidad. He visto mejores argumentos en infantes de 3 años de edad. La cineasta argentina María Laura Vásquez –una reconocida activista del régimen chavista– no agrega nada nuevo al séptimo arte. Su metodología fílmica es básica y naif. Nada provocadora. 74 minutos de cinta que no aporta ideas en la representación de la realidad; el uso del montaje; la edición y la narrativa. Cine mesiánico en un monólogo alejado de los cánones de autor. ¡Todo a favor!

Argumento. La sinopsis oficial que proclama las “bondades” del proceso revolucionario de Hugo Chávez Frías (1954 -2013) en Venezuela. Es el carisma de un líder y su empoderamiento, que dejó la mayor grieta social y política que subsiste y se agrava hasta el presente. La estructura narrativa curiosamente poco habla de los orígenes del militar ex-cara pintada. Sólo su conversión al “Socialismo del Siglo XXI”, el asalto al poder y su muerte. Hay un sólo discurso, voces a favor, nunca la visión crítica y objetivade los indicadores de desarrollo del país. A través del seguimiento de ocho protagonistas (amantes del paraíso chavista) –en pseudo-formato documental– retrata las andanzas de un mesías histriónico, su liturgia populista alienante y la construcción hegemónica del poder.

Desde la primera apertura de plano, la prosa es mesiánica y apocalíptica. El rostro del “Comediante” Chávez (por error llamado Comandante), en un preámbulo redentor y costumbrista: monólogos autorreferenciales/salvíficos de la grey tercermundista. Retrotrae la estética de «República Bananera», gobernada por un dictador de poca monta, que entroniza al enemigo común: el demonio capitalista y al imperio tan temido. Jamás, los errores son propios y la autocrítica hace mutis por el foro. Hay una fascinación por la construcción imaginaria de un paraíso inexistente. Así, la diégesis narrativa se funda en la posverdad: la construcción de una ficción integrista, la caza de brujas, la persecución política a los opositores y a la prensa independiente. Para tal fin –creó en 2010– el Servicio Bolivariano de Inteligencia Nacional (SEBIN), la “Gestapo chavista”. Claro está, esto último no aparece en los fotogramas.

El guión, deliberadamente se posa en los momentos más tensos de la prehistoria del chavismo, el retrato del caos y la necesidad de un liderazgo autoritario y popular. Los incidentes del “Caracazo” (1989) y eje del mal, el imperialismo norteamericano. Con la llegada del redentor, la liturgia se instala con su aparato represor que silencia toda oposición. Jamás hace mención a lo que dejó el régimen chavista: la inflación más alta del mundo, la hambruna, la disgregación social, la migración de miles de ciudadanos por ausencia de esperanzas de una realidad que quiso transformar. El género apocalíptico sitúa al espectador en el futuro, pero hablando en tiempo presente. Así, el fin de la historia lo entroniza y legitima. Ahora bien, si esta estética fuese observada por espectadores de países desarrollados y democráticos como Suecia, Noruega, Finlandia, Dinamarca, ¿qué pensarían? ¿Cómo entender un proceso dinámico donde un líder demagogo y antidemocrático se postula como deidad?

Lo fundante no es lo que uno es para sí –sus creencias /mitología– sino lo que es en sí: los procesos sociales fundados en hechos. Hay una sola conclusión lógica y posible: La Venezuela de Hugo Chávez, es un proceso de violación sistémica de los Derechos Humanos; de concentración económica de un capitalismo de amigos del Comandante, y de populismo para las clases bajas. Se filma a los amanuenses entre lágrimas por la muerte del líder absolutista. La metodología del “Divide para reinar”, el lenguaje de lo jugado se instala. El espectador debe recurrir a los créditos finales para conceptualizar: el agradecimiento por el apoyo de la empresa Total Oil and Gas Venezuela, sin la cual no hubiese sido posible la financiación de tal propaganda del régimen imperante. Sin más, es el cine de la miseria y sus secuaces.

“Chávez Infinito”, es una antropología del héroe, nunca villano. Lo desnaturaliza. No hay dubitaciones. Es la sacralización de un presidente: “Santo Hugo Chávez”. No hay voces ni miradas que lo confronte. Se monta un ejército de genuflexos y alcahuetes a tiempo completo. En la pantalla cinemascope, la metáfora del dictador de “Costa Pobre” (símil personaje del entrañable Alberto Olmedo). Todo un escenario litúrgico (La Revolución Bolivariana) versus lo profano (aquellos que se oponen al tirano). En la sacralización del populismo, cristalizan las frases: “el verdadero socialista es feminista”. / dice el Comediante Chávez. A su lado, la mirada de un confundido Rafael Correa. El bolivariano “exprópiese”, fue denunciado por Marisabel Rodríguez (la segunda ex esposa del presidente) en varias oportunidades por violencia doméstica y familiar contra su persona. Evidencias de un golpeador y machista empedernido, una virtud no soslayada en la película. ¡Touché! Sí, José Vicente Rangel –reconocido plumífero rentado y ex vicepresidente de Chávez /2002-2007/– es la voz del entrevistador que marca el tono de la retórica integrista.

En conclusión, el verborrágico Comediante-Comandante devenido en dictadorzuelo Hugo Chávez Frías, cual predicador religioso, impuso el dogma anticiencia: “Yo Creo” / “Si creo el mito se transforma en realidad” (SIC). Se valió del pensamiento mágico y sus fabulaciones para perpetuarse en el poder. El cine de “Bombardeo de amor” (Love Bombing) / el “Amemos al líder” – que infunde confianza y lava cerebros como en las sectas – desnuda la psicopatología política de una realidad alienante que duele a la condición humana. ¡Venezuela, despierta a la libertad y al mundo!

  Gustavo Contarelli

Puntaje de la película: 1 Tribuna ¡pésima!

Puntaje actor protagónico: Género Documental

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas:mala /pésima

Ficha Técnica / Artística

Título original: Que par de mentirosos.

Dramaturgia:Guillermo Camblor.

Dirección y Puesta en Escena: Ariel Ibáñez –Asistente General: Adriana Bouzas – Género: Comedia.

Reparto: Lisandro Carret (Marcos), Adriana Mendoza (Cecilia) , Hernán Figueroa (Hamilton), Leandro Orowitz (Cacho), Alicia Barbasola (Michi), Leonela Ahumada (Flavia) y Florencia Pistone (La Tana).

Producción Ejecutiva: Hernán Figueroa, Leandro Orowitz y J.C.Quijano. Escenografía: Miguel Ángel Villalba– Luces & Sonidos: Ricardo Jaimes, Juan Morales–Fotografía: Mario Ruggero – Diseño: Cromántica /HF Design.

Vestuario: Graciela R. Díaz, Diego Schiareccia, Betty Diarte.

Redes Sociales: Federiko Sellanes – Coach: Lisandro Carret.

Prensa y RR.PP. : Alfredo & Alan Monserrat / www.alfredomonserrat.com.ar

Sala: Teatro Columbia. Av. Corrientes 1537 /CABA.

Costo localidades: desde $ 200.- /Reservas: 4371-6086.

País: Argentina – Año: 2017– Duración: 80min.

Fecha de estreno: 08-07-2017 –Funciones: viernes y sábados: 22.30 Hs.

El dramaturgo Guillermo Camblor (“A la Luz de la Luna”), nos regala una clásica comedia de enredos porteña: “Que par de Mentirosos”(2017). El objetivo basal del teatro de equívocos o vodevil, es confundir al espectador en una trama que se torna compleja, logrando la mayor identificación de los personajes mediante la complicidad de la platea. En una historia intimista, vertiginosa y explosiva, que multiplica la diversión del humor sano y universal. El entretenimiento, la risa y el asombro, están asegurados. Un buen comienzo y mejor final.

Argumento. Asistimos a la historia de Marcos (Lisandro Carret), un hombre convencional, apasionado y obsesivo por el orden, que ama la experimentación del aquí y ahora. De oficio Agente de Propaganda Médica (APM) –coloquialmente “visitador médico” –aficionado a las bellas mujeres, pretende dejar su mochila de lado y construir un futuro con Cecilia (la bella Adriana Mendoza). La invita a su casa para una aproximación afectiva, sin embargo, la visita inesperada de su sobrino Cacho (Leandro Orowitz) –un abnegado plomero – quien en búsqueda de una aventura sexual liberadora, lo pone en jaque. Todo se complica en un rosario de equívocos interminables. Se suma la llegada de Michi (Alicia Barbasola) la ex amante de Marcos, de apetito insaciable, que hará todo lo posible para tener sexo a cualquier precio. El morbo abre el ruedo a la entrada de otros personajes: La Tana (Florencia Pistone), mujer de Cacho, desencantada de su marido; Hamilton (Hernán Figueroa), un transformista caído del cielo y Flavia (Leonela Ahumada), una animadora sensual de fiestas infantiles.

En la comedia de enredos, los personajes son atractivos y divertidos. El antagonismo / contrapunto, fortalece los remates del chiste o gag. No hay grandes escenarios, las locaciones son pequeñas. Todo en pos de la identificación de un espacio en común. La dramaturgia de enredos o la comedia de situación, está al servicio de emociones explosivas y corporales. Se define por los opuestos que crean el verdadero contraste, la hilaridad narrativa. Hay una retórica petardista y desopilante en entradas y salidas de escena. Los escritores del género, observan herramientas como la atención, la memoria y la imaginación. En la “Teoría General del Humor Verbal”: ellenguaje de situación, que conmueve y condesa la risa como concepto.

El RégisseurAriel Ibáñez apela a una puesta minimalista: 1 sillón de 3 cuerpos; 1 mesa ratona; 2 sillas; una cómoda; una TV. colgante y 2 puertas laterales, que signa la entrada y salida de los actores a escena. Una estética arriesgada por la proximidad del público al escenario, que salpica adrenalina a los cuadros. ¡En una sala de 100 butacas se siente hasta la respiración del elenco! La obra se monta en un sólo acto; no hay cortes en la representación teatral. En cine, su equivalente es el “plano secuencia”, donde la cámara no corta la acción. Hay una idea en común: el uso y la vitalidad de los cuerpos, dinamismo provocador, asociado a una partitura musical empática como cierre de la pieza.

Los parlamentos trabajan frases que cristalizan: “Acá hay olor a mina” – exclama Cacho con sus ojos desorbitados y muecas sin fin. “Soy un semental italiano” / pensamiento anafórico que retoma y se instala en lo jugado. Hay un coqueteo homosexual y al travestido. A todo esto, ¿qué diría si observara dicho cuadro una feminista mesiánica con su contumaz ideología de género, contracultura y anticiencia? La comedia lo resuelve con magistral humor símil Dr. Tangalanga, con remate de bioética sui géneris: “Mujer de 60-90-60...y 23 cm. x 8”... Risas y carcajadas. ¡Touché!

Un inteligente guión que abre narrativa con múltiples guiños: a las nuevas tecnologías de la comunicación (WhatssApp, redes sociales, internet); a personajes cómicos de TV., políticos y mediáticos. El punto más alto, el repaso de estéticas del querido Alberto Olmedo, y sus personajes de culto. También, el recurso válido de la prosa con latiguillos que descomprime relato: “¿querés un miorrelajante?” / Como el freno a la vorágine, la bocanada de aire nuevo y el reposo del espectador. Un ejercicio necesario para el tipo de género. “Que par de Mentirosos” es una comedia tradicional, familiar y sin golpes bajos. Donde el público deja atrás los problemas cotidianos y refresca sus neuronas.

Conclusión. El contemplar el fisic du rol de Lisandro Carret en su protagónico de Marcos –como un reportaje al pasado –es ver al entrañable Rafael “Pato” Carret (su padre, ícono de «Los Cinco Grandes del Buen Humor»). Lisandro, condensa por el dominio de la escenoplástica; el trabajo de las emociones y la composición de los personajes, notas del gran comediante y capocómico Darío Vittori. El “Tano de Oro”, trabajaba los gestos articulando el lenguaje de equívocos, una escuela que dejó discípulos. Así, solidario en su rol de actor –es su partenaire Leandro Orowitz–sobre quien recae el explosivo y picaresco Rendezvous: “Bésense putas”...Y todas las féminas anonadadas en plano de conjunto y vestuario hot. Para derretirse a carcajadas ¡Chapeau!

Elenco completo en plano de conjunto. Entre la industria del Entertainment y el arte, el público de Calle Corrientes de parabienes.

“Que par de Mentirosos”. Funciones a sala completa. Entrada de Av. Corrientes 1537. Evidencia de un éxito en progreso.

 Gustavo Contarelli

Puntaje de la obra de teatro: 4 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Lisandro Carret 5 Tribunas ¡Excelente!

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

Dedicado a fotógrafos profesionales y en formación, el festival fue creado por Autores de Fotografía Cinematográfica (ADF), para jerarquizar la labor del «Director de Fotografía» en la Producción Audiovisual, entendida como una construcción autoral propia. El Festival ADF crece año a año gracias a la colaboración de sus socios y colegas creadores de la imagen. Durante esta edición habrá 34 cortometrajes con su fotografía en competencia, organizados en un certamen nacional e internacional. Con todo, se proyectarán por primera vez, cinco largometrajes.

La tercera edición del “Festival (ADF) de Fotografía Cinematográfica”, tendrá lugar del 10 al 16 de agosto en el Cine Gaumont, la ENERC (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica), la FUC (Fundación Universidad del Cine) y la Casa del Bicentenario. La dirección general del Festival a cargo – una vez más –de Alejandro Giuliani (ADF); Alejandra Martín (ADF) es la directora de la programación de cortos, como partenaire Lucas Schiaffi (ADF) y Pigu Gómez (ADF).

SEDES:

- Cine Gaumont.CINE.AR, Av. Rivadavia 1635 / Tel: 4382- 4406 /CABA.

- ENERC. Moreno 1199, CABA.

- Universidad del Cine. (FUC) Dr. José Modesto Giuffra 330, CABA.

- Casa Nacional del Bicentenario. Riobamba 985, CABA.

PROGRAMA

Proyección de Largometrajes / CABA: Cine Gaumont

Jueves 10 de agosto: 19hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA), película: “Gabor”. De Sebastián Alfie, tras la ceremonia de Apertura.
Sábado 12 de agosto: 19hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA), película: “El último Elvis”. Con charla posterior a cargo de su DF Javier Juliá (ADF).
Lunes 14 de agosto: 19hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA), película: “La Historia Oficial. Con charla posterior a la proyección a cargo de su DF Félix Chango Monti (ADF), Luis Puenzo y Carlos Abbate para hablar del proceso de restauración de la película.
Martes 15 de agosto: 21hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA), película: “Viejo Calavera”. Film que recibió el Premio ADF a la Mejor Fotografía durante el 19° BAFICI.
Miércoles 16 de agosto: 19hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA), película: “El Lado Oscuro del Corazón”. Con charla posterior a cargo de su DF Hugo Colace (ADF). 

Competencia Nacional de Cortometrajes

Jueves 10 de Agosto: 21 hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA). Programa 1.
Viernes 11 de Agosto: 19 hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA). Programa 2.
Viernes 11 de Agosto: 21 hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA). Programa 3. 

Competencia Internacional de Cortometrajes

Sábado 12 de Agosto: 21 hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA). Programa 1
Lunes 14 de Agosto, a las 21 hs. Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA). Programa 2. 

Charlas - Talleres - Workshops

Viernes 11 de agosto. Charlas, talleres y workshops.

Como es tradición en el Festival ADF, acompañarán las proyecciones talleres, workshops, charlas y clases vinculadas con las tareas profesionales del director de fotografía. Actividad Gratuita.

Viernes 11 de agosto

Ceremonia de apertura: jueves 10 de agosto, a las 19hs, sede Gaumont.

Ceremonia de clausura: miércoles 16 de agosto, a las 21hs, sede Gaumont.

Competencia Nacional de Cortometrajes:

20 cortos en competencia. Buenos Aires y provincias, representando a diversas escuelas de cine.

El Jurado de la Competencia Nacional, integrado por:

-Sol Lopatin (ADF) -Guillermo Rovira (ADF) -Rodrigo Pulpeiro.

Programa 1

“La Sierva”, DF Leandro Pascutto.

“Territorios Extraordinarios”, Dfs Iñaki Echeberría y Martín Quirno.

“No Todo es Color de Rosa”, DF César Guardia Alemañi.

“El Porvenir, es tan Irrevocable Como el Rígido Ayer”, DF Lucas Timerman.

“Momo”, DF Erwin Luchtenberg.

“Planetario”, DF Santiago Sgarlatta.

“Hesperidina Express”, DF Matías Fabro.

Programa 2

“Tierra de Pájaras”, DF Luis José Celedón.

“De la Muerte de Costero”, DF Federico Luaces.

“Celestial Candy”, DF Josefina Gant.

“El Vecino Ruidoso”, DF Gabriel Cárdenas.

“La Otra Mujer”, DFs Paula Montenegro y Camila Rada.

“Parálisis del Sueño”, DF Renato Alvarado.

“Óxido”, DF Francisco Takashi Nishimoto.

Programa 3

“La Escondida”, DF Marcos Arias.

“Leal”, DF Gala Negrello.

“Sarapura”, DF Astrid Lavalle.

“Chike”, DF Carola Forster.

“Lulita”, DFs Sonia Pérez y Gabriel Vanerio.

“Colonia Delicia”, DF Constanza Sandoval.

Competencia Internacional de cortometrajes:

10 cortos en competencia. Brasil, Cuba, Venezuela, Uruguay, Chile, España, Bolivia, México y Colombia.

El Jurado de la Competencia Internacionalintegrado por:

-Yarará Rodríguez (ADF).

-Diego Poleri (ADF).

-Carlos Alberto Hitos (Mención especial del jurado durante el 2do Festival ADF, por su trabajo como DF en “El Insomnio del Artista”).

Programa 1

“702”, DF Rodrigo Graciosa.

Programa 2

“Sob Águas Claras e Inocentes”, DF Edu Rabin.

“Aurelia y Pedro”, DF José Permar.

“Circulando”, DF Andrés Felipe Morales Duarte.

“El Andar del Borracho”, DF Toni Vidal.

“Diario de la Niebla”, DF Laura Sanz.

“Variaciones”, DF Diego Pavese.

“Lunatique”, DF Otavio Pupo.

Gustavo Contarelli

Demasiada tinta ha discurrido en las redacciones periodísticas para tratar de entender las nuevas formas de elección de autoridades políticas en nuestro país. Semiólogos de la comunicación, politólogos, sociólogos, hasta expertos en neuromarketing, vislumbran un apasionante cambio en la construcción del poder y la elección ciudadana. Para comprender los distintos factores que pujan en la formación de las creencias políticas y sobre escenarios futuros, convocamos al investigador y docente universitarioSergio Doval, Analista Político, «Director del Programa de Opinión Pública de la UAI». Su marco teórico y saber-hacer, ahora, en una entrevista de Tribuna de Periodistas:

-¿La utilidad de las elecciones PASO en nuestro sistema presidencialista: son superadoras o atrasan?

-En términos de un sistema más personalista, que se desarrolló en Argentina, las relaciones entre los votantes y las personas elegidas, las PASO no tienen sentido. No dirimen los distintos proyectos, dejan en evidencia los que tienen apoyo más popular. Son una instancia de limpieza de partidos más pequeños. Puede servir para simplificar al electorado. El elector en el cuarto oscuro no se encuentra con 15 boletas. Pero no encuentran un criterio común de un propio partido. Por EJ: Si no existiera las PASO, Guillermo Moreno no hubiese integrado ninguna lista, no se podría haber presentado. Vuelve un problema serio hacia adentro de la conformación de acuerdos, es un serio problema hoy. Es duplicar gastos y hastío de la gente que no encuentra soluciones en el ámbito político.

-¿Definitivamente Cambiemos se consolidó como la fuerza núcleo de la política nacional? ¿Cómo hizo en tan poco tiempo para romper el bipartidismo tradicional?

-Esta elección encuentra definitivamentea (La Alianza) Cambiemos como una fuerza Nacional. Haciendo desaparecer el radicalismo dentro de la misma. Con preponderancia del PRO (Propuesta Republicana) en la toma de decisiones. El PRO busca alianzas, es pragmático para acceder al poder. Este bipartidismo se había disuelto con la caída de Fernando De La Rúa. Pierde legitimidad. El fin del peronismo tradicional -cuando muere Néstor Kirchner–,  aparece el “Cristinismo” y con él, una forma más radicalizada del poder. Aparecen opciones más atomizadas, que buscan representar una opción popular para canalizar ese poder. El bipartidismo no sólo desaparece, se define el futuro del peronismo.  Algo que lo reemplace hoy, no se vislumbra en el escenario. Cambiemos supo pararse delante de la gente, y no imponer sus propias demandas: con más cercanía, menos conflictividad y un armado más rápido. El gran error de Cristina Fernández de Kirchner (CFK) fue pararlo como el enemigo.  Le dio entidad con Mauricio Macri y con las personas que no estaban de acuerdo con CFK. Cambiemos es una combinación de cosas, mucho más pragmatismo, y con un armado de estructuras más rápido.

4) ¿Cuál es la verdadera oposición a Cambiemos? (Nivel Nacional) ¿Hay alguna? 

-Hoy no veo niuguna oposición a Cambiemos con forma a nivel nacional. Si el peronismo no se terminade acomodar va a quedar todo desmembrado. El mismo modo que benefició a Néstor y Cristina sin una oposición consolidada. Eso mismo sucede con Macri.Va a terminar surgiendo una nueva oposición.Cómo termine Massa, Randazzo, Urtubey, pueda llevar adelante su presencia será indicador.  CFK tiene problemas nacionales para sostener su liderazgo. La vemos como líder sólo en la provincia de BS.AS. Por eso es el bastión que la sostiene Tiene un poder débil la ex presidente, pero mayoritario. No se vislumbra oposición. O va a pasar como sucedió con Néstor y Cristina K, que no tuvieron oposición, articulando ideas y que fue beneficioso para su gobierno. También será muy beneficioso para Macri y su administración. 

-¿Cuáles son los nuevos líderes políticos que emergen según sus estudios? ¿Se puede cuantificar la cuestión carisma?

-Es un elemento muy importante post elecciones y que nadie está evaluando. Cambiemos tiene 8 /9 referentes a nivel nacional. Le dará posicionamiento.  Son 8 /9 espadas para discutir en los medios, cuando el resto de la oposición desmembrada tiene 1 por cada sector político: el oficialismo tiene a Mauricio Macri, Lilita Carrió, Horacio Rodríguez Larreta, María Eugenia Vidal,PatriciaBullrich, Graciela Ocaña, Claudio Poggi, Héctor (“La Coneja”) Baldassi. Sí lo tenemos representadas en nuestras mediciones. Aparecen voces en oposición: sólo CFK, Sergio Massa, Margarita Stolbizer -pero no se la asocia con la oposición -Juan Urtubey asoma pero a nivel bajo, hay un escenario muy favorable para el gobierno, para defenderlo políticamente y que va a debilitar a la oposición.

-¿Qué sucede con los liderazgos del interior?

–Son los que tienen mayores crisis en este escenario. Lo que sucedió en San Luis, perdieron en Santa Cruz también, Neuquén; es el fin del caudillismo como lo conocíamos: las redes sociales, las comunicaciones, las nuevas tecnologías de la información /comunicación, es el gran tema de cómo se construye el poder en el interior. Que va a seguir mutando a nuevos horizontes. Por eso tiene posibilidades Cambiemos o nuevas fuerzas en el interior del país. Que sea mucho más plural que los anteriores.  

–Cristina Fernández: ¿Cómo ve su futuro político? ¿El núcleo duro K sobrevivirá? ¿Terminará ella como un senador jubilado símil Carlos Menem?

-Cuesta mucho hacer futurología. En el medio lo que significa, en el panorama político no hay oposición como CFK. Es difícil. Mientras no aparezca un liderazgo fuerte, va a ser la opositora a este gobierno. Ahora bien, eso significa muy poco: acorralada por las causas de corrupción, va a quedar aislada rápidamente, no veo que pueda construir su regreso. No olvidemos que ella esté latente, a Cambiemos le sirve y mucho.  Es gracias a eso que gana la elección. Es el poder presentar un escenario de preocupación con lo que fue y la posibilidad de volver. Teniendo en cuenta las necesidades de Cambiemos, que lo ha sabido utilizar en el tiempo de manera muy inteligente.

Texto:Gustavo Contarelli
Especial para Tribuna de Periodistas

Ficha Técnica / Artística:

Título original: Rodrigo de la Serna y el Yotivenco: “Estilos Criollos”

Dirección Artística: Rodrigo de la Serna – Género: Música Criolla Argentina.

Reparto: Rodrigo de la Serna (guitarra y voz), Juan Pablo Díaz Hermelo (guitarrón), Blas Alberti (guitarra), Fabio Bramuglia (guitarra), y músicos invitados.

Ambientación: Daniela Holubyez – Diseño Gráfico: Lucas Avellina.

Producción Ejecutiva: Nicolás Estigarribia – Prensa: Daniela Casaretto.

Producción General: Miguel Wiernes <contactoelyotivenco@gmail.com>

Arreglos Musicales: Pedro Kiszkurno –Sonido: Carlos Aisentein.

Luces: Matías Pagliocca Maquillaje: Aimé Baroni.

Sala: Teatro Astral. Corrientes 1639/CABA – Costo localidades: desde $300 hasta $550.- /Plateanet tel.: 5236-3000 – País: Argentina – Año: 2017.

Fecha de estreno: 21-08-2017 –Función: lunes 21 Hs.

El grupo de música criolla argentina El Yotivenco – formado en el 2005 – se presentó a sala completa en el Teatro Astral. Y una vez más, la mítica Calle Corrientes, se vistió de historias y recuerdos. Atravesados por la jerga río- platense, su líder Rodrigo De la Serna, nos trae la memoria de lo ausente a nuestra querida y misteriosa Buenos Aires. Con un inteligente dispositivo marketinero, sella la suerte de esta banda taquillera en un recital digno, noble de presenciar y reproducir: ¡Siga el baile, siga el baile de la tierra en que nací; el lunfardo y la nostalgia siempre están de moda, al compás del tamboril!

Es la hora señalada: 21 hs., del lunes 21 de agosto de 2017. El espectáculo musical se demora. Todavía mucho público pugnando por su entrada en Avenida Corrientes 1639. La marquesina del teatro aggiorno, con el murmullo que asedia por entrar a la sala. El grupo asume una puesta arriesgada: “el viejo truco” de remixar clásicos con clisés / guiños de autor que engrosa la popularidad. El Yotivenco es un grupo musical que tiene su público y sus costumbres. Es tiempo de inicio, y un sector de la popular con estética futbolera los aclama: ahí entra a escena la figura convocante de Rodrigo de la Serna y sus compañeros, en una tarea no tan conocida por muchos como cantante y guitarrista. Lo secundan: Juan Pablo Díaz Hermelo (guitarrón), Blas Alberti (guitarra) y Fabio Bramuglia (guitarra).

El canta-actor de la Serna, presenta junto al Yotivenco un espectáculo de música criolla argentina, donde recorren los distintos géneros y estilos que nos identifican al ritmo de un cuarteto de guitarras “bien pulentas”– y la voz, los gestos de un “compadrito” porteño– resumiendo un formato sui géneris: Tangos, milongas, chamarritas, gatos cuyanos, rasguidos dobles y candombe, serán de la partida. “Ensamble”, asociaciones de instrumentos, para corporizar al presente ídolos de la música popular argentina / río-platense / de ayer, de hoy y siempre: Alfredo Zitarrosa, José Larralde, Carlos Gardel, Alberto Castillo, Roberto Goyeneche etc. El espectador propone el suyo, en la metáfora de los “Cien Barrios Porteños” y su nostalgia.

La música se fusiona y condensa un escenario en situación. El líder de la banda – como maestro de ceremonia – es carismático y remata con histrionismo en un relato musical coloquial. Rodrigo, es un actor con oficio, sabe utilizarlas herramientas del arte escénico. Suple con ello las carencias de una voz que no llega a escalas musicales demasiado comprometidas. Los registros de la misma, su vocalización – por momentos– se pierde en su propia lírica. Lo sabe y por eso el ardid de la actuación: la composición del personaje; uso de las emociones, la expertez en el dominio del espacio escénico. Es un inteligente Réggiseur que sabe ubicar y dirigir la puesta /el montaje. Con todo, hay sobredosis de marketing que asume el grupo musical de marras. La música es arte, pero también industria. Paga cuentas y resúmenes mensuales. No es poco.

Según ha cronicado la voz del grupo, sus integrantes son músicos y amigos. Cuenta con un disco de estudio y varias giras nacionales e internacionales.“Yotivenco” en el glosario de jergas y modismos de Argentina significa Conventillo. Desde la apertura del espectáculo musical, es el lunfardo quien se instala con su estética transgresora y convocante. En ese “chamuyo” del Yotivenco, el “lunfa”, es el compañero del camino en el recital. También, cierta picaresca a la hora de conceptualizar titulares de la historia. Se percibe un guión en el espectáculo, que divide el show en compartimientos estancos. A cada instante, un de la Serna intimista busca la complicidad del espectador, lo lleva a su terreno, al que más sabe. Con astucia lo coloca de su lado.

Los cineastas franceses llaman «Rendezvous», a esa unión tensa y dialéctica entre la obra, el autor y el público. Es la cita, el clímax y su fundamentación escénica. El emotivo Rendezvous de El Yotivenco culmina en plena Calle Corrientes: literalmente, el grupo musical – en fila india– sale del teatro y concluye sus acordes en la populosa avenida porteña. ¡Touché!

“Mi linda Calle Corrientes..! sos de todos y de nadie

vas cruzando Buenos Aires con tu ritmo diferente:

segura, tranquilamente, coqueta, vivaz, risueña,

como una piba porteña que no ha cumplido los veinte…!”

(“Esquinas de Barrio” / de Héctor Gagliardi, «El poeta de BS.AS.»)

Gustavo Contarelli

Puntaje del espectáculo musical: 4 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas: excelente /imperdible

4 Tribunas: muy bueno

3 Tribunas: correcto / bueno

2 Tribunas: regular

1 Tribunas: malo /pésimo

Ficha Técnica / Artística

Título para Latinoamérica: La Maestra / La Profesora.

Título original: Ucitelka.

Dirección: Jan Hrebejk– Guión: Petr Jarchovský – Género: Drama / Basado en hechos reales /Años ‘80 –Apta para mayores de 13 años.

Reparto: Zuzana Mauréry, Zuzana Konecná, Csongor Kassai, Tamara Fischer, Martin Havelka, Éva Bandor, Oliver Oswald, Peter Bebjak, Richard Labuda, Ina Gogálová, Monika Certezni, Peter Bartak, Jozef Domonkos, Judita Hansman.

Producción: Co-producción Eslovaquia-República Checa; PubRes / Rozhlas a televízia Slovenska / Ceská Televize / Offside MEN.

Música: Michal Novinski–Fotografía: Martin Ziaran – País: Eslovaquia. Año de producción: 2016– Estreno: 31/08/2017. Duración: 102min.

El film “Ucitelka” (“La Maestra”, 2016/“La Profesora”) es la mirada crítica de las víctimas directas del comunismo del este europeo. No es un “cuento” del capitalismo que busca el desbarranco del «Paraíso de la Lucha de Clases». Al contrario, es la autocrítica necesaria para entender los hechos como ocurrieron. Una historia mínima –centrada en un colegio primario–y la educación como excusa narrativa, para hablar sobre una ideología totalitaria, corrupta y criminal. Asistimos a «El Panóptico Escolar Comunista» de la ex Checoslovaquia: un dispositivo de vigilancia, control y castigo, de los alumnos, padres y docentes.

Argumento. Checoslovaquia, 1983 (Este de Europa). Con la llegada de la maestra María Drazdechova (Zuzana Mauréry) –la nueva profesora a un colegio de un suburbio de Bratislava–la vida de padres y alumnos se altera en profundidad. El comportamiento corrupto de la docente y el intento de suicidio de uno de los estudiantes hacen que la directora de la escuela convoque a los padres de los alumnos a una reunión urgente. Se les pide que firmen una petición de traslado para la Srta. Drazdechova. Sin embargo, las influencias políticas de la profesora con el Partido Comunista, hacen que todos los intentos de removerla de su cargo sean en vano, al tiempo que la atmósfera de persecución y vigilancia de la comunidad educativa se apodera y los oprime.

El metraje que se estrenó en España el 21 de abril de este año,llegócon demora a la Argentina. La historia tiene un trasfondo histórico-político, y está dirigido por el checoslovaco Jan Hrebejk (Kawasakiho Ruze, 2009) y lo protagoniza Zuzana Mauréry (Panelák, 2008). Como curiosidad, la actriz nació en el mismo lugar donde se emplaza la escuela del film: Bratislava. Bajo su apariencia cándida, la maestra va a poner en práctica una curiosa y cuestionable didáctica de la enseñanza: Divide et Impera; la lógica amigos-enemigos. El público se ilustra conceptualmente con sendas alteraciones de espacio-tiempo: Flash back (secuencia que retrocede en el tiempo) y Flash forward (altera secuencia a futuro). Un relato que levanta y expone con crudeza la descomposición de una ideología oscurantista, cuyo alcance y metáfora es universal y contemporáneo.

El plan narrativo se consolida desde la primera apertura de plano: la fachada de un colegio tradicional como representación del modelo de montaje ideológico. Hay otras pequeñas locaciones que cierran el plano descriptivo. El cineasta Hrebejk, presenta una aproximación narrativa desde de una mirada muy particular, tomando una muestra de la población como objeto de estudio a puerta cerrada. El experimento sociológico-fílmico es más que interesante: una observación con intervenciones que permiten sintetizar una cuestión política muy compleja desde un pequeño grupo de personajes insertados en la vida cotidiana de los últimos años de la ex URSS. ¿Cómo fue el paso del totalitarismo a una sociedad abierta y plural? La conclusión, hubo que hacer concesiones en diversos frentes.

El guión posee generosas dosis de humor negro, que acercan el relato al terreno de la farsa, con pinceladas del grotesco. No obstante, nunca pierde la exitosa construcción del verosímil. El protagónico de Zuzana Mauréry (2016, ganadora del Festival de Karlovy Vary: Mejor actriz), en la epidermis de una docente-indecente, que es ángel y demonio. En esa dualidad, su rostro complaciente contrasta con su perversa moral; una manipuladora todoterreno –con rasgos psicopáticos manifiestos. Ofrece al mismo tiempo amor o chantaje. Los padres de los alumnos deben elegir si la siguen o la confrontan. Su personaje de villano es consistente: el uso de las emociones; el liderazgo en el espacio escénico; su rol de actriz que hace girar la dramaturgia y potencia los parlamentos, conforman la tensión y el suspense en cada fotograma. Es la dualidad, el arquetipo del mal con rostro de querubín, que convoca al espectador y lo fija a su butaca. A todo esto, ¿cuál será el final de la camarada profesora?

Traigo a la memoria el film “Matilda” (Danny DeVito, 1996), una deliciosa comedia familiar / romántica y fantástica. El personaje de la villana, la maestra Agatha Trunchbull (Pam Ferris) –para los latinos“Tronchatoro”– como contrapunto de la agradable y dulce maestra Jennifer Honey (Embeth Davidtz). Su personaje, una educadora cruel y dura; “Tronchatoro” a igual que su colega Eslovaca, lucha por el poder, el control de la comunidad educativa y su status dentro de la organización. Ambas son manipuladoras y perversas; las dos, asociadas con el mismo sistema de control y vigilancia escolar que las empodera. La diferencia, la signa la maestra genuflexa comunista, que asume los dos personajes y las perspectivas narrativas: el bueno y el malo.

Conclusión.En 1989, El Muro de Berlín se desmoronó –y con él– su mitología y la gran mascarada del comunofascismo. Fueron en parte los hechos que han impulsado a un inicio de reclamos de un régimen de contracultura, en el que nadie tenía voz individual. Se suprimió a los sujetos por los “colectivos”. El dogma del “colectivo” / “el pueblo”, presentado como redentor, que decretaba la vida o la muerte de los ciudadanos. Así, un pequeño grupo de “individuos” –la élite del partido comunista –, decidían legitimados en su mesiánica farsa de los iguales.

 Gustavo Contarelli

Puntaje de la película: 4 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Zuzana Mauréry5 Tribunas ¡Excelente!

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

Del 12 al 20 de septiembre de 2017, se llevará a cabo el 8º Feestival Internacional de Cine y Formación en Derechos Humanos de las Personas Migrantes”. La nueva edición de Cine-Migrante, cuenta con 80 películas de más de 20 países participantes del evento; dividido entres secciones especiales, varias actividades y mesas de reflexión sobre la temática migratoria. En esta oportunidad, el concepto a transmitir en cada fotograma: «Las Vidas Negras Importan». La entrada es libre y gratuita.

Asistimos a la historia de un festival que ha convocado a más de 42.600 espectadores en sus siete ediciones anteriores. El mismo cuenta con el apoyo del INCAA, múltiples organismos oficiales y Ongs. Analizando a los protagonistas invitados, observamos la diversidad de voces en una problemática que confronta, une o divide: «La Grieta Cinematográfica» / miradas de cultura y contracultura que se disputan la verdad histórica mediante montajes, espacios escénicos y la construcción del verosímil.

De la oferta audiovisual relevada a modo de guía –destacamos las siguientes películas para ver, disfrutar y pensar:

“La Unidad de los Pájaros” (Cruz Lisandro Morena).

Documental / 29 minutos - Argentina / 2017/ Mediometraje.

Centroamericanos conviven en el corredor migratorio más concurrido del mundo, atravesando México hacia los EE.UU. Exiliados de sus países y en estado de ilegalidad, son obligados a viajar montados sobre el tren de carga llamado “La Bestia”. Estos son sus relatos, aquí sus historias. 

Cortometrajes:

“Calvin and Holiday” (Simon Gush).

Documental / 14 minutos -Sudáfrica / 2014.

Las ideas del reformador Juan Calvino sobre el trabajo, han sido algunas de las más influyentes en el mundo occidental. Sus enseñanzas fueron llevadas a Sudáfrica por varios colonizadores – en particular los hugonotes franceses – y se convirtieron en la base de la columna vertebral religiosa del Apartheid, el NG Kerk. El calvinismo puede verse muy ligado al abuso sistémico del trabajo por el régimen. La película es una búsqueda de la presencia de Calvino en Ginebra, como una forma de pensar en Sudáfrica.

“Clandestino” (Sofía Rocha).

Ficción / 9 minutos - Argentina / 2016.

Una trabajadora boliviana atraviesa su embarazo en un taller textil clandestino. En medio de la jornada laboral bajo el control del capataz, comienza el trabajo de parto e intenta escapar.

“Find Fix Finish” (Sylvain Cruiziat, Mila Zhluktenko).

Documental / 19 minutos – Alemania / 2017.

 “Find Fix Finish”, se adentra en las historias de tres pilotos de drones militares estadounidenses, que relatan la trama íntima de las vidas que observan día a día. La perspectiva ocular voyeurista de un dron militar, puede reducir a las personas a píxeles en una pantalla, y una cierta descontextualización.

“Revelar” (Ana Elena Tejera).

Documental / 19 minutos – España / 2017.

 “Revelar”, una pieza documental que va reflexionando a través de las fotografías analógicas y voces de los miembros del Sindicato Popular de Vendedores Ambulantes de Barcelona (España).

“Terminal 3” (Thomas Pedro, Marques Casara).

Documental / 25 minutos – Brasil / 2017.

 En 2013, cuando Brasil construía las grandes obras para el Mundial de Fútbol, un grupo de 150 trabajadores fueron rescatados en situación de esclavitud en la construcción de “Terminal 3” del Aeropuerto Internacional de Guarulhos, en Sao Paulo. Habían sido llevados desde distintas ciudades del noreste del país por contratistas a servicio de la multinacional brasileña OAS. De ellos, más de 50 estaban en una pequeña casa de favela, sin comida, abrigo y dinero para el viaje de regreso.

“Tiempo de Sequía” (Nico Stefanazzi).

Ficción / 15 minutos - Argentina / 2017.

 Alfredo y Elvira son un matrimonio que vive en un pueblo alejado de la ciudad. Desde la partida de su hija menor, se han quedado solos. Hace más de un año padecen una sequía que poco a poco los está dejando sin nada. Alfredo está decidido a quedarse hasta que vuelva a llover y Elvira ya no puede seguir así. La naturaleza parece no darles tregua y ambos deberán tomar una decisión que defina sus vidas.

SEDES DEL FESTIVAL

Ciudad Autónoma de Buenos Aires

CINE.ARSala Gaumont: Av. Rivadavia 1635 / Tel: 4382- 4406.
Centro Cultural General San Martín (CCGSM) / Sarmiento 1551.
Alianza Francesa: Av. Córdoba 946.
Casa del Bicentenario: Riobamba 985.
Biblioteca del Congreso /Auditorio Leonardo Favio/ Alsina 1835.
Cine Cosmos UBA: Av. Corrientes 2046.
ENERC: Moreno 1199.
Casa de la Cultura Popular de Barracas: Av. Iriarte 3500.

Provincia de Buenos Aires

Espacio de Encuentro / Concejo Deliberante de San Isidro: 25 de Mayo 450, San Isidro.

Edificio Municipal Leonardo Fabio: 12 de Octubre 463, Avellaneda.

Cine Migrante: 80 películas de más de 20 países participan del “8° Festival Internacional de Cine y Formación en Derechos Humanos”. Migración y desarrollo económico en discusión.

 Gustavo Contarelli

Ficha Técnica / Artística:

Título para Latinoamérica: Los Que Aman, Odian.

Título original: Los Que Aman, Odian.

Dirección: Alejandro Maci – Guión: Alejandro Maci, Esther Feldma, sobre novela homónima de Adolfo Bioy Casares y Silvina Ocampo (1946).

Género: Drama / Thriller / Policial– Apta para mayores de 13 años.

Reparto: Guillermo Francella, Luisana Lopilato, Marilú Mariani, Juan Minujín, Justina Bustos, Carlos Portaluppi, Mario Alarcón, Gonzalo Urtizberea.

Productora: Patagonik Film Group – Producción ejecutiva: Juan Lovece.

Sonido: José Luis Díaz –Montaje: Pablo Barbieri, Eliane Katz –Vestuario: Beatríz Di Benedetto –Música: Nicolás Sorin–Fotografía: Julián Apezteguia.País: Argentina–Año de producción: 2017– Estreno: 07/09/2017. Duración: 101min.

El cineasta Alejandro Maci (El Impostor, 1997), adapta y lleva al cine la novela homónima de Adolfo Bioy Casares y Silvina Ocampo (1946). En el complicado arte de extrapolar un texto al lenguaje audiovisual, se gana y se pierde. Apuesta a una dramaturgia iniciática de personajes vulnerables, de vidas tortuosas y miserias humanas, para promediar un relato como “The Mystery of Marie Roget” (1842), de Edgar Allan Poe, donde crea la convención de un hombre reflexivo, pulcro y taciturno que, por medio de razonamientos, resuelve crímenes enigmáticos.

Argumento. Balneario Bosque del Mar (Alrededor de 1940). En una playa solitaria, se alza un viejo hotel perdido en el tiempo: el Hotel Central. Casi frente al agitado océano y a cierta distancia de laestación ferroviaria de Salinas, llega hasta ahí Enrique Hubermann (Guillermo Francella / de protagónico sólido, como de costumbre), médico homeópata, quien viaja huyendo de un mal de amor. Por una broma del destino, en ese paraje lejano se encuentra con Mary (Luisana Lopilato), la mujer que quiere olvidar. Ella –una joven y bella traductora –ángel y demonio en el arte de manipular hombres hasta enloquecerlos. En medio de un temporal, los residentes del hotel quedan aislados del mundo, la historia vuelve a repetirse. Pero esta vez, el odio de los que habían amado apasionadamente, despierta lo peor de cada uno.

Con la llegada del excéntrico doctor por sus merecidas vacaciones, que vuelve a visitar a su prima –la solidez interpretativa de Marilú Mariani –, una dueña de hotel de generoso corazón y buenos modales. La construcción, un lugar de lujo de esos opulentos años. Todo parece inmutable, perenne. La notable reconstrucción de época en un montaje descriptivo e ideológico de Pablo Barbieri y Eliane Katz, para que todo luzca como en aquellos tiempos. El vestuario de los personajes es de manual, y guardan similitud al imaginario del libro de la pareja de escritores.

El guión de Alejandro Maci y Esther Feldma tiene notas de melodrama y de film noir, aunque no los experimenta en profundidad, de ahí la dispersión que no condensa en éxito conceptual; no expresa el registro del thriller clásico, tampoco del policial. En el híbrido en la construcción del verosímil, cristaliza el destino del metraje sin demasiadas pretensiones académicas. El nudo gordiano que subyace del relato se presenta: Los que aman enferman; si aman demasiado, también sufren demasiado. Es la visión mórbida del amor. Hubermann es un personaje obsesivo, con problemas para relacionarse con las mujeres. Aquí el amor, como perversión del objeto de deseo.

Bioy Casares, utiliza una pseudociencia – la Homeopatía –como excusa literaria en el juego de las emociones humanas. El verso boticario de Samuel Hahnemann, “Similia, Simílibus Curantur” (Lo similar se cura con lo similar), como ley universal; un fantasma que se atrevía a disputar a la ciencia su reinado y autoridad: ¿cómo un “remedio” carente de droga (principio activo), puede curar el cuerpo hasta la mente? El charlatanismo homeopático, es la prosa que descifra la ambigüedad de un personaje que lo satiriza: “El Viejo Truco” (diría Maxwell Smart, Superagente 86 de Control), de solucionar los problemas ajenos, y no poder resolver los propios ¡Touché!

La expertez del Régisseur Maci, para lucir a los actores en un modelo de rodaje impecable: ora un plano “Travelling de seguimiento”, donde muestra los careos de los imputados del crimen, ora en plano secuencia, para seguir un féretro y los deudos. Con todo, despunta el convincente Carlos Portaluppi, como el comisario duro del pueblo, en el arte de confrontar pistas y sospechosos. La larga mesa, los comensales, todo se articula para posar la mirada crítica de una época y sus valores, atravesada de incomprensiones y desamores. La imagen cristalizada también es anafórica, vuelve permanente ante nuestros ojos: los frasquitos homeopáticos en planos detalles o de conjunto, y el botiquín del doctor herido de amor.

Conclusión. El Hotel Central – ubicado en el balneario Bosque del Mar –entorna sus puertas.El cuento policial se resuelve. El espectador concluye a través de las pistas postreras del fotograma. “Los Que Aman, Odian” se inspira en la tradición popular:«Quien bien te ama, bien te hará sufrir»Telón a la gran mascarada homeopática que se diluye en tragedia. El amor tiene esos espacios que jamás podremos explorar por intangibles; en la intriga, el suspense, la zona crepuscular que anida. Allí, donde exista un misterio para el hombre, habrá relato y habrá poesía.

 
Gustavo Contarelli

Puntaje de la película: 3 ½ Tribunas

Puntaje actor protagónico: Guillermo Francella 4 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

¿Cuál es el mejor lugar para vivir en zona norte? Se conoció un reciente estudio que responde a la vital pregunta. La investigación de Taquion, UAI y Matiz Urbano, se realizó en base a relevamientos de 1450 personas en los Municipios de la Zona Norte de la provincia de Buenos Aires. La misma es parte de un proyecto de Monitor – de la misma provincia – para conocer los lugares donde la gente es más feliz.

Lo sorprendente es que en los municipios con mejores performances en indicadores blandos (felicidad, cercanía con su intendente etc.), al segmento de 1País, no les fue tan bien. Una lectura más, de que esta elección no es sobre economía o gestión, sino de modelo político. Por ende, más polarización. El especialista en medios el Lic. Sergio Doval Director del Programa de Opinión Pública de UAI – nos acerca una medición sobre la actualidad en los Municipios, en este caso los de la Zona Norte del conurbano bonaerense.

Del interesante y extenso informe extraemos las conclusiones:

-En los municipios gobernados por la alianza 1País, los ciudadanos se sienten más felices (donde Tigre lidera) y cercanos a su intendente, a quiensu comunidad los considera preocupados por el desarrollo económico del distrito.

-Cuanto más lejos vive la gente de la capital, mejor es su relación con la familia.

-La gente más estresada vive en Malvinas Argentinas (FpV) y la más relajada en San Fernando. Pero si vemos según Fuerzas gobernantes, los más estresados, son los que viven en municipios liderados por el PRO.

-En Vicente López y San Isidro, encontramos a las personas que tienen el más fuerte sentido de pertenencia a su distrito.

-En líneas generales, el mayor problema detectado en la gestión municipal es que la gente percibe que los empleados o funcionarios de las intendencias tienen poca preparación. Malvinas, Escobar y Pilar, los más cuestionados en este sentido.

-En los municipios gobernados por el PRO, la gente siente que tiene un excelente estado de salud, en los gobernados por 1País, la peor.

-Vicente López es el municipio donde su población percibe una situación económica más favorable en su lugar de residencia, así sucede con las intendencias del PRO; las del Frente Para la Victoria (FpV), son los que perciben una peor situación económica en su municipio, pero cuando tienen que opinar de su país es muy parecido a lo que opinan los habitantes de otros municipios.

Tribuna de Periodistas dialogó con el experto en análisis de opinión pública, Sergio Doval:

-Del estudio se desprende, si conjugamos los datos que: ¿los municipios no peronistas (Cambiemos y 1País) tienen la mejor calidad de vida (satisfacción /salud /seguridad /imagen positiva)?

-Es jugado considerar a un 1País, no peronista (risas). Pero claramente de estas 3 vertientes - que en ninguna hay un peronismo puro - pero podría asociarse a algo quizás más puro en último tiempo, podría decirse a Unidad Ciudadana.Sí, definitivamente los municipios que en mejores condiciones están, son los de Cambiemos y de 1País.

-Los niveles más altos de estrés se dan en los municipios con menores ingresos y pobres (Malvinas Argentinas, etc.), gobernados por el FpV. ¿Los ciudadanos de estos distritos no se perciben como sujetos de cambio?

-En principio considerá que el nivel de estrés impacta sobre un municipio como Vicente López, y se asocia a la demanda laboral, a los cargos; cercanía a Capital Federal. Hay un tema que es muy estructural en los municipios de menores ingresos: “El entorno”. El entorno define a las personas, contribuye a creer en condiciones de mejora, eso impacta. Hay datos de si se irían de su lugar. Habla de una búsqueda de mejora. Es difícil para ese sector imaginarse mejor, para los que no tienen acceso el imaginarse mejor, la accesibilidad a más información. Los que nos hace tener voluntad en la mejora contínua. Algo que sucede y falta en estos municipios.

-Conceptualice este punto: ¿los municipios gobernados por el FpV encuentran el mayor grado de cohesión familiar?

-Cuando vemos eso, es porque son los municipios que están más lejos. Impacta en definitiva, porque están más lejos de la urbe. Hay menos distracciones, hay más posibilidades de actuar con tu entorno. Ej: Una escena, un concepto de las redes sociales. Una madre, un padre, interactuando con su teléfono; el padre no da su celular al hijo que lo reclama. Él se está enterando lo que pasa con un tipo que está en Tanzania haciendo bolas de nieve... El concepto: “estamos cerca de lo que está lejos, y lejos de lo que está cerca”. La tecnología mal usada, muchas veces nos aleja de lo cercano. Y nos acerca de lo lejano, Está en el ritmo de la urbe. Ese ritmo en ciudades más lejanas, te da posibilidades de interactuar y se establecen lazos profundos.

Gustavo Contarelli

Érase una vez...un niño, su muñeco y un sueño: hacer reír a la gente. Marcelo Bonetti es un artista todoterreno, que supo entrar al espectáculo a fuerza de talento y trabajo. Humorista, ventrílocuo y mago, es considerado como uno de los mejores de su género; el encargado de darle vida a su muñeco Cirilo – un simpático negrito impertinente – que lo acompaña fielmente a cada uno de sus imperdibles shows y varietés: «Marcelo y Cirilo»es su marca registrada.

Empezó a los 13 años cuando no quiso seguir estudiando, su padre lo mandó a trabajar, y fue a parar a un circo. Fue allí para aprender el oficio del payaso, el arte de hacer reír. Comenzó de abajo, limpiando el lugar. La ventriloquía vendrá después. El niño que deseaba hacer reír y ponerse la nariz de payaso, tuvo al circo como escuela. El muñeco Cirilo (llamado así en honor a un vecino, también morocho) llegó a sus 18 años: “Hoy tengo 54 años, Gustavito querido, los años han pasado. Me acompaña el mismo muñeco de aquella época”;“Lo hice en mi casa materna, de Avellaneda”, expresa con su voz estentórea Marcelo. Una profecía autocumplida de su madre al recordarla: “Mi mamá me decía: odio a los ventrílocuos, no me gustan, y mi hijo me salió ventrílocuo” / “Tuve la suerte que mi mamá me vio trabajar en grandes escenarios y le gustó, era su orgullo”, concluye con emoción.

Bonetti realizó más de diez temporadas de revistas y se dio el gusto de trabajar con capocómicos de la talla de Juan Carlos Mesa, Gogó Andreu, Jorge Corona, además de hacer giras nacionales e internacionales. Conmás de 30 años en el humor, en una sentimental y nostálgica entrevista, Tribuna de Periodistas dialogó con el artista antes de salir a escena:

–¿Me cuenta alguna historia de los grandes cómicos /comediantes de la Escena Nacional? ¿Ud. trabajó con varios?

–Alguien me dijo, haciendo un piropo, tenés mucho en tu acto, en tu pausa, los silencios de Luis Sandrini. Y asoció el ventrílocuo, el muñeco, a Sandrini. Yo tuve tres grandes pilares: un señor que me marcó en la magia, un genio, un tapado: Jorge García Savoia, a quien hago mención y honor. “El Gordo” Jorge, con unos criterios escénicos espectaculares. El segundo fue Chasman y Chirolita, del que guardo hermosos recuerdos, el tercero fue Juan Verdaguer. Fundamental. En cuanto a Tato Cifuentes, “Tatín”, yo lo veía por televisión, con mi abuelo materno. Su frase célebre: «Yo soy Tatín, muy chiquitín, muy regalón». Tato Cifuentes, manejaba el muñeco tradicional. La TV. te demanda ciertos trucos, y queda semejando a marionetas. A veces se desdobla con trucos, y parece que los dos hablan por separado. Cifuentes murió hace poco, a los 94 años. Empezó con los chicos y payasos. Luego se metió al teatro de revista. Pasó por Buenos Aires. Cambia de espectáculo naif a muy verde. Yo, me quedo con una estética intermedia.

–¿Cómo fue su acercamiento a Míster Chasman, el ventrílocuo más reconocido de Argentina?

– A los 22 años, en un night club, el lugar se llamaba “Wills” (Federico Lacroze y Álvarez Thomas), ahí conocí a Ricardo Gamero (Mr. Chasman). Vivía a dos cuadras. Fue a ver mi espectáculo (año 1986/ 87). Yo trabajaba en la tarima, con las luces, todo oscuro. Y veo la silueta de Chasman, con otro hombre. Quedo mirando a ver si era él. Le digo a Cirilo: –¿puede ser que esté presente el señor Chasman, de Chasman de Chirolita?, quedo mirando a ver si era él, me empezaban a temblar las piernas. La gente comienza a aplaudir; imagínate tenía 22 años, y exclamo: –¡Qué honor tenerlo acá, señor Chasman! / Él responde: –¡Tranquilo maestro, trabaje tranquilo! Seguí haciendo mi rutina, Cirilo le dedicó el final a Chirolita. Chasman se sube al escenario (¡no me olvido más!), le agarra la cabecita a Cirilo, y le da un beso en la frente: ¡Lo Bautizó! La gente lo ovacionó. Nos fuimos luego a tomar un café, ahí comenzamos una amistad que terminó hasta su muerte – en el Hospital Argerich – Año: 1999. Hubo un tiempo que no trabajó. Era un hombre muy particular.

–¿Y al formidable humorista Juan Verdaguer?

-¿Cómo lo conozco? En casa de Chasman. Es risueña la anécdota: me llama Chasman y me dice: “te necesito en casa, te voy a presentar a un amorcito, que te va a volver loco /ah, Traéme las facturas que me gustan”. Tenía esos “berretines”, era un tipo que le gustaba mucho las “minas”. Mi señora caminaba por ahí, yo no sabía que hacer (risas). Me duché, afeité, fui a Colegiales, baja Chasman –con la bata roja de seda, de entrecasa –, y yo pensé: este trajo dos “locas”, Iba miedoso, me mira y me dice: “¡Marcelito: lo que te voy a presentar, un amorcito!” –Abre la puerta y estaba Juan Verdaguer – “¡Mirá que amorcito!... Es mi amigo del alma, mi hermano de la vida, nunca le faltes el respeto”. Y Verdaguer me dijo: “Ud. es amigo de Ricardo Gamero, también es amigo mío, siéntese, abra esas facturas que tengo hambre”. Miles de anécdotas y de aprendizaje con los dos. Juan me decía: “saque los chistes verdes, eso es para Corona”.

–¿Ud. es un artista de bajo perfil, pero tiene un oficio de alta exposición pública? ¡Qué paradoja!

–Es una lucha constante; gracias a eso gané y perdí trabajos. No quise entrar en los programas de TV. Soy bajo perfil. No quiero que pongan mi foto en la marquesina. Que pongan en chiquitito sólo: “Marcelo y Cirilo”. Trabajé con muchos famosos. Las ventajas de no ser conocido: entrar en casas donde los conocidos no van: es gente que no quieren exposición alguna, que tienen cargos importantes (políticos, empresarios, gobernantes, militares). Yo voy a tu casa, hago el show, me voy y me olvido de todo. Necesito liberar mi disco rígido, me expongo a que se rían de mí, no de otros. Cobro mi plata y ya me olvido. No me ha ido mal.

–Los teólogos hablan de la “unión hipostática”, como la alianza tensa y dialéctica de dos personas (una humana y otra divina); ¿Ud. y su muñeco Cirilo, cómo funciona esa doble naturaleza: un artista con doble máscara?

–Cirilo es mi otro yo, cuando estamos en el escenario el actor sufre un desdoblamiento. Aparece el otro yo, el otro actor, el personaje en el cuerpo y alma de Cirilo. Mi personaje de Marcelo Bonetti y el de Cirilo, el que llevo dentro. Vos, también llevás los dos personajes. Pero contamos con la cordura para no exteriorizarlo. Es una catarsis arriba del escenario, hay una técnica de manipulación del muñeco. Cirilo toma vida conmigo. Si yo te lo siento en tu brazo no sería lo mismo, sería otra persona. Con los años adquirís esa experiencia.

–¿Como mago e ilusionista profesional, conoce las trapisondas de los «curranderos y manochantas» como Álex Orbito y sus “operaciones astrales”, el doblar las cucharas con “el poder de la mente”? / ¿Cómo influye el pensamiento mágico en las personas?

–Conozco algo de esos trucos.A Enrique Carpinetti lo conocí (el mago Kartis, se dedicaba a desenmascarar a estos charlatanes). La palabra ventrílocuo viene de ahí: primero en las grandes tribus indígenas, el jefe indio, se paraba atrás de una montaña, hacía sonidos raros, los amplificaba con el eco, y hacía creer a su pueblo que mandaba señales. En la Edad Media, el ventrílocuo era el mayordomo de la casa. La médium se ponía en medio de la sala, la acústica era perfecta, el ventrílocuo que era el mayordomo, haciendo ruidos raros. Empiezan a descubrir que hacen voces extrañas, creyeron que eran poseídos por el diablo. Luego pasa a ser un divertimiento. Eran las cabezas parlantes primero, luego le ponen el cuerpo y forman el muñeco que lo hace más real. De estos pícaros salen los ventrílocuos. Pasó de ser una forma de engaño, a un divertimento. Esa gente tiene alma de engaño, malicioso, nosotros engañamos pero para divertimento, no para sacarte plata (risas).

–¿Los dummies– muñecos de los ventrílocuos – asumen el arte del fetichismo (el objeto inanimado que cobra vida). El mayor ventrílocuo de la historia, Edgar Bergen (de Chicago/ EE.UU.), tenía una cama especial para su partenaire Charlie McCarthy. ¿Cómo es la relación con su adorado Cirilo?

–En la época de “Los Tres Chiflados”(The Three Stooges), “Abbot y Costello”, fue el ventrílocuo más famoso de la historia. Era un número fuera de lo clásico. Tenía la galera y un monóculo de corte inglés. El muñeco era quien reprendía al ventrílocuo. Era todo al revés. Fueron famosos, hacían programas de radio. Todavía se venden los CDs. “Edgar Bergen y Charlie McCarthy” (el muñeco), entrevistando a Jacqueline Kennedy, Marilyn Monroe etc. Cirilo tiene su estudio, su cuarto de 3 x 3 metros, donde está todo nuestro vestuario y nuestra historia. El Placard tiene de todo. Chasman me dijo una vez: “cada año tenés que hacerte un smoking de cada color, así con los años tenés un vestuario completo de variados colores”. Tengo 30, fácil.

– ¿Cómo piensa el fenómeno actual de la joven ventrílocuo Darci Lynne(12 años), que fascinó con su número en el programa “America´s Got Talent”(Tienes Talento)?

–¡Hay...es bellísima esa nena...! ¡Bellísima!... Los americanos y los europeos, tienen varios personajes, muñecos. El ventrílocuo tiene varios muñecos. En América Latina – el sur latino –, el hombre es más querendón, se aferra a un sólo personaje. La gente ve a Cirilo y se enamora del muñeco. Ese personaje se identifica conmigo. Esta nena, tienen varios personajes. Usa los muñecos tipo manopla, títeres manoplas de paños, no como los nuestros de pasta. Son muy lindos, tienen mucha vida. (Y concluye con pasión el relato)...Te voy a resaltar algo, bellísimo de esa nena, es que lo hace con amor: “porque nada de lo que hacemos en nuestra historia, se puede lograr si no le ponemos amor”. Que una nena a los 12 años, le ponga tanto amor, la carita de disfrute, ver los ojitos brillosos, lo siente. Eso es lo que aplaudo. La gente que tiene amor por lo que hace. Esa nena lo impecable que está, la pulcritud con que se presenta. Atrás de ella hay una familia que la contiene, hay valores. Resalto primero lo bien que lo hace, segundo, el amor con que lo hace.

En el juego del teatro y producción de Entertainment, «El Sueño del Pibe» cumplido para este periodista: posar junto a Cirilo y mimarlo. ¡Touché!

Más Info:

Portal de internet de Marcelo y Cirilo:

https://www.marceloyciriloshow.com.ar/

Facebook:

https://www.facebook.com/marcelo.bonetti.9

Video Oficial de Presentación Artística:

https://www.youtube.com/watch?v=KU9t1XU52MY

Agradecimiento:

– Teatro Palacio la Argentina: Rodríguez Peña 361, Casi Esq. Corrientes, CABA / Tel.: 5236-0055.

 Texto /Fotos:Gustavo Contarelli. Especial para Tribuna de Periodistas

Ficha Técnica / Artística

Título original: Sur y después.

Dirección: Hugo Urquijo – Dramaturgia: Vicente Muleiro – Género: Drama.

Reparto: Mario Alarcón (Julián), Daniela Catz (Frenchi), Sebastián Richard (Armando) y Horacio Roca (Didas) / Músico en escena: Federico Marrale.

Escenografía: Sebastián Sabas– Asistencia de dirección: Bárbara Caggiano –Prensa y RR.PP.: A. Monserrat www.alfredomonserrat.com.ar

Teatro: Centro Cultural de la Cooperación. Av. Corrientes 1543 /CABA. (Sala: Raúl González Tuñón / 1° P.)– Costo localidades: desde $ 250.-

Tel.Boletería: 011- 5077- 8000 / Reservas: www.alternativateatral.com

País: Argentina – Año: 2017– Duración: 50min. – Función: viernes 22:00 Hs.

En el teatro, la acotaciónse refiere a lasnotas o comentarios de naturaleza descriptiva que el autor incluye en una obra determinada para explicar detalles. Ahora, cuando el dramaturgo motoriza esas observaciones en un personaje, Didas, hablamos de teatro didáctico o Didascalias. El concepto, la puesta que ofrece el director Hugo Urquijo (“Vacas Sagradas”, 2016), en el Centro Cultural de la Cooperación.

Argumento: “Sur y Después” (de Vicente Muleiro), es una pieza con tres personajes que experimentan y cambian de máscara: Mario Alarcón (Julián), Daniela Catz (Frenchi), Sebastián Richard (Armando); completa la escena –el narrador omnisciente – Didas (Horacio Roca), que lee esas acotaciones que a su vez incluyen los poemas que el protagonista, Julián, escribe. Un cuadro en composé, bajo la mirada atónita del actor-músico en escena, Federico Marrale. Asistimos a la historia de Julián, desde que regresa desilusionado, abatido, a un lejano paraje de la meseta patagónica donde quedó su mujer y sus hijos. Sin trabajo, carente de proyectos, no se reconoce a sí mismo. Es la sombra que precede a la muerte.

El término “Didaskalia” (del griego: διδασκαλία, literalmente "enseñanza" o "exposición clara"), en la antigua Grecia, era la enseñanza e instrucción al conjunto de actores sobre las tablas. También se reconoce como “el marcado de escena”, que el director propone a sus dirigidos. Son los dispositivos de lenguaje, para hacer más reales los diálogos de una obra. En cine, marca el valor agregado en la construcción del verosímil. Con esta advertencia se encontrará el espectador en la coqueta sala de 94 butacas, bien cerca de los actores, donde se siente hasta la respiración de los protagonistas. Un montaje intimista, para 50minutos de lirismo y poesía en movimiento.

La estética del género, rescata la firmeza y textura de la voz de Didas, (un Roca impecable en la declamación), que paciente lleva el cuento al drama, la tragedia. Es la voz omnisciente que señala, describe y consuela. Julián (Mario Alarcón, un actor de gran trayectoria, siempre suficiente), pasa parte del tiempo de espalda al público (un símbolo), juega con el poder de su repentización y descarga tensión y catarsis. Julián es un loser, pero se cree un winner. Es la impotencia ante la derrota populista. Hay espacio para guiños a la cumbia que se apaga, a personajes del afuera (política y actualidad). Julián ocupa el centro del plano, expresa nostalgia de un tiempo perdido; en ese enclave, se inserta las notas del melodrama.

En el escaso tiempo del envío, un reguero de citas del ensayista que provocan humoradas: de fútbol, el Club Ferro Carril Oeste y su época de gloria (Campeón del Nacional, 1982), el DT. Carlos Griguol y jugadores campeones (“Cacho” Saccardi, etc.). Julián le habla a esos fantasmas del pasado y presente, estando incluso en un neuropsiquiátrico. Los textos trabajan la nostalgia como un canto, es una rapsodia al sur. Fastidioso repite hasta el hartazgo su catáfora dilecta: “tengo que comprar atún a mi gato”. El protagonista odia, cuando la suerte le es esquiva; odia al público que no tiene, a su trabajo y a la radio. Es el retrato de un periodista al que la vida le pasa factura y recién se anoticia. Cristaliza el drama costumbrista en poesía:“Las ultimas quejas se escriben en la nieve”. El fracaso en el sur también existe.

Completada la lectura de Julián, como metáfora de los que proponen la batalla cultural, y la cultura le pasó por arriba. Un personaje romántico que al calor de promesas y sueños incumplidos, allí escribe, baila cumbias en el Bar Las Farolas, encontrando elhombre alivio y comprensión en los brazos de Vicky – ese amor prohibido extra familiar – que lo contiene. Sólo así, en los brazos de una corista, alcanzará la felicidad.

Las acotaciones al margen concluyen, en un dispositivo didáctico paradojal: Vierte información en salva, pero aporta escasa tensión a lo jugado. ¿Es que el suspenso debe ser explicado? Exento de catarsis, la didascalia no otorga aprendizaje.El encuentro, el clímax, El Rendezvous, hace mutis por el foro en una simplificación narrativa de autor: “siempre es la falta de aire lo que mata”.

Puntaje de la obra de teatro: 3 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Mario Alarcón 4 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

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Gustavo Contarelli