Ficha Técnica / Artística:

Título original: El Pequeño Poni.

Dirección: Nelson Valente – Dramaturgia: Paco Bezerra – Adaptación: Ignacio Gómez Bustamante–Género: Drama.

Reparto: Melina Petriella, Alejandro Awada.

Escenografía: Maxi Vecco – Iluminación: Marcelo Cuervo–Vestuario: Daniela Dearti–Prensa y RR.PP.: SMH.

Producción General: Sebastián Blutrach.

Teatro: Picadero, Pasaje E. S. Discépolo 1857, CABA / A metros de Av. Corrientes al 1700 – Costo localidades: desde $ 300 / $ 450.-

Tel.Boletería: 5236-3000 / Reservas Plateanet / Web:www.plateanet.com

País: Argentina – Año: 2017– Duración: 80min. – Funciones: sábados 22:15 Hs. / domingos: 18 Hs.

La propuesta teatral “El Pequeño Poni”(del almeriensePaco Bezerra, 2017), como recreación de “un corte de la realidad”, en el segmento del conflicto que asumen los padres de un alumno víctima de bullying. La puesta original del director Nelson Valente (“La Importancia de llamarse Ernesto”, 2015), es lo subyacente del caso: las tensiones de una pareja a la hora de dialogar y tomar decisiones sobre su hijo. De este modo, el tópico universal que se instala no es la mochila (la excusa / el fetiche) o el acoso, sino el acuerdo y desacuerdo de dos personas en situación. Presenciamos un cuento moral; una pieza atractiva, por momentos tensa, sin entusiasta pretensión de palmarés. Es la oferta que se juega y pondera en el remozado Teatro Picadero.

Planteo el tema del corte, la interrupción histórica, ya que el resto (léase colegio, director, alumnos / padres, medios), quedan ausentes del plano descriptivo. En una elipsis paradojal: que aporta la emoción de los parlamentos más duros intrafamiliar, y por el otro, eclipsa la narrativa sin otras voces que compitan y disparen nuevosconceptos. En su estructura se cuentan once actos cortos con separadores musicales. De tal modo, se compone la obra del dramaturgo español (“La Escuela de la Desobediencia”, 2011). Utiliza el habla coloquial para crear un lenguaje cotidiano, pero a su vez provocador de inquietudes diferentes. Entiende la realidad desde la imaginación, mezclando realidad y ficción. Advierte que el acoso escolar ha marcado su vida, de ahí su inquietud literaria.

Argumento. La pieza está inspiradaen hechos reales de una historia reciente en Estados Unidos, durante el año 2014. Grayson Bruce, un estudiante de 9 años de edad, que tras sufrir varios ataques físicos y verbales, le fue prohibida la entrada a su colegio, por llevar colgada a su espalda una mochila con la estampa de “Mi Pequeño Poni”. El director del establecimiento alegó esa conducta de “disrupción en el aula”, como una estrategia para detener el acoso. Un mes antes, el estudiante Michael Morones (de la misma edad de Grayson), tuvo similares problemas por ser seguidor de esos dibujos animados. De tal manera, la emblemática serie My Little Pony – pasó de ser el ícono de la magia de la amistad, los valores y el compañerismo – a convertirse en un símbolo de lucha contra el bullying. Como advertencia de autor, dedica la obra a los alumnos foco de la agresión, sin que ningún adulto a su alrededor haya hecho nada por evitarlo.

En los textos, el Régisseur trabaja la elipsis narrativa para enfocarse en el conflicto profundo jugado por los dos actores en escena: Melina Petriella y Alejandro Awada. Ambos de aceitada empatía que trasciende. Como fondo del Atrezzo, la imagen del hijo colgado en un retrato singular (con movimiento y luces, que expresan emoción, alegría, penuria y tensión). El cuadro de Grayson sentencia el nivel diegético de lenguaje. La platea deberá estar atenta y hacer foco de esta pieza decorativa. La dinámica del envío se proyecta en actos breves que se cuentan en número de 11, y el juego de luces que marcan la entrada y salida a tablas. La excusa narrativa, es el objeto de deseo tan temido: la mochila con los dibujos de “El Pequeño Poni”. Así, que el spot publicitario de la obra se ilustra con los padres de espalda, y la mochila en plano sagital. Trabaja como imagen anafórica que otorga vida al guión.

El espectador percibe en los parlamentos de confronto, los distintos perfiles psicológicos: Awada – en la máscara de un taxista obsesivo por defender causas perdidas – adscripto a quijotadas, un todoterreno que se le escapa la realidad, mientras que su partenaire Petriella, en la piel de dulce y complaciente mujer que lo contiene, al tiempo que lo pone entre las cuerdas. Ella cristaliza la universalidad: “yo pienso como la mayoría, y vos no” (nivel pragmático del lenguaje); “Sos igual que ellos, en el fondo”, replica un atribulado marido; “Soy la mayoría que vos tanto despreciás”, concluye con goteo lagrimal la resignada fémina. La madre expresa “el bien común”, al mejor estilo filosófico de Jeremy Bentham y su escuela del sentido común. El drama cruza a los ausentes y los demoniza: el director del colegio, los compañeros de curso, ese fuera de campo sentenciado como enemigo, nunca la autocrítica. Un clisé del ignorante y del populacho que asedia.

Conclusión: el discurso de “Si uno cree, la magia existe”, slogan romántico /posmoderno que atraviesa la pieza y la expande, no cierra y endereza los problemas de la vida. Tampoco hurga en políticas y posiciones intermedias del conflicto que lo hubiese solucionado. La historiaes la metáfora del fracaso dialógico. En un diálogo, las personas dan argumentos basados en pretenciones de validez y no de poder. Ya lo sostenía el talentoso literato Leopoldo Marechal, a la hora de resolver intrincados problemas: «De todo laberinto se sale por Arriba».

Puntaje de la obra de teatro: 3 ½ Tribunas

Puntaje actor protagónico: Alejandro Awada 4 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima 

Gustavo Contarelli

Ficha Técnica / Artística:

Título  original: Angá Rodolfo.

Dirección: Matías Gómez – Dramaturgia: Ricardo Torre.

Género: Unipersonal /Drama.

Reparto: Ricardo Torre – Músico en escena: Diego Salvatierra.

Asistente de dirección: Nadin Jezabel Gulman.

Diseño gráfico: Felipe Castro  – Fotografía: Felipe Castro

Prensa y RR.PP.: Kazeta Prensa / kazetaprensa@gmail.com

Facebook:   https://www.facebook.com/anga.rodolfo/

Teatro:La Lunares, Humahuaca 4027, CABA / Reservas: https://www.deteatro.com.ar/reservar/1271

País: Argentina – Año: 2017– Duración: 75min. – Funciones: lunes 21:30 Hs.

La propuesta teatral “Angá Rodolfo”  –el unipersonal de Ricardo Torre –  con el encanto del Teatro Off en un cuento navideño. Un melodrama de ADN gauchesco y acento guaraní. Corporiza la máscara de la soledad extrema, de toda caricia y amor humano. Es la mirada provocadora de las tradiciones occidentales a la que nos sometemos como sociedad. La puesta minimalista de Matías Gómez,  en un tópico abordado por el cine y la televisión, con el sabor y la seducción de la prosa correntina.

La pieza cuenta con la presencia de un músico en escena: Diego Salvatierra. Música criolla de autor, como partitura incidental que envuelve la atmósfera tensa y emotiva. Describe los distintos momentos escénicos: separadores de actos, entrada y salida a tablas, asocian la iluminación  en un montaje  básico. El actor de “Marejada” (de Diego Beares), en la epidermis de un hombre solitario que desespera ante la fecha liminar: 24  de diciembre. Es la magna celebración para el reencuentro con los amigos y seres queridos. No obstante, hay quienes están solos y esperan en su nostalgia. El espíritu navideño del aquí y ahora, un vehículo de depresión, angustia y balances. La autocrítica tarda en llegar pero asedia en la conclusión de lo narrado. La cosmovisión, mezcla de autocomplacencia y crítica ontológica, de situaciones extremas.

La obra intimista calza como un guante en el teatro “La Lunares”, de 35 butacas. El espectador puede acceder a toda la magia en escena: el juego de luces, la música empática, hasta los ruidos corporales de contorsión del protagónico. Estos dispositivos de lenguaje visual, para la teatralización de emociones humanas movilizadoras. El silencio de la sala se percibe como eco de la sensibilidad que cruza el unipersonal;  los espectadores asumen el juego del teatro y lo recrean: Las delicias del lenguaje guaraní, el costumbrismo campesino.  Hay una  imagen que cristalizada la trama: la figura del Gauchito Gil (el  fetiche) y su altar. Las velas que arden y la religiosidad como objeto de culto de un santo popular. Es el pensamiento mágico y su circunstancia.  Al tiempo que su  mascota– el gato “Cambá”  –endulza lo doméstico. Las  frases catafóricas aportan sentido: “Rogando a que me inviten”/”Soy una lombriz asustada y solitaria”. Los textos tienen citas de autor: al mítico humorista Benny Hill, que descomprime la angustia asfixiante.

“Angá Rodolfo” construye su mundo (“Angá” - “Angacito”, voz guaraní que significa: pobre /pobrecito) a partir de un sólido personaje donde se advierte el puente pedagógico / didáctico del Teatro Off. La imagen de la oscuridad total en escena, símbolo del abatimiento y de una larga lista de sinsabores. Con ausencia de romanticismo, el drama /la melancolía y la soledad, se juega  y condensa.  El actor Ricardo Torre le pone el cuerpo y se siente: en todos sus movimientos; en la creación del personaje; en el uso y manejo de las emociones; el dominio del espacio escénico; abordaje del texto; en las técnicas para improvisar. Con todo, se percibe el espasmo de las articulaciones del cuerpo atravesado por el dolor y la soledad. ¡Todo un logro!

Conclusión: Asistimos a la refutación del axioma popular “Si uno cree, la magia existe”. Los mediadores surrealistas del pensamiento mágico  sugestionan sólo a los que creyentes. Ni la superstición o el  altar de su gauchito, pudo devolver la tranquilidad al humano sufriente. En palabras del sabio universal Dante Alighieri: “No hay mayor dolor que recordar los tiempos felices en la miseria”.

Puntaje de la obra de teatro: 4 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Ricardo Torre 5 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima   

Gustavo Contarelli

Ficha Técnica / Artística:

Título original: Medea en la Oscuridad / De Eurípides.

Dirección / Versión / Puesta en Escena: Marcelo Silguero – Género: Drama.

Reparto: Verena Smith (Medea), Cristian Disabato, Juan Lucero, Mirta Galluppi, Fede Marrero, Laureano Ferro, Franco Raffín, Vanina Koiffman, Federico Papaleo, Chiara Di Bella, Sebastián Aisen, Myriam Gordillo y Maximiliano Arko – Banda:“Absenta Soul” / Músicos: Chiara Di Bella (voz), El Gato Ale Quiroga, Luiggi Montaño y Nahuel Domínguez.

Iluminación y Sonido: Manuel Mazza –Vestuario: Juan Lucero–Prensa y RR.PP.: Alfredo Monserrat / www.alfredomonserrat.com.ar

Producción Ejecutiva: Smith / Galluppi / Silguero.

Teatro: Auditorio Losada, Av. Corrientes 1551, CABA / – Costo localidades: desde $ 200.- Reservas:www.alternativateatral.com

País: Argentina – Año: 2017– Duración:75min. – Estreno: 08-10-2017.Funciones: domingos: 20 Hs.

“Medea en la Oscuridad” / de Eurípides, es la versión aggiornada del dramaturgo Marcelo Silguero (“Casamiento en el Campo”, 2010). El nuevo concepto teatral en clave de melodrama rock. La oportunidad para que el público alejado de los clásicos de la literatura universal, se acerque a los trágicos de la Antigua Grecia. Son 13 actores en escena; 3 músicos de la banda “Absenta Soul”, animan la entrada y salida de los artistas. Un musical dramático es la propuesta en el Auditorio Losada –Calle Corrientes –los días domingo a las 20 hs.

Argumento. El escritor Eurípides humanizó los mitos. Los problemas que aborda son reales y de su tiempo. Siempre nos regala una moraleja, donde el héroe reconoce su error y se redime. Medea y Jasón pertenecen al linaje de los dioses. Están casados, tienen 2 hijos. Medea descubre que Jasón tiene un romance con la hija de Creonte (Rey de Corinto). Ella es una mujer vengativa y arrogante. La deshonra de su lecho conyugal la hará pagar con sangre. Se convierte en una mujer desgarrada, despechada, porque su esposo Jasón, abandona su hogar para casarse con una joven princesa y planea una terrible venganza. Desde la oscuridad más absoluta, muestra el infierno que vive Medea. Con música rock como mediadora, se cuenta una historia de pasión, amor, venganza y muerte.

La característica basal del melodrama, es el juego del público (emociones y sentimientos) mediado por la música para lograr el efecto deseado. La tragedia clásica se caracteriza, según Aristóteles, por generar una catarsis en el espectador. El objetivo del género es provocar en las personas dos emociones: el temor y la compasión. El dramaturgo griego realza la figura femenina: Medea es sabia, formidable, fuerte, hábil y luchadora. Es amada y odiada al mismo tiempo. Medea es la legitimación de la violencia.

En los textos, el Régisseurtrabaja la elipsis narrativa para enfocarse en el conflicto profundo: el amor y la venganza. Al enterarse Medea de su desdicha, el armado de su ira se inicia. Es una mujer despechada que va contra el establishment de la época. El demérito en la versión de marras, hay que signarlo en la falta de dinámica dialógica en la construcción del verosímil. El teatro es condensación mientras que el cine es dispersión conceptual. Con esta advertencia asistimos a la pérdida de sentido. Son los problemas de la elipsis y su lógica descriptiva. En Medea, son pocos los momentos de clímax.

En cuanto al reparto, Medea (Verena Smith) cumple con suficiencia el personaje central. La representación gira a su alrededor. Su rol de actor se relaciona con sus opuestos en los parlamentos. Smith tracciona al resto del elenco y levanta la pieza del ostracismo. Aporta frescura y belleza a la trama: Vanina Koiffman, Chiara Di Bella y Myriam Gordillo; Mirta Galluppi, el partenaire necesario de Medea, con solidez y presencia sobre tablas muestra su oficio. La estructura de la pieza se basa en los niveles del lenguaje; en los diálogos de confronto, la declamación de los personajes que impacta en el auditorio. Se oye un rosario de frases, poesía y épica: ¡Oh patria, cuánto me acuerdo de ti ahora! De estética cosmopolita, se asocia al clásico estilo helénico con aderezos de la sociedad moderna. Una entente que se mira superadora pero se queda en la pretensión.

Conclusión. Lo que subyace en la historia es la prosa multicultural de Marcelo Silguero, en la nueva versión de Medea de Eurípides. Así se conforma el melodrama rock de un clásico del género, cuya influencia persiste hasta nuestros días. Medea recuerda a los hombres su lección, que pende como Espada de Damocles: “Una mujer suele estar llena de temor y es cobarde, para contemplar la lucha y el hierro, pero cuando ve lesionados los derechos de su lecho, no hay otra mente más asesina”

 La prosa multicultural del Régisseur Marcelo Silguero, en la nueva versión de Medea de Eurípides.

Puntaje de la obra de teatro: 3 ½ Tribunas

Puntaje actor protagónico: Verena Smith (Medea) 4 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

Gustavo Contarelli

Ficha Técnica / Artística:

Título para Latinoamérica: Yo soy así, Tita de Buenos Aires.

Título original: Yo soy así, Tita de Buenos Aires.

Dirección y Guión: MaríaTeresa Costantini.

Género: Drama / Biopic – Apta para mayores de 13 años C/R.

Reparto: Mercedes Funes,Damián De Santo, Esther Goris, Mario Pasik, Ludovico Di Santo, Andrea Pietra, Soledad Fandiño, Enrique Liporace.

Productora: Buenos Aires Producciones – Distribuidora: Buena Vista International –Sonido: Carlos Abbate –Montaje: Laura Bua.

Música: Osvaldo Montes–Fotografía: Hugo Colace –País: Argentina.

Año de producción: 2017 –Estreno: 05/10/2017 –Duración: 111min.

“Se dice de mí…Se dice de mí….Se dice que soy fiera, que camino a lo malevo, que soy chueca y que me muevo con un aire compadrón...” Así comienza la milonga de Francisco Canaro con letra de Ivoy Pelay que inmortalizara Tita Merello. La mejor presentación del Biopic (Biografic picture) de María Teresa Costantini, con el protagónico de Mercedes Funes como la gran Tita de Buenos Aires. Por definición, un género complicado (salvo raras excepciones), por lo previsible, rescatado en esta oportunidad por la nostalgia de personajes entrañables y el melodrama tanguero.

Las películas biográficas representa un dolor de cabeza a la hora de abordarlas desde la cinematografía clásica: ponderada como imaginables por algunos, (el público sabe a lo que se enfrenta), otros, se enamoran del arte de la representación de cintas tales: “La Lista de Schindler”, “Espartaco”, “El Discurso del Rey” (2010), “El Aviador”, “Lawrence de Arabia”, etc. La actriz y cineasta Costantini (Felicitas, 2009) ha caído en el vórtice de ese tramposo género. Con todo, un film recomendable para los diletantes del tango, el lunfardo, y la milonga “cachengue”.

Argumento. Laura Ana Merello, más conocida como Tita Merello, actriz, bailarina y cantante popular, atravesó casi la totalidad del siglo XX. Ha sido uno de los emblemas más representativos del tango argentino. Yo soy así(2017)es la historia de la pasión por su arte desde los inicios en el teatro Bataclán – como corista de tercera –hasta su consagración profesional. Es un recorte de una larga vida llena de sinsabores y llamaradas. Arranca desde los 17 años limpiando su pensión hasta los 52. La humanidad sin filtros, la palabra de los arrabales de esos hombres y mujeres como protagonistas de historias reas que originaron memorables piezas musicales. Nacida en un conventillo de San Telmo, dueña de una personalidad desbordante, directa y frontal: “Me costó trabajo aprender a vivir, pero aprendí a vivir, a leer, a pensar por mi cuenta. Si fuera verdad que la inteligencia se desarrolla en la resistencia, tendría que ser la mujer más inteligente del mundo. Fui resistida y resistente” / así se definió cierta vez.

El guión transita por innumerables guiños de época: la aristocracia lee el diario La Prensa; asiste a las tertulias y desfilan personajes queridos de nostalgia y argentinidad: Alberto Gómez, Carlos Gardel, Francisco Canaro, Luis Sandrini, Enrique Santos Discépolo, Hugo del Carril, Tito Lusiardo, Libertad Lamarque, Pepe Arias, Azucena Maizani, hasta políticos emergentes: el Gral. Juan Perón y Eva Duarte. El nivel de lenguaje cinematográfico es una antología / el refranero popular de la Merello, del cual se podría escribir un libro. La historia propuesta es la antropología del ser detrás de la leyenda. La estructura del metraje está dividido por separadores de tiempo: cada época resumidos en secuencias. Son los hitos de la pasión de Tita. EJ: El ascenso social de una muchacha de extracción humilde, casi ágrafa / iletrada. La movilidad social ascendente de Tita y sus amores. También una mujer agradecida de quienes la ayudaron.

La estética del film, en el contraste entre la épica, la explosión, la caída y la gloria de la protagonista. Asistimos a un melodrama tanguero de época: la violencia doméstica, la marginalidad, los sueños, las miserias y las grandezas del humano sufriente. La religiosidad popular de Tita, y la arquitectura de opulencia y el desarrollo de la ciudad por otro. Merced a Simón Iriondo, que la escuchó en el Bataclán, logra su primer contrato, pero lo más importante, logra la conciencia de su clase y de la necesidad de progreso.Él la ayuda a estudiar, a capacitarse para la vida. Tita sabía que iba a salir. Ella le ganó a la pobreza. ¿Pero fue feliz?

El reparto: Mercedes Funes en la epidermis de Tita, es lo superador de la historia. No hay que buscar la mímesis (la imitación). Rescata la esencia del personaje; el poder de repentización de la leyenda, su abordaje a los hombres, la visión provocadora de la realidad. Convence en una construcción de verosímil esquiva por inconsistencia narrativa. Damián De Santo, como Luis Sandrini, su gran amor y pasión, un ad látere con poco brillo. Esther Goris, como Ana (la madre), cumple en el rol de una sufrida mujer sumergida en su propia miseria. Mario Pasik (Iriondo) supuesto primer amor y desilusión, es el encargado de sacarla de la real miseria: la ignorancia. La capacita a Tita en estudios no formales rescatándola de la barbarie. Todo un logro humano.

Conclusión. “En la casa donde se avisa no se traiciona”,es la deontología asumida por Tita. Resultó una alumna aventajada de las picardías de esos hombres que la abrumó. Mujer que se reinventó a sí misma, en un tiempo y escenario de buenos y malandras. Cae el telón a una historia símil “ElExilio de Gardel” (1986). Ahí, el Zorzal Criollo se encuentra con el Gral. San Martín; ahora Tita, en un final a toda emoción, reúne a sus seres queridos muertos y vivos. En un Rendezvous glorioso que se me “pianta” un lagrimón. Tita, fiel a su estilo, no quiso saber de la vida ajena. Aunque los extraños sí pudieron enfrentarla, comprenderla, e incluso algunos amarla:

«Se dice de mí… […]...Se dicen muchas cosas, más si el bulto no interesa, ¿por qué pierden la cabeza ocupándose de mí?».

  Gustavo Contarelli

Puntaje de la película: 3 ½ Tribunas

Puntaje actor protagónico: Mercedes Funes 5Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

El«Periodismo Cívico»(Ciudadano /Urbano /Participativo), es un modelo de participación ciudadana sobre la base del debate de una problemática para encontrar soluciones. En el periodismo de contacto con la comunidad, los ciudadanos adquieren un rol activo en el proceso de la comunicación. Así lo entiende y hace uso de este canal de noticias, María Luján Lamon de Giménez Uriburu, sus cartas abiertas al diario La Nación, se viralizaron en las redes sociales cristalizando en el camino de la opinión pública.

De prosa llana y profunda, no fue fácil convencerla para la entrevista. No habló con otros medios. Es un hallazgo. Los temas de María Luján: el mito de los 30 mil desaparecidos; derechos humanos para todos (a través de su pedido epistolar a la gobernadora de Bs. As. María Eugenia Vidal); el uso político del caso Maldonado por su hermano y el populismo. De perfil bajo – mujer frontal y de palabra – cuando se ve vulnerada como ciudadana que cree en la cultura, los valores y la democracia, puja ante las injusticias. Ejerció la docencia en el nivel primario, vivió en la Patagonia y hoy disfruta junto a su esposo de su pyme inmobiliaria. Una luchadora que se hizo desde abajo, que nadie le regaló nada. Un actor social más que atractivo para dialogar conTribuna de Periodistas:

–¡María Luján, Ud. movió el avispero! ¿Qué la motivó a confrontar con el establishment populista y contracultura?

–AMaría Eugenia Vidal, la voté, pero me defraudó. Yo cito que ella habló de la mentira: que la mentira es esto y lo otro (que mentir es deshonesto, que ser deshonesto es un delito), y la aplaudo; luego corrobora con su firma una ley mentirosa: los 30 mil desaparecidos. ¿Por qué no la vetó? Eso es avalar una mentira. Pero bueno, mirá que la gente hace esto o lo otro. Pero que vuelva Scioli, nunca. Ella miente. Que te quede claro, me encanta María Vidal. La admiro. Fue una situación que me motivó a escribirle. Me doy cuenta que la gente es muy superficial, no se involucra en los temas importantes. Los políticos mienten. Era un gesto chiquito, nadie le dio importancia al tema. ¿Cómo se siente Ud. señora Gobernadora, junto a sus hijos, viviendo cómodos en una base militar –por su seguridad – por los mismos miembros de esas Fuerzas Armadas a los que Ud. acusa,no tiene sentido. En las bases militares te tratan bien. Lo digo por experiencia propia. Me sacó. Luego vino la Carta Abierta a Sergio Maldonado. Ya se sabe que se ahogó por sumersión, y se sigue instalando que lo mató la Gendarmería. Una farsa usada políticamente.

–Cuando Ud. escribió su Carta Abierta a Sergio Maldonado, estaba en plena ebullición de operaciones y contraoperaciones para instalar la idea de la desaparición forzada y tirarle el muerto a la Gendarmería. El diagnóstico de la necropsia reportó: “asfixia por sumersión”. ¿Sin embargo siguen negando la evidencia científica los grupos del RAM, familiares y secuaces?

–Para mí es una farsa, están aferrados a su farsa. Son los 5 minutos de fama. El tipo está en contra del gobierno. ¿Toda esa cantidad de abogados quién los paga? De Santiago Maldonado no les importa realmente. Si a Sergio Maldonado le hubiera importando tanto, hubiera hecho algo por él, que no haga esa vida de hippie, que estudie, que haga algo productivo. Era un vagabundo, no creo que sea el orgullo de ninguna familia bien constituida, digamos la verdad. Si le hubiera importado tanto, por qué no hizo nada para cambiar esa vida errante, convertirse en un hombre de bien. No me llegó la tristeza genuina de parte de él. El dolor de una madre no me quiero meter, ¡tengo 4 hijos, 8 nietos, imagínate! ¿Ahora demuestra tanto amor? Le hubiera dicho a su hermano, ¿flaco, qué vas a hacer de tu vida? Lo que me llegó, si, cuando mira a la cámara y dice: ¡Nadie vote a Macri! No votar a Macri. Tiene mucho manejo de la teatralización, del uso de las cámaras de TV. “Me cayó la ficha”, sabiendo lo que pasó. A ninguno les importa el pobre Santiago Maldonado. Son todos lo mimo. Sergio usó políticamente la muerte de su hermano ahogado.

–El peronismo y la extrema izquierda jamás piden perdón. Abordan una deontología del relato (la posverdad). Jamás la Sra. Estela de Carlotto, expresó disculpas a Ernestina de Noble, por los hijos de la difunta dueña de Clarín, que no eran de desaparecidos. Carlotto concluyó: “El caso Noble quedó resuelto por ley”. (1) ¿Y el arrepentimiento? Cuando la ciencia habla, la ideología calla.

–Tal cual.Exactamente. El daño que le hicieron a esa mujer, no sé si la llevó a la muerte. No van a pedir nunca perdón, igual que Bonafini. No tienen remedio. Siempre estuvo la ideología por sobre cualquier sentimiento, pensamiento. La ideología…la ideología acompañado de intereses económicos, digamos la verdad. Nadie es tan ideólogo que se muere de hambre. Porque esa señora (Carlotto), viaja a Europa, pasea con esos vestidos que se pone. Hicieron una industria de los derechos humanos. Son necios, nunca aceptan que están equivocados. Pienso en toda esa gente que está presa hace tanto tiempo; la hija de Lambruschini (Paula, de 15 años), asesinada por montoneros; del Gral. Cardozo. Mataron a niños inocentes. Su amiga se metió en su casa y le pusieron una bomba y volaron por los aires. Siempre la culpa la tiene el otro. Son necios.

–Pareciera que los organismos de Derechos Humanos diferencian entre los muertos del nazismo, el fascismo – que son los regímenes que hay que juzgar y condenar – mientras los crímenes del stalinismo, leninismo, castrismo, chavismo siempre quedan impunes. Los cadáveres no tienen ideología: una bala que mata no es de derecha, de centro o izquierda. Hay una cosmovisión romántica de la violencia política, la liturgia mesiánica de “los jóvenes idealistas” de los años 70.

–Sí, los “jóvenes idealistas”. La izquierda es mentirosa y segregacionista. Con los derechos humanos, tengo mi propia idea. “Soy de la época de los Deberes Humanos”. Mi padre jamás me habló de eso. Si vos querías un derecho, tenías que hacer bien los deberes, muy bien hechos y luego accedés a un derecho. Deber humano no tiene nadie. La obediencia era lo principal. En mi casa me educaron bien. No tenía dudas existenciales. Nadie me premió nunca. Mi padre era muy austero, papá era médico. Viví en Ushuaia cuando era pequeña. De adulta fui maestra y profesora de inglés. Disfruté de todo. Y eso que nunca tuve un mango. Lo poquito que tengo es por laburar a lo bestia. El mundo está confundido, deber humano no tiene nadie. ¿Sabés lo que decía mi padre en el día del niño?... El día del niño son todos los días. Y te la tenías que bancar. Yo tenía ganas de tener regalos. Y a mis hijos y a mis nietos, jamás los festejó. Es exagerado, lo reconozco, es hermoso festejar ese día. Me muero por mis hijos y mis nietos. Todos se llenan la boca hablando de los derechos. ¿Y el deber?

–¿El post- kirchnerismo cómo lo ve?

–Yo creo que sí se puede salvar a la gente, es con educación. No hay nadie que le dijo lo que está bien o mal. Nadie les enseñó, falta educación. Hay que hacer obras públicas, servicios esenciales y educarlos para cambiarlos. Los dirigentes son irrecuperables, como dice ese señor que vos mencionás (se refiere al científico y epistemólogo Mario Bunge, queuna vez le respondió a este periodista sobre los profesores que enseñan pseudociencias: “Son irrecuperables, los alumnos no, hay que educarlos”). Coincido, los dirigentes son irrecuperables, el pueblo sí se puede cambiar. Hay que educarlos y hacer obras.

–Hay un tópico que me preocupa sobremanera, la falta de respeto al Estado Argentino (a los valores, la historia, la ciencia y su cultura). EJ: El multiculturalismo populista atenta contra un presidente constitucional y democrático (Mauricio Macri), cortan rutas, ponen bombas molotov como si fuera cotillón, queman estatuas del Gral. San Martín. Es la violencia como expresión de la política, de la intolerancia y del terror, como medio de resolver conflictos.

–Lo resumo en la carta que escribí a Sergio Maldonado: “Ud. Sr. Sergio Maldonado, critica e insulta a un presidente constitucional, demostrando a todas luces que el amor a su hermano no es más que odio disfrazado. Que su ideología lo supera y está por encima de cualquier otro sentimiento”. Fue muy agresiva, lo reconozco. Nací y me crié dentro de la norma y la obediencia. Había una jerarquía en la mesa familiar. En una familia hay normas. Sé que a la gente le gusta leer escritos que provoque. Una vez que hacemos bien los deberes, vienen los derechos humanos. Si el deber no lo hace nadie, ¿quién merece el derecho? Son valores.

–Hoy, el anarquismo relativista pretende instalar conceptos: posverdad, ideología de género, separatismo extremista, batalla cultural, pueblos originarios como “universales” etc. Todos cruzados por el desprecio de la razón y la ciencia, por considerarla como objeto de explotación del capitalismo. Sin saber que gracias a la ciencia y no a la ideología se curan enfermedades, se viaja, hay teléfonos, la comunicación, internet y miles de cosas más de uso doméstico. Gracias a la ciencia y no el saber indígena, se realizan necropsias y se diagnostica causales de muerte. ¿La estupidez de este discurso medievalista no tiene fin?

–Yo lo reduzco muy fácilmente. Soy creyente católica. Voy a la biblia y enseguida te das cuenta que es un disparate. Es una aberración de la humanidad el tema de género. Siempre los varones con las niñas, el gato con las gatas, el perro con las perras. Salvo deformación genética si le ha tocado. Es lo que creo y siento. Y lo voy a defender a rajatablas. No existe ninguna de esas cosas. Viene de teorías de un señor llamado (Antonio) Gramsci, que aconsejó a la humanidad que las guerras y las batallas a ganar no se logran a través de las armas, sino del pensamiento, de destruir la cultura, las instituciones. Y la primera es la familia, y se destruye toda la humanidad. A mí no me hubiera salido un hijo gay. Todas estas mujeres del extremismo feminista de Chaco, tendrán que rendir cuentas del sacrilegio que han hecho (exponer sus intimidades y miserias frente a una iglesia); La señora Bonafini orinando en la Catedral de Buenos Aires. En cuando al tema del Papa Francisco, es algo muy espinoso, pero respeto su investidura. Es una cuestión política y económica. Creo entender por qué lo hace. Nunca imaginé que Dios pudiera permitir que tuviéramos un Papa peronista. Respondo tu pregunta: Sí, el Papa me decepcionó. Todos tendremos que rendir cuentas, Seas ateo o creyente, él sabrá lo que tenga que decir.

–En las cárceles de Buenos Aires, ganó por “robo” el populismo kirchnerista con el 73 % de los votos. (2) ¿Peronismo es igual a Delincuencia?

–Para mí ser peronista es ser delincuente, que Dios me perdone, pero es así y no soy amiga de las generalizaciones. Habrá el 73 % de delincuentes. No podés ser peronista y ser una buena persona. No se puede adorar como adoraban a ese señor (al Gral. Perón), que era un degenerado, te lo digo como mujer. Nunca tuvo una familia normal, una esposa normal, si tuvo o no hijos no lo sé. Era un degenerado de cualquier punto de vista. Dios le dio mucha inteligencia pero la usó mal. El tema sus amantes, las colegialas (La UES, Unión de Estudiantes Secundarios), quemó iglesias, el Jockey Club de Buenos Aires (las sedes de los partidos radical, demócrata y socialista en 1953). 

Referencias:

(1) Fuente: http://www.lanacion.com.ar/1674476-finalizan-los-peritajes-sobre-los-hijos-de-noble

(2) Fuente: http://www.ambito.com/894073-paso-cristina-se-impuso-por-el-73-en-las-carceles 

Para leer sus Cartas Abiertas:

http://lineasyentrelineas.blogspot.com.ar/2017/08/

http://entrerios24.com.ar/carta-abierta-al-sr-sergio-maldonado/

Agradecimiento: Vittorio /Pizza /Café /Comidas.Av. Libertador 16.236 -San Isidro / Tel: 4747-4602 (frente a Catedral).

       Texto /Fotos: Gustavo Contarelli   Especial para Tribuna de Periodistas

La Asociación Argentina de Empresarios Teatrales y Musicales (AADET), tiene en su presidente, Sebastián Blutrach, un gestor cultural sui géneris. Pertenece a la nueva vanguardia de productores de espectáculos artísticos. De familia de teatristas, es Kinesiólogo, fue jugador de vóley profesional, aunque no extraña su pasado. Es propietario y director del Teatro Picadero,que armóinspirado en el modelo de los teatros europeos. Tener su propia sala le dio certezas. No acusa contradicciones entre el teatro comercial y el alternativo: “Me considero un trabajador de la cultura que ocupa el rol de productor”, reflexiona. El teatro es arte, pero también industria. “En la Argentina la palabra empresario está mal vista, pareciera ser que el pone la plata limita la creación”,concluye. En esa fina y tensa dialéctica, recibe a Tribuna de Periodistas en su oficina del 3^er piso del coqueto teatro que lo tiene de mentor:

–El programa “Vení al Teatro” de la AADET es un éxito de taquilla: entradas a $ 100.- ¿Hay otros dispositivos para fomentar el aumento de espectadores?

–En este caso, no hemos copiado. La idea surge de AADET. Veníamos discutiendo dentro de la misma, es limitada la cantidad de acciones que podemos hacer porque somos empresarios con distintas características. Cuando armás algo corporativo, hay que incluir a todos, tiene que ser muy general. ¿Cómo podemos hacer una movida de apoyo al teatro, pensábamos? Y lo tomamos de esa campaña “Tome Vino”. Fue el primer punto de encuentro. (Hace 4 / 5 años). Fue consensuado. Los del interior fue más difícil de aplicar porque no tienen una programación fija. No hay margen de hacer demasiadas promociones. En capital, al haber más opciones, te permite jugar con las promociones. Es difícil que se copie. En España, las asociaciones de teatro, tienen menor nivel de adhesión que acá. En Chile, nos copian a nosotros. En general los países limítrofes nos copian. La Asociación (AADET)va a cumplir 100 años. Tomamos ideas de Broadway, de Londres, España y Francia. Estamos pendientes de eso. (Marketing, políticas de precios, trabajo sobre la demanda, etc.). La butaca que no se vende, no se recupera más. Hay que buscar un equilibrio. No hay que canibalizar tu producto. A los productores no les va a todos muy bien. En esta profesional, tenemos que aprender a naturalizar un fracaso como parte de nuestra actividad: un éxito como “Toc Toc”, puede pagar más de 3 o 4 fracasos. Es una actividad de alto riesgo.

–¿Cuáles son las diferencias de los empresarios de la época dorada del teatro argentino y la actual? ¿En dónde estamos aquí y ahora?

–Los tiempos cambiaron. No hay mucho lugar para eso del ayer.Hay de todo. (Carlos)Rottemberg es full time, (Pablo) Kompel es full time, (Gustavo) Yankelevich, se volcó al teatro también. Son cambios de épocas: antes se hacían 12 funciones por semana, ahora, hacés 4. Antes tenías 5 mil espectadores por semana, ahora si tenés 1.500 es un éxito. Cambió el entretenimiento. Se abre una sala de microteatro y se hacen microfunciones de 7 minutos, cada media hora, y la gente va. Cambió la manera de entretenerse. Antes lo presencial era mucho más importante que ahora. La tecnología cambió la forma de producir.

–¿Cómo es el negocio del Teatro, las leyes de protección? Pienso en las diferencias con el Teatro Off, que tracciona como semillero.

–A la gente que hace teatro Off, no le gusta que se los llame semillero;se plantean como una identidad de sí mismo. Desde el lugar de progreso que planteás, estamos de acuerdo. Pero desde el lugar que progresar es llegar a Calle Corrientes, puede no ser ese el objetivo. Para algunos, el objetivo no es llegar a Calle Corrientes. Detrás de cada actor hay una persona, tienen objetivos distintos. No les interesa hacer una obra que no le genera nada. Muchas veces genera contradicciones el ganar plata. Lo artístico si uno lo mira desde la pureza, no está dispuesto a contaminarlo. Ej.: Si en mi búsqueda artística no estoy dispuesto a hacer una obra con 6 semanas de ensayo, no se hace. Muchos no están de acuerdo con este formato. El hecho creativo, la palabra industria, es un sendero finito. Hay un hilo fino. Las cooperativas de teatro tiene otros acuerdos con el sindicato, por el tema contratos. Es un espacio gris ante la ley. No hay ART. Sacan un seguro de accidente. Hoy la “Ley del Actor”, no cumple el objetivo con que nació: que los actores se puedan jubilar. De cada 4 meses de aportes, es 1 año, no se llega la posibilidad de juntar lo básico del convenio. Nosotros (AADET), hacemos esos aportes. Antes eran monotributistas. Hoy están en relación dependencia. Se abona a contrato a término, por duración de obra o contrato. Se liquida aguinaldo o vacaciones. Hay muchas modalidades de pago a los artistas: semanal, mensual, a porcentaje, etc. La paritaria es con el sindicato. Hay un convenio colectivo de trabajo desde 1973, y actualizamos algunos puntos Ej.: Las comedias musicales, elencos extensos, los que hacen menos de 3 funciones por semana. Tenemos convenio con el sindicato de Variedades. Tendría que haber una ley más abarcativa, de El Trabajador Artístico.

–¿Sobre la evolución, el cambio de costumbres de los actores y el público? ¿Cómo observa la magia y el magnetismo de la Calle Corrientes?

–Me parece que la Calle Corrientes, en su mayoría, todavía el público va a ver a ese actor que ver en el cine y la TV. Es encontrarse en vivo, con el actor que se mete en su casa. Está ese encuentro de ver ese actor favorito. En el teatro Off, uno va en busca de lo artístico, lo colectivo, no va a ver un actor. Desde ese lugar son situaciones distintas. Lo del Off, por el tamaño es mucho más intimista. Es algo más exclusivo del hecho artístico.

–Analicemos la actividad teatral, los circuitos comerciales y Off (alternativos): Hay 25 teatros comerciales, 300 salas independientes, recaudan 4 millones de pesos anuales (Observatorio de Industrias Creativas). ¿Cómo son los subsidios y el fomento del sector?

–Separemos las cosas: el Teatro Independiente cuenta con subsidios. Tiene varios subsidios. En CABA tenés Proteatro, a nivel nacional, el Instituto Nacional del Teatro, el Fondo Nacional de las Artes. El Teatro Comercial a diferencia con otros países, como España – donde viví y conozco– no cuenta con ningún tipo de subsidios. Sí, hay exenciones impositivas. Por una ley de exención de dominio, para proteger los teatro (si se tira un teatro, se debe construir otro similar). La propiedad perdió valor, con referencias a otras. Por eso no pagamos impuestos nacionales, ganancias, ingresos brutos, IVA, también las propiedades tienen menos valor. Por eso la compensación. Las entradas no tienen IVA. Como dice Rottemberg: “Hay que ser capitalistas en los éxitos y en los fracasos,no ser capitalistas en el éxito y socialistas en el fracaso”. Es una frase de él, poné las comillas, a ver si se me enoja (risas).

–¿El Colectivo de Resistencia Interdisciplinario y de Arte (CRIA) –asociados a la contracultura e ideologías marginales – como es de esperar plantean un escenario de crisis, vaciamiento de compañías, ausencias de políticas de Estado en el Complejo Teatral de Buenos Aires (CTBA)? ¿El planteo es legítimo o ideológico?

–Hay varias cosas. Lo primero no conozco ese colectivo en particular. Todo el teatro independiente es muy crítico de las políticas culturales. Celebro la reapertura del San Martín, la programación de (Jorge) Telerman, es acertada y plural al llamado de directores y propuestas con grandes elencos. Ocupa el espacio que no ocupa el teatro comercial. Nosotros no podemos hacer una versión de Roberto Arlt, una compañía de 14, 15, 16 actores. Que retomen grandes elencos lo celebro lo mismo que el Cervantes. Sigue cerrado el Alvear. Hay cosas cuestionables. En cuanto al vaciamiento, existe por ley actividades de fomento de Proteatro, el Instituto de Teatro, proporcionalmente el presupuesto ha bajado, sí hay recorte a esas actividades. Hay algo que sufren las actividades pymes, estos espacios que no son un negocio, sí de creación. Las tarifas de servicios públicos, cuando en una sala independiente pasan de pagar 1500 a 8 mil de luz, no son sostenibles a largo plazo. No hay recupero. Son emprendimientos creativos que a lo sumo crean trabajo semi formales. Tengo mi oficina de producción acá arriba del teatro, que me coloca en otro lugar entre los actores, y mis colegas, a mí me cierra por otro lado, por el placer. Si pondría el dinero que invertí en (Bonos) Lebacs, no tendría que aguantar a nadie (risas). No todo está ligado a lo económico.

–¿Cómo piensa las nuevas formas de teatro–espectáculo: el experimental /interactivo /pedagógico / teatro ciego, etc.? 

–Soy un poquito escéptico. En cuanto a la experimentación estoy a favor. Luego está lo que a mí me gusta. Particularmente, me gusta el teatro con un buen texto, buen director y artistas que me emociones. Repito, es lo que a mí me agrada. Soy muy clásico. Por lo tanto, es un espacio de experimentación que nos enriquece como sociedad. 

–¿El empresario teatral, percibe como un problema «La Grieta» política? 

–Me parece que injustamente, se ha colocado a los actores en un lugar y se los ha escrachado. Me acuerdo una nota en La Nación, enumerando a los actores que había trabajado en la ficción de la TDA (Televisión Digital Abierta). El actor va y trabaja. Me parece que se ha estigmatizado al actor, como persona pública. El problema no lo traen los actores. Estoy haciendo “El Pequeño Poni”, una obra con (Alejandro) Awada y (Melina) Petriella, que vos viste (ver: https://periodicotribuna.com.ar/18355-el-pequeno-poni.html), Awada me pide no hacer prensa. En ninguna quiere estar sólo. Luego le preguntan por la hermana o el Gobierno, y termina por ser el título de la nota. Cuando estrené “Jugadores”, estaban actores con compromiso kirchnerista, y los títulos eran espantosos. No se pudo hacer una prensa de la obra. ¿Qué pasa con eso? La grieta viene dada desde el afuera. Hay gente con los que uno puede acordar al menos en lo básico. La grieta existe como en cualquier familia. Cuando está el cariño de por medio, evitás los temas. A nivel empresario no voy a dejar de contratar a nadie por su manera de pensar. He tenido reuniones con Juan José Campanella, aunque tenemos posiciones encontradas. Sí, trabajaría con él.

–¿Ve cine? ¿Y Televisión? Su mirada.

–No voy mucho al cine. La TV. me duerme, lo uso como chupete electrónico. Sí, paseo por los programas de actualidad. Hay algunos periodistas que no me los aguanto pero los escucho un rato. Me gusta ver la mirada diferente en los distintos canales. Me entretiene observar el tratamiento distinto de línea ideológica que dan. El cine me encanta, pero voy poco. No tengo mucho tiempo. Voy más un fin de semana. Me gusta engancharme con los “tanques” de Hollywood por la tele los fines de semana. Me enganché con “Gladiador” (Ridley Scott, 2000) la vi varias veces. El tiempo que tengo lo dedico al teatro.

–Ud. es Kinesiólogo (no ejerce), y practicó Osteopatía, una pseudociencia. Como diría Mario Bunge: “Macaneo posmoderno”. Bueno, nos vamos a pelear, ya que refuto el pensamiento mágico (risas).

–No nos vamos a pelear. Yo creo la medicina convencional, es un enfoque científico, al cual respeto. No voy a decir no vayas al kinesiólogo y andá al osteópata, no vayas al cirujano, andá al osteópata. No vayas al especialista andá al osteópata. Creo en las medicinas complementarias, en la suma y no en la resta. Para algunas personas puede servir, para otras no, creo en osteopatía como una manera de curar. Es interdisciplinario. Tiene límites. Todo lo que tiene que ver con la Antroposofía, o lo natural, ¿te parece que no tiene que ver? Puede ser complementaria de la vida humana. Nosotros tratamos no cuerpos, sino personas. No soy fundamentalista.

–¿Es científico o no ese método?Hay que demostrarlo vía experimental. Caso contrario queda en una creencia irracional.Lo espiritual es relativo, lo científico es universal.Hay solo 3 países en el mundo que la reconocen como oficial. En cuanto a la Antroposofía, he realizado una investigación sobre el charlatán de feria de Rudolf Steiner (“Pedagogía Waldorf y Colegios Embrujados”/ Ver artículo:https://periodicotribuna.com.ar/3948-pseudociencia-y-educacion.html)

–Creo que es una herramienta muy valiosa la osteopatía. Creo en la complementariedad de las disciplinas. No hay que cerrarse a nada. Hay que buscar la parte interdisciplinaria. ¿Qué es lo básico al estudiar de un médico o profesional en su carrera?

–Hay otras pseudociencias símil a la osteopatía, Ej.: la Reflexología. Pero al menos – yo, asumido fetichista– me fascina el erotismo de masajear unos piecitos de hermosas féminas (risas).

–No, eso es una chantada (risas).

–¿Por qué siempre el chanta es el otro? (risas).

Agradecimiento: Teatro Picadero, Pasaje Enrique Santos Discépolo 1857, CABA. Tel.: 5199-5793 / E-mail: info@teatropicadero.com.ar

Más Info: www.venialteatro.org

Asociación Argentina de Empresarios Teatrales y Musicales

info@aadet.org.ar

 Texto /Fotos:Gustavo Contarelli

Especial para Tribuna de Periodistas

Es evidente que las últimas elecciones han tenido un claro ganador. ¿Pero qué sucede con el electorado que no logró seducir la Alianza Cambiemos? ¿Hay una demanda social de un liderazgo alternativo al Macrismo? ¿Esa oposición tiene un representante definido por la sociedad? ¿Cuál es el escenario del Gobierno de ahora en más?¿En qué lugar quedó Cristina Fernández de Kirchner (CFK) y hacia dónde espera la sociedad que vaya? ¿Qué pasará con sus votantes? Y finalmente, ¿qué rol podría tener el Peronismo a futuro?

Un reciente estudio del Centro de Análisis e Investigación de Taquion / UAIy3 trespuntozero, arroja interesantes datos a la hora de pensar y visualizar el escenario político post elecciones legislativas de Octubre. Del informe “Tiempo de Oposición” extraemos las conclusiones:     

–El 24.1 % de los votantes de CFK piensan en buscar alguna alternativa para la próxima elección dados los resultados de Unidad Ciudadana (UC) en el último comicios.

–El 73.1 % de los votantes de Cambiemos, declara que se volverá más exigente a la hora de auditar la gestión del Gobierno; así el 73.4 % le exigirá mayores resultados, ya que considera que la última elección, fue para ayudarlo a liberarse del pasado y no para darle un cheque en blanco.

–Una advertencia al partido de oposición: El Peronismo es considerado como algo negativo en un 40 % de la sociedad.Expresiones como “asociación ilícita”, “robo”, “agresión”, “decadencia” yacen en el vocabulario de los consultados. Sólo el 34 % tuvo miradas positivas (soberanía, pueblo, libertad).

Por otra parte, el sector que peor imagen tiene es la base de votantes de Sergio Massa con un 39.6% de reacciones negativas.

–La imagen de los dirigentes de Cambiemos (sus distintas espadas políticas), está en un pico histórico, que deberá traducirse en acciones. El 52.1% de la sociedad cree que el país evolucionó desde que asumió Mauricio Macri. Sin embargo, no todos lo votaron. Macri tiene hoy una imagen positiva en la provincia de Buenos Aires de 57.1%, sólo superada por María Eugenia Vidal con un 67.6%.La ex presidenta ha bajado a 36.4% su imagen positiva. Por otra parte, Sergio Massa tiene un 44.19% y Florencio Randazzo un 45.2%.

–Para concluir, el 46.4% declara que la última elección le produjo reacciones positivas (alegría, esperanza, satisfacción, etc.), frente a un 24% que dijo que le generó sensaciones negativas (tristeza, bronca, angustia, etc.). La alegría, expresada como una consecuencia positiva.

 Gustavo Contarelli

Ficha Técnica / Artística:

Título original: Hipermnesia.

Dramaturgia y Dirección: Diego Gómez Croci / Supervisión dramatúrgica: Javier Daulte– Género: Comedia, Fantástico.

Reparto: Diego Rivas, Carolina Barrera, Hermes Molaro, Germán Montenero, Cecilia Antuña, Raúl Arrúa, Valeria Olivero y Hernán Sebastiani.

Escenografía y Vestuario:Florencia Huergo.

Iluminación y Sonido: Diego Rivas–Prensa y RR.PP.: Alfredo Monserrat / www.alfredomonserrat.com.ar–Fotografía: José Araujo, Lara Crespo.

Teatro: Sala Kowalski, Club de Cultura. Billinghurst 835, CABA / Tel.: 2060 -6493 – Costo localidades: desde $ 180.- Reservas: 11-6249-2415.

País: Argentina – Año: 2017– Duración:85min. – Funciones: viernes 21 Hs.

El cineasta y teatrista Diego G. Croci (“Cruzado”, 2010), cierra su trilogía conceptual con“Hipermnesia”.Una comedia psicológicaque tiene en “Amnesia –corte al bies” su inspiración.Es la historia, la crónica de esa capacidad humana de recordar y evocar muy superior al resto de los individuos. La pieza es un claro ejemplo que con pocos recursos se puede hacer teatro de calidad. El circuito alternativo (no comercial), si es bueno, dos veces bueno. Como en el thriller cinematográfico, el teatro fronterizo tiene su encanto en la prosa y su lírica. Realidad y ficción, como expresión de lo emergente, de lo que se escapa de las manos. No es poco.

Argumento de la obra. Alex (Diego Rivas), es un adolescente tardío de 35 años, con todo lo que ello conlleva. Vive con su madre (Cecilia Antuña), una mujer encantadora pero sobreprotectora a tiempo completo. La relación tan visceral que mantiene con ella, sumado a los síntomas de hipermnesia que padece, su mundo y la obsesión por triunfar como actor,lo mantienen en un laberinto sin salida. El devenir constante de hechos vividos a su mente desde los 11 años, lo han saturado al punto de pensar en el suicidio. Su vida y un cortometraje (la realidad y la ficción) – escrito y protagonizado por sus amigos (Carolina Barrera, Hermes Molaro, Germán Montenero, Raúl Arrúa, Valeria Olivero y Hernán Sebastiani) – se mezclan en el vórtice del tiempo. La obra juega con el espectador que verá la resolución sobre las visiones / manifestaciones de su propio enfermedad, o la abducción de otras experiencias sensoriales. Todo puede ser...

El texto trabaja desde el primer acto en decodificar el trastorno neurológico de Alex: Hipermnesia. Una patología extraña donde los sujetos recuerdan hechos autobiográficos (principalmente), asociados en general a personas obsesivas. Es un fenómeno infrecuente, con pocos casos registrados. Este hecho de exceso de memoria, tiene sus beneficios pero también sus problemas: dela curiosidad propia, del entorno, y el morbo lógico que despierta.El guiónesuna cronicación de hechos acompañados de la dinámica sin fin de salida y entrada de actores a escena. El lenguaje cruza la bioética (eutanasia activa); de guiños a la gastronomía porteña (comer milanesa con puré y kétchup), o la leche chocolatada que la mamá le prepara a su hijo Alex como si fuera un púber. La imagen doméstica: “dejame tomar la chocolatada en paz”, expresa un azorado protagonista a su madre metida. ¡Esos problemas no resueltos en la relación madre-hijo! Con todo, son dos las tensiones sobre tablas: el trastorno de supermemoria y un adolescente eterno que culpando al exterior, no asume sus propios fracasos.

La escenoplástica (diseño del espacio escénico integrando los objetos visuales)deFlorencia Huergo, es de ponderación. Una narración espacial inteligente, que mete al público en el juego del teatro: drama, comedia y el tamiz fantástico, con montajes que mutan mediante separadores sui géneris. Incluso hay tiempo para las órdenes del iluminador: ¡Apagón!A todo esto, ¿qué pensará la platea si lo fantástico es un encuentro del tercer tipo con acento guaraní? Son momentos de incertidumbre y comedia hilarante que hacen las delicias de la estética visual. Para tal fin, se instalan conceptos científicos y de ficción: exobiología y cruza genética interestelar. Para pensar el hecho artístico que divierte, seduce y condensa una narrativa llana y convincente.

Acto final. El Rendezvous – como llaman los cineastas franceses a esa cita o encuentro entre el autor, los artistas y el público – donde la emoción quiebra los sentidos y la obra cumple su cometido: entretener, tensionar, y sensibilizar. Así, el Réggiseur nos propone navegar en las profundidades de la mente humana, la realidad y la ficción, en la encrucijada del pensamiento y el espacio. ¿Qué no es posible? Todo es posible en el reinado de la mente, todo es posible en la dimensión de “Hipermnesia”.

La retórica borderline del puestista yRéggiseur Diego Croci. Una comedia con relieves exobiológicos, expresada en el encanto y la belleza de Carolina Barrera, que seduce al más escéptico racionalista.

Gustavo Contarelli

 Puntaje de la obra de teatro: 4 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Diego Rivas 4 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

“La Asociación Argentina de Actores es uno de los sindicatos más antiguos del país. Desde hace 95 años, se ocupa de la defensa de los derechos de los actores.” Así se presenta el Institucional de la ONG de los actores. Allende la prosa que la legitima, al bucear por su portal de internet se revela la usencia de políticas de lucha por un salario digno, la capacitación permanente y el bienestar de la familia de los artistas. Todo lo contrario, su actividad es «un manifiesto ideológico K». Lejos de lograr la unidad en de la diversidad de pensamiento, el kirchnerismo duro profundizó la grieta de los artistas llevado su encono a una triste mascarada: se valió de la industria del Arte / Entertainment & Business como instrumento de su batalla cultural.

Ahora –en su portal– pende como un retrato el curioso comunicado que describe de cuerpo entero el proceso ideológico asumido como letanía. Titulado: “Víctor Hugo Morales, solidaridad en defensa propia”, expresa su indignación por el despido del periodista de C5N tildándolo de censura y proscripción. Entre otros conceptos señala: “La línea editorial de los nuevos dueños de C5N no admite la presencia de Víctor Hugo”... “huele demasiado a censura y proscripción”. Pero no se queda ahí, redobla la apuesta y arremete contra la supuesta mala gestión del actual Gobierno, poniendo hechos diferentes en el mismo contexto, ardid del radicalismo político: “La AAA se solidariza con Víctor Hugo Morales, es decir: con los jubilados, con los despedidos y desocupados, con los trabajadoresamenazados por la reforma laboral, con los abogados laboralistas estigmatizados, con los que reclaman la emergencia alimentaria, con los que sufren la falta de respeto a los Derechos Humanos.” (1).

En la solicitada victimiza al Relator del Relato y se victimiza como institución gremial. (2) El viejo truco de los que antes pregonaban como inquisidores, hoy, se sienten perseguidos por ese poder inquisidor. Los que ayer callaban cuando no se contrataban actores disidentes al régimen kirchnerista, esgrimen argumentos de proscripción y censura aquí y ahora. Me he referido en otras ocasiones a las andanzas de los artistas genuflexos K y la TV basura. Que quede bien claro: el objeto de estudio del periodismo es la información. Muy diferente a la impostura intelectual de la propaganda política. El señor Morales no aporta casuística de la teoría de la comunicación, es un vocero propagandístico a sueldo. La figura retórica de complementar una palabra seguida de un opuesto (en una sola expresión), se llama oxímoron. El bautizado “periodismo militante” es un oxímoron: expresión por oposición. En ciencia, no se define por oposición. Es el conocido principio de inclusión en la teoría científica.

La postura verticalista y acrítica de la Asociación de Actores, hay que rastrearla en sus dirigentes de clara alineación a un proyecto político que ya no gobierna. Así, es el título de “Solidaridad en defensa propia”. Si todavía el desprevenido lector no entiende lo que se juega, la siguiente anécdota resume la natural alcahuetería de la Iglesia Kirchnerista: Recuerdo que al concluir la obra de teatro “Edipo Rey”la actriz Alejandra Darín –a la sazón presidente/a de la Asociación Argentina de Actores– hizo su acting declamatorio en el saludo final del elenco: “No nos olvidemos de Santiago Maldonado, aparición con vida” (eran tiempos de incertidumbre del malogrado mapuche). ¡Sí, también la actriz manipuló políticamente dicho caso! Al menos, me quedó el consuelo de una señora cuerda sentada a mi lado en la platea que exclamó a su amiga: “¡Viste...es la hermana de Darín (Ricardo)! ¿Cómo se nota que es una kirchnerista desubicada, hablar de política acá?” Algunos se hacen los distraídos y confunden el hecho artístico con el anarquismo ideológico. El “todo vale” no es un plano de dramaturgia, es un protagónico del antisistema que atrasa. El espacio escénico no es una unidad básica para falsificar la cultura. El espacio escénico es Arte.

Con todo, las empresas privadas tienen el derecho asistido a prescindir de los servicios de sus empleados, previo indemnización legal. No son sociedades de beneficencia. ¿Por qué será que algunos actores y comunicadores, creen que su trabajo no está regido por las mismas leyes del mercado laboral como en toda la sociedad? ¿No pueden trabajar de otra cosa cuando no consiguen empleo en su rubro? Como lúcidamente refutó esta farsa ideológica el coreógrafo y teatrista Aníbal Pachano: “Desde la cabeza de la Asociación Argentina de Actores para abajo son todos kirchneristas. Alejandra Darín y compañía. Sólo le interesa cobrar la platita, no los artistas de variedades; La AAA es un sindicato que tiene que respaldar a todos los actores, sean del partido que sean y no tiene que meterse en mi pensamiento porque eso sí que es grave. El sindicato de actores es un partido político K” (3).

Foto: Logia de actores K “aplaudidores” del modelo populista. Eran otros tiempos de bonanza ideológica y negocios. La Asociación Argentina de Actores y su claro compromiso con el populismo kirchnerista. ¿Acaso los sindicatos no deben defender a todos sus miembros sin importar su pensamiento? La grieta política continúa y se retroalimenta.

Gustavo Contarelli

Ficha Técnica / Artística:

Título  original: I.D.I.O.T.A 

Dramaturgia:Jordi Casanovas.

Adaptacióny Dirección: Daniel Veronese –Género: Comedia.

Reparto: Luis Machín, María José Gabin.

Asistente de Dirección y Stage Manager: Gonzalo Martínez.

Productor General: Sebastián Blutrach. 

Escenografía: Jorge Ferrari–Vestuario:Daniela Dearti.

Iluminación: Marcelo Cuervo –Prensa y RR.PP.: SMW Asesores de Prensa.

Fotografía: Alejandra López –Op. Video y sonido: Mariano Luna.

Teatro: Picadero. Pasaje Enrique S. Discépolo 1857, a metros de Calle Corrientes / CABA –Costo localidades: desde $ 350 –País: Argentina.

Año: 2017 –Duración:80min. –Funciones: jueves a domingos 20.30 hs.

El dramaturgo catalán  Jordi Casanovas desembarca en el teatro Picadero con una comedia negra de autor: I.D.I.O.T.A. Estrenada en 2014 en España, la obra relaciona crisis económica-social, con el control y vigilancia de los ciudadanos por parte de los Estados. ¿Hasta dónde es posible soportar para ganar dinero y salir de los problemas? Las dificultades generan nuevas  oportunidades, nuevas búsquedas y una constante universal: el sistema panóptico de control que asedia como fin del nuevo orden social y político. Una comedia sobre los límites de la razón, la tolerancia y los sistemas democráticos de custodia en discusión.

Argumento. Carlos Varela (Luis Machín) se presenta a una entrevista laboral. Debe sortear innumerables pruebas psicológicas y de entendimiento. Lo que él piensa que será una manera fácil y sencilla de conseguir  dinero –que necesita para resolver sus problemas económicos – se convertirá en una auténtica pesadilla de la mano de una atractiva psicóloga (María José Gabin), quien, a través de preguntas y enigmas, le obligarán a dar lo mejor de su intelecto si desea no sucumbir en el intento.

I.D.I.O.T.A. es una sigla y también una calificación. Es un acrónimo. En este caso es el título de una obra de teatro y la referencia  al individuo tonto y poco inteligente. La pieza  nos mira de reojo y pide que ponernos en el lugar de ese reconocible personaje y  su circunstancia. El objetivo de la obra  es saber qué deben hacer los ciudadanos para dejar de ser considerados idiotas. Son esas acciones que lo corporizan de cuerpo entero y estigmatizan como un ser vacío e improductivo. La obra – fiel estilo del catalán Jordi – se presenta cerrada y sin posibilidades de intervenciones exóticas.

Con la adaptación y dirección de  Daniel Veronese– quien logra desde la puesta en escena – la atmósfera de experimentación en un test que en definitiva es de opinión pública. Dos sillones y paredes con pasadizos secretos, despuntan los avances tecnocientíficos para recabar información sobre el control moral de los ciudadanos. Bajo la fachada de una fundación y la inocua reclutadora de recursos humanos, lo jugado se presenta con éxito en la construcción del verosímil. ¿Experimentación sobre tolerancia al dolor corporal y psicológico? ¿Cuáles son los límites de un “busca” que desea zafar de su mediocridad a cualquier precio?¿Las miserias humanas al descubierto? Cuestiones que se irán develando con el correr del thriller psicológico al mejor estilo del inolvidable Rod Serling, en su “Dimensión Desconocida” (The Twilight Zone).

El filósofo inglés Jeremy Bentham (1748 -1832), padre del utilitarismo, acuñó los vocablos “Deontología” y “Panóptico”. Ambas son obras literarias de enorme influencia en el mundo del trabajo moderno. Es la sociedad panóptica lo que se juega en el espacio escénico como hecho creativo. El panóptico es el control social y moral de los ciudadanos;  la vigilancia y el dominio sin percepción de ese dispositivo de control. Aquí y ahora, hay millones de cámaras, satélites y diversos sistemas de espionajes, erigidos como normal práctica de los Estados Modernos. Sin importar ideologías, tanto regímenes socialistas democráticos, comunofascistas, capitalistas, liberales, todos son objetos de vigilancia y control del poder político.

Los protagónicos de  Luis Machín y María José Gabin cumplen con creces el rol de la puesta. Machín, camina y se ubica en el espacio escénico con gran expertez y consistencia. Pasa del drama a la comedia indubitable. Imprimen ambos una dinámica sin respiro. Casi no hay fuera de campo escénico. El poder declamativo, la construcción gestual aporta a la resolución e impacto de la comedia. Su personaje es un montaje del ser “sanatero”, verborrágico sin fin. Hace la gran Fidel Pintos, y la platea de parabienes. Es un espécimen que se cree inteligente, superador, pero las evidencias lo retratan  como un “boludo”. Al tiempo que Gabin, recorre como partenaire una aceitada empatía que trasciende el cuadro. Un vestuario impecable, más sonidos y efectos especiales,  asocian y potencian al drama en curso.

La escenoplástica (diseño del espacio escénico integrando los objetos visuales)deJorge Ferrari, es ponderable. Una narración espacial inteligente que mete al público en el juego del teatro: drama, comedia y el tamiz  del thriller  que no da respiro.  Casanovas nos regala una moraleja que interpela: ¿Son las crisis sin fin de las sociedades modernas objetos de sus propios estudios?¿O es a partir de las necesidades económicas-sociales de sus individuos,  las que disparan los estudios de opinión pública independientes del hecho primordial?

 La prosa borderline del RéggiseurDaniel Veronese. ¿Son las crisis sin fin de las sociedades modernas objetos de sus propios estudios? Es la sociedad panóptica lo que se juega en el espacio escénico como hecho creativo. 

Gustavo Contarelli

Puntaje de la obra de teatro: 4 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Luis Machín 5 Tribunas

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima 

El avance del conocimiento científico y su aplicación en la comunicación, dan como resultado mediciones confiables dentro del complicado mundo de las ciencias sociales. El problema central es que el objeto de estudio de las ciencias blandas es móvil, con variaciones frecuentes, mientras que las ciencias duras, no. Hecha la advertencia, analicemos los dos últimos estudios de opinión pública. El primero, relacionado alsubmarino ARA San Juan,la Armada, el Gobierno y el manejo de la tragedia en términos políticos y comunicacionales. El otro, correspondiente al caso Maldonado yla re-evaluación de la sociedad post necropsia y el dictamen definitivo–por parte de la ciencia médica –sobre las razones de su muerte.

El siguiente, es el resumen del estudio del Centro de Análisis e Investigación de Taquion / UAIy3 trespuntozero, que confronta los límites de la confianza y las convicciones políticas. Deja en evidencia que no sólo es muy difícil convencer a la sociedad de algo de lo que la sociedad no está convencida, sino que también demuestra la incapacidad de rectificación de posturas cuando se ha tomado posiciones dogmáticas en determinados temas:

Caso submarino ARA San Juan

-Lo primero que llama la atención del estudio es que, a pesar de la información oficial, el 41.4% de la población considera que la Armada sabía desde un primer momento lo que sucedió con el submarino desaparecido. Eso habla de la desconfianza a los relatos oficiales y la información que la sociedad percibe. Además de esto, el 63% de la gente cree que esta información debería habérsele transmitido a los familiares de los tripulantes desde el primer momento y no esperar más.

-El Gobierno, por ahora, no recibe un gran impacto general en su imagen respecto a lo sucedido con el submarino. A nivel general, mantiene una imagen positiva del 55% y la población considera que debe pedirle la renuncia al Ministro de Defensa, Oscar Aguad, antes que descabezar a la cúpula de la Armada.

-También en esta línea, sólo el 20% considera que el Gobierno invierte lo suficiente en las Fuerzas Armadas, dejando en evidencia que critica su gestión en el área pero que todavía no impacta en su imagen general de gestión.

-A pesar de algunos números favorables, el 55% de la sociedad evalúa negativamente la política de comunicación del Gobierno, mientras que el 20% cree que es el máximo responsable de la tragedia del submarino, frente a un 19.7% que cree que es la armada. Por último, solo el 19.1% de la población se siente segura ante un ataque militar de otra nación.

Caso Santiago Maldonado (Post necropsia)

-En el evento Santiago Maldonado encontramos algunos datos interesantes que reflejan la incapacidad de reconocimiento de la sociedad de algunos temas que contradigan sus preconceptos a pesar de que todos los indicios demuestren lo contrario. Sólo el 20% de la población dijo que tras la autopsia reevaluó su posición respecto de lo que opinaba del caso, siendo que casi el 70% consideraba que lo habían desaparecido los mapuches, la Gendarmería o que estaba en Chile. La base de votantes de Massa, Randazzo y Pitrola, es la que demostró más proclive a reevaluar su opinión si las pruebas demostraban lo contrario, siendo que quienes se encontraban de un lado y otro de la grieta admitían esta posibilidad en un porcentaje mínimo.

-Así como se confirmó en relevamientos anteriores, más de la mitad de la población sigue considerando que los gendarmes deberían haber sido separados inmediatamente al producirse los primeros informes de la desaparición.

La desconfianza del sistema

-A pesar de lo realizado por la oposición, el Gobierno y los Organismos de Derechos Humanos, un20% de la población cree que ninguna de las tres partes colaboró para la resolución del caso, siendo el gobierno quién posteriormente a la aparición del cuerpo capitaliza un 37% de imagen positiva en este aspecto. Una vez más, y a través de estos casos, encontramos que la opinión pública no es permeable a manejos discrecionales y tiene su propia voz: a veces más terca de lo que puede suponerse a primera vista. 

 El 41.4% de la población considera que la Armada sabía desde un primer momento lo que sucedió con el submarino desaparecido. Post tragedia, el Gobiernomantiene una imagen positiva del 55%.

Gustavo Contarelli

Una historia, un secreto, un duelo, del dramaturgo español Juan Carlos Rubio, llega a Mar del Plata de la mano del director Gastón Marioni. Con Miguel Jordán y Mariano Fernández, la cita es en el Teatro Auditorium (Centro Provincial de las Artes), Boulevard Marítimo 2280. Cuenta una historia sencilla, bella y profunda. La irónica y sutil interpelación a nosotros mismos, a nuestras verdades, a nuestras creencias y mitos sobre el amor.

Funciones: sábados de enero y febrero, 21 Hs. Debut: 06 /01/2018. Info:http://programacionauditorium.blogspot.com.ar/Tel.: 493-7786 interno 222.

La clásica serie de televisión The X-Files (Los Expedientes Secretos X), regresó este miércoles 3 de enero de 2018 a la cadena Fox (22 hs.) con una nueva temporada de diez episodios, protagonizada por los míticos David Duchovny y Gillian Anderson. “Personajes icónicos, una gran narrativa, creadores atrevidos…

Son sellos distintivos de una gran serie de televisión” / Son algunas de las razones por las que la serie ha tenido un impacto tan profundo en millones de fans en todo el mundo”, dijo David Madden, presidente de Fox Broadcasting Company.

“La creatividad de Chris, junto al brillante trabajo de David y Gillian, continúan propulsando este fenómeno de la cultura popular, y estamos deseando ver los nuevos misterios que investigarán Mulder y Scully”, concluyó. La apuesta de Fox por la serie en 2016 cerró con una audiencia media de 16 millones de espectadores. Nada mal para una historia iniciada allá en septiembre 1993 y, a lo largo de sus nueve temporadas iniciales, se llevó un total de 16 premios Emmy.

En la nueva estrategia de mercado, reducen la cantidad de capítulos a cambio de mayor presupuesto y calidad en los envíos. Dejan a la audiencia expectante y ansiosa de más dosis, no canibalizan el producto audiovisual. El nuevo envío contará una vez más con el creador de la exitosa serie, el californiano Chris Carter, como productor ejecutivo. La historia transmitida de 1993 a 2002, tuvo su merecido descanso y regresó en 2016 con seis episodios. Hoy, son diez las sesiones para consumir relatos de teorías conspirativas que involucran al Gobierno, epidemias de virus incontrolables, mitología urbana, sucesos extraterrestres y paranormales, que se abren a nuestra imaginación. Son las virtudes al considerar la mayor influencia de la serie en cuanto a su atmósfera oscura y sus frecuentes mezclas de drama e ironía. Fox Mulder y Dana Scully como las máscaras queribles que se enfrentan a un mundo de enigmas sembrado de personajes enajenados. Un éxito de culto de la ciencia ficción. La pareja es muy peculiar: un psicólogo y su visión de: "I Want to Believe" ("Quiero creer"), una doctora forense escéptica. ¿Y las evidencias de los casos? La verdad sigue estando ahíafuera...

Walter Skinner y “El Fumador”. Personajes misteriosos del ayer que llenaron de nostalgia la renovada serie. Es la apuesta de los 10 nuevos episodios de la temporada número 11.

Un fenómeno cultural: pasó de ser un programa de ciencia ficción a un gran éxito mundial. Los agentes del FBI Mulder y Scully y su tensión sexual no resuelta para diletantes fetichistas ¡Touché!

Gustavo Contarelli

Fuente oficial FOX:

https://foxplay.com/ar/show/FNGTVSeriesP5378?utm_source=google&utm_medium=cpc&utm_content=ar_cf_texto_expedientes-secretos-x_na&utm_campaign=xfiles

Los cierres de año se asocian a tiempos de balances, proyectos y cambio. Atrás quedan los sinsabores, las experiencias, y se abren expectativas. El planteo no es ajeno al mundo de los medios de comunicación social. Parecería ser un signo de estos tiempos, no respetar la trayectoria de los profesionales que prestigian a las empresas de noticias. No es la tendencia. Es el caso de la reconocida y encantadora locutora-animadora Florencia Ibáñez. “Floppy”, ponderada como una celebridad dentro de radio Continental, fue presa de esta lógica de los mercados de la información. La prima del prestigioso conductor “Pancho” Ibáñez, ha sido desvinculada de la emisora luego de 27 temporadas. Ahora, con un pie en AM 990 Splendid, Tribuna de Periodistas dialogó sobre su estado contractual y experiencias. La galardonada en cuatro oportunidades con el Premio Martín Fierro por su destacada labor, responde con la gentileza y dulzura que la caracteriza:

-¿Cómo fueron sus comienzos ¿Y sus referentes en el medio?

-A principios de la década del 90 (un poco antes), recorriendo radios, muy feliz, debuté justamente en radio Splendid, pasé por Del Plata, hasta que quedé fija en radio Clásica, donde fui jefa de Locutores varios años. Finalmente con Rolando Hanglin comencé en radio Continental. Estuvimos muchos años juntos, haciendo «El gato y el zorro»y «RH Positivo», fueron 12 años con “Lani”. Mi referente en el medio es Graciela Mancuso. Me encantaba escuchar a Graciela con Juan Alberto Badía.

-¿Por qué la desvincularon de Continental, si su programa medía bien?

-No tengo idea. Me despidieron sin causa, Me gustaría saberlo. No se si fue por ideología o por capricho de alguien. El programa media mucho y estaba todo bien. Sigo estando orgullosa. Tendría que tener un programa con un lugar en la radio, de pensamiento y linda música, recuperando nuestra identidad. Esto me obliga a salir del lugar de confort y buscar un lugar donde sea querida. Me llamaron para decirme que tenían ideas para el 2018, y cuando llegué me esperaban ¡un abogado y un escribano! Así estamos, Gustavo. Pero peor es en África, que no tienen agua (risas). Ahora, es muy probable que a partir de marzo empiece en radio Splendid. Igual falta cerrar. Pero va por ahí. Acompañaría a Jorge García, periodista de la primera mañana y tendría un espacio propio los sábados.

-¿Qué sucede con la carrera del locutor? ¿Antes, ascendían para animadores y muchos tenían formación y cultura? EJ.: Silvio Soldán, Hugo Guerrero Marthineitz, Juan Alberto Badía, Orlando Marconi, Pancho Ibáñez, la élite de “locutores ilustrados”.

-Estamos en una época globalizada cada día más, de modo que la idea es manejarnos con poca identidad. Estamos agrupadísimos en el mundo. La cultura no es lo más importante en los medios, sino lo que vende, lo que es funcional a un modelo, a un sistema. Responde a gustos de las discográficas, a los negocios. El dinero es lo que manda. No hay de esos “grandes valores” – como diría justo un grande, como Soldán – (risas). Somos funcionales. Somos números que tenemos que rendir y dar dinero.

-¿Qué programa le gustaría hacer, su entelequia radial?

-Es muy parecido al que estaba haciendo hasta ahora por Continental. En el que uno pone su persona, con sus pensamientos, y escuchando al otro en el que se registra a la gente de verdad, en definitiva todos nos pasa las mismas cosas. Que aporte a la gente. Sueño con volver a realizar un programa como ese.

Florencia Ibáñez con su mascota «Lennon» Un Cocker Spaniel rubio: “Se fue al cielo; lo amaba, lo extraño mucho”. Noble manera de rendirle homenaje a un ser amado que la acompañó en su vida. 

 Gustavo Contarelli

Ficha Técnica / Artística:

Título  original:¡Justo esta Noche!

Dramaturgia y Dirección General:Nicolás Yannicelli  –Género: Comedia.

Reparto: Thiago Batistuta, Micaela Lapegue, Antonella Lagamba, Mumy de los Ríos, Nicolás Figueroa, Lucas Rivas –Productor General: Perspectiva Producciones–Prensa y RR.PP.: Tommy Pashkus Agencia.

Fotos y Diseño Gráfico: Estudio F.–Sala: Teatro Ludé. Montevideo 842 / CABA / Teléfono: 011 4811-6086 –Año: 2018 –Duración:80min. Funciones: sábados23 hs. –Estreno:sábado 20 de enero a las 23 hs.

¡Justo esta Noche! llega al Teatro Ludé. De la mano de Perspectiva Producciones y protagonizada por Thiago Batistuta, Micaela Lapegue, Antonella Lagamba, Mumy de los Ríos, Nicolás Figueroa y Lucas Rivas, la comedia del verano, será parte de la cartelera porteña y se presentará todos los sábados en el Teatro Ludé (Montevideo 842).

Cada función contará con la participación de destacadas figuras: Axel, Tripa, Nico Maikes, Rodrigo Noya, Miguel Ángel Rodríguez, Tomás Fonzi, “el Puma” Goity, Juan Darthés, Sergio Lapegue, Carla Conte, entre otros. Ellos serán los vehículos a través de los cuales ser realizarán iniciativas solidarias, organizadas y avaladas por Lado H, con las siguientes ONGs: Sur Solidario, Sonrisas, Pilares de Esperanza, Conceptos Sencillos, Fundación Si, etc. El concepto del arte y el entretenimiento para generar conciencia social sobre cómo ayudar a quienes más lo necesitan.

Argumento: En una historia coral, dos compañeros de cuarto planean la noche de sus vidas… hasta que se dan cuenta que lo hicieron justo la misma noche. Y para colmo, el vecino les propone alquilar su departamento… ¡Justo esta Noche! Ellos sin plata y con las mujeres de su vida por venir, se embarcan en una aventura llena de delirios y situaciones cambiantes, cuando descubrimos que las tres mujeres que los visitan, se conocen entre sí y tienen un plan entre manos. Una comedia de enredos para reír a carcajadas y a la vez reflexionar sobre la amistad, la familia y como el amor puede cambiarte la vida.

 
La prosa convocante del talentoso Nicolás Yannicelli, recrea una comedia chispeante con garantía de buen espectáculo.  Arte y  entretenimiento, para generar conciencia social sobre cómo ayudar a quienes más lo necesitan.

Página facebook: https://www.facebook.com/Justo-esta-Noche-1182306058537980/

Gustavo Contarelli

Ficha Técnica / Artística

Título para Latinoamérica: El Gran Showman.

Título original: The Greatest Showman– Dirección:Michael Gracey.

Guión: Bill Condon, Jenny Bicks– Género: Comedia musical /Melodrama.Apta para todo público – Productor: Hugh Jackman.

Reparto: Hugh Jackman, Rebecca Ferguson, Zac Efron, Michelle Williams, Zendaya, Diahann Carroll, Paul Sparks, Fredric Lehne – Distribución: 20th Century Fox – Música: Benj Pasek, Justin Paul – Montaje: Joe Hutshing.

Productora: Twentieth Century Fox Film Corporation, Chernin Entertainment.

Fotografía: Seamus McGarvey – País: EE.UU. – Año de producción: 2017. Estreno: 28/12/2017 –Duración:105min.

El film, es la historia del creador del marketing del entretenimiento que signó el espectáculo hasta nuestros días. Una deliciosa comedia musical que recrea en clave melodramática, una vida, una pasión y el amor que vence los sinsabores del escarnio. El Biopic musical sobre Phineas Taylor Barnum (1810-1891) es la ópera prima de Michael Gracey, con el protagónico de Hugh Jackman (Los Miserables, 2012) en la epidermis del showman.Completan el reparto Rebecca Ferguson (La Chica del tren,2016), Zac Efron (Malditos vecinos 2 / 2016), Michelle Williams (Mi semana con Marilyn, 2011) y la actriz y cantante Zendaya.

Argumento. Estados Unidos, siglo XIX. “El Gran Showmam” es una comedia musical que celebra el nacimiento del concepto: Entertainment & Business. La azarosa vida del empresario circense Phineas T. Barnum (Hugh Jackman), precursor del marketing del engaño como espectáculo popular. Un hombre que se hizo a sí mismo de la nada. Un audaz y buscavidas, que pasó a la fama mundial mediante sus puestas en escena de rarezas humanas explotando el lado bizarro, oscuro, de la condición humana. Barnum deseoso de ofrecer a su esposa Charity (Michelle Williams) y a sus dos hijas la vida que siempre les había prometido, se embarca en un proyecto colosal: crear un asombroso y único espectáculo circense. Para ello, buscará artistas únicos, desde enanos, a mujeres barbudas, equilibristas y toda clase de shows imaginativos. Su puesta fue considerada "El mayor espectáculo en la Tierra".

Tras la excusa narrativa del entretenimiento y la presentación de supuestos fenómenos populares, esas rarezas / curiosidades pueden ser hoy explicadas por la ciencia. Ej.: la mujer barbuda (la hipertricosis) y miles de dotados más. Sin saberlo fue también el precursor de los reality shows. La marginalidad, el submundo de los desclasados, llevaron al empresario circense en ser un motivador de esas deformaciones como propias y únicas en su especie. De ahí el éxito y su público. Los prejuicios de una sociedad, inmune a lo diferente, y el morbo que coexisten dentro del mismo cerebro del hombre urbano. Es la dialéctica de la condición humana. Con todo, el guión está sembrado de un nivel axiológico del lenguaje: valores clásicos como la familia, el amor y la amistad. Es un canto a estos valores.

No es un Biopic tradicional. Toma parte de la fantástica vida de Barnum y la describe con música y baile. Una estética que está en alza en Hollywood, símil La La Land, (2017) La partitura musical (Benj Pasek, Justin Paul) y las coreografías son tan explosivas que se disfruta de principio a fin, sobre todo para los amantes del género. Hugh Jackman brilla en el espacio escénico. Es superador. Su expertez trasciende el relato. Secundado por los talentos de Michelle Williams, Rebecca Ferguson o Zendaya. Completa el cuadro, Zac Efron, en otro registro interpretativo, pero que condensa sus aptitudes. Como dicen los norteamericanos, es un feel-good movie (“una película que te hace sentir bien”). El espectador guarda esa impresión al salir de la sala. Todo cierra a los ojos del diletante del romanticismo y la lucha. Una asociación muy rendidora en el entretenimiento audiovisual.

Conclusión. El espectáculo circense culmina. Con sendas nominaciones que nutren su palmarés (2017: Globos de Oro: Mejor canción original (This is Me). 3 nominaciones / Critics Choice Awards: Nominada a Mejor canción,) la película tiene motivaciones tan diferentes para cerrar con éxito su paso por las salas: los que disfrutan de los musicales y el melodrama, esa manera tan sutil de decir y expresar sentimientos – y aquellos – que buscamos siempre más, generar conciencia en el estudio del llamado«Efecto Barnum» Una técnica psicológica que permite explicar la trampa de aquellos charlatanes que pretenden hacer creer, que los poderes sobrenaturales existen y estafan en su intento. Como sabiamente decía Phineas T. Barnum: “Nace un tonto cada 5 minutos”. Y a este tonto, hay que venderle algo... 

En el mundo se estudia el llamado «Efecto Barnum»o«Efecto Forer» (por el psicólogo Bertram Forer, que lo describió). Es la observación de que muchos individuos dan altos índices de acierto a descripciones de su personalidad que supuestamente se adaptan específicamente para ellos, pero en realidad son vagos y generalizados. El mismo nos puede dar las explicaciones de los charlatanes de las pseudociencias, que dan a los incautos clientes. EJ: la astrología, la clarividencia, el tarot, los horóscopos, la grafología y muchos disparates más. La llamada también “falacia de validación personal”, se centra en dos supuestos: a) Que la descripción dada sea importante, con especial énfasis en la proporción entre rasgos positivos y negativos. La descripción siempre debe ser vaga. b) Un factor importante es que el sujeto crea en la autoridad de la persona que está realizando la evaluación / test. (Es el llamado “principio de autoridad” / La autoridad no se equivoca, la apreciación del infeliz cliente, sí). Todo suma en el efecto de la validación subjetiva.

Gustavo Contarelli

Puntaje de la película: 5 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Hugh Jackman 5 Tribunas ¡Imponente!

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima

Ficha Técnica / Artística:

Título  original: La Lección de Anatomía.

Dramaturgia y coreografía:Carlos Mathus– Dirección: Antonio Leiva.

Género: Comedia / Drama–Asistente de Dirección: Luciano Heredia.

Reparto: Florencia Bario,Carlos Distéfano, Yamilla Gallione, Luciano Heredia, Marcos López, Alejandro Melgarejo, Paula Tedeschi.

Actores reemplazantes: Romina Gatti, Franco Kroll.

Iluminación: Lautaro Romano–Prensa y RR.PP.: CR&V Laura Calle Rodríguez –Música: Francisco  Caminos –Preparador físico: Daniel Bartra.

E-mail:lalecciondeanatomiaobra@gmail.com

Teatro: Buenos Aires. Rodríguez Peña 411 Esq. Av. Corrientes / CABA.

Costo localidades: desde $ 300.- Boletería: Tel: 5218-5214. País: Argentina.

Año: 2018 –Duración:80min. –Funciones: viernes23.00 hs.

El 19 de enero de 2018 se repuso en Calle Corrientes, “La Lección de Anatomía”, la mítica obrade Carlos Mathus (1938-2017),que supo transitar los escenarios y países más importantes del mundo. La pieza nació  el 2 de diciembre de 1972, en la ciudad de Buenos Aires, en el marco del Primer Congreso Mundial de Medicina Psicosomática. Desde entonces –la puesta–ha traccionado como semillero de artistas que desfilaron en esta singular escuela de lenguaje corporal todoterreno: Carlos Calvo, Daniel Fanego, Gustavo Garzón, Jorge Mayorano, Liliana Pécora, Alicia Aller, Claudio Gallardou, Susana Torales, Cecilia Cenci y Virginia Innocenti, etc. Su éxito traspasó el comentado  desnudo – como metáfora – quedando en la anécdota. Es fetichismo burgués, nada más. La conceptualización, los hechos, son el verdadero éxito a ponderar. Un singular hallazgo.

Celebrando el 45° aniversario,  una historia coral que explota a cada instante. Hoy no transitan los intríngulis de la censura de esos cuerpos desnudos, amados  por algunos y enjuiciados por otros.  La trama no rinde pleitesía al tabú de la genitalidad,  sino al temido acto de la confrontación de ideas y costumbres. Lo clásico, lo perenne, no es lo que muestran en plano de conjunto los actores en un montaje diegético (simbólico /abstracto), sino el poder y el fruto de las relaciones interpersonales. El mundo ha cambiado, la tecnología lo ha modificado, sin embargo, el humano es preso de las mismas emociones que subyacen en sus actos: el amor, la amistad, el poder, la codicia, el odio. Los duros años ‘70 del pasado  (presos de mitologías e ideologías oscurantistas), se resuelven en el aquí y ahora en parlamentos éticos y estéticos: «La batalla cultural».

Argumento.Asistimos al teatro de expresión corporal intensa. La puesta singular, la desnudez que intimida, como símbolo de despojo de los convencionalismos. La obra es una muestra / dosificada /  del ser humano y su lugar en la sociedad, del miedo a la muerte, la soledad, las frustraciones, los fracasos, la autodestrucción. Representada en nueve actos: La recuperación de los sentidos; La libertad del amor; la ética y formación de valores de una persona; La soledad; Yo estoy bien si ustedes están mal; La obligación del éxito, La justificación del fracaso: “Si no fuera por eso…”; El método para la autodestrucción y el reconocimiento del otro. En algún punto cada espectador se siente identificado por este protocolo de expresiones y gestos.

Como en la “Divina Comedia” del Dante, son varios géneros que se asocian y potencian en una sinergia teatral de autor: drama,  comedia, tragedia, grotesco, danza, baile, música y humor. Hasta los clisés populistas / costumbristas son de la partida. En una historia coral donde todos tienen la misma intensidad dramática,  destella por su carisma Carlos Distéfano: “El padre” – su personaje–  hace girar en torno a su figura y a su exquisito rol del actor. Su poder declamativo, los movimientos definidos con gran expertez y consistencia, lo trascienden del espacio escénico. Es el oficio del artista que está atento a los detalles de su composición y la de sus compañeros. Pasa del drama a la comedia indubitable. La crítica observa todos los planos (de conjunto) y Distéfano, siempre está jugando y recreando su arte superador.

La escenoplástica (diseño del espacio escénico integrando los objetos visuales) se pondera desde el campo diegético. No es un lugar físico determinado, tampoco una época. No hay coordenadas. Una narración espacial inteligente que mete al público en el juego del teatro. El montaje no remite a un espacio-tiempo, es metafísico. Ese no-lugar, es lo utopía de Mathus: un montaje ideológico,  más que una crítica social de época a una sociedad pacata. Cada actor representa varios personajes. Lo simbólico del desnudo, en una lectura frontal y transgresora de mitos urbanos. El juego de luces se utiliza como separadores de cada acto. La música incidental como demérito, si hay que buscar algún desvío. No aporta al progreso narrativo. Al cabo, es sólo un acto que precipita los siempre sugestivos cuerpos sin vestimenta. ¡Allí estamos...parece decir la naturaleza biologicista! ¿Machismo vs. Feminismo?... Es la no comprensión del otro y los convencionalismos de una historia sin final. Hoy, la modernidad, la ruptura, pasa por la confrontación visceral de la ética que nos acorrala y asfixia en algún momento. ¿Y los desnudos?...siempre hay lugar para las parafilias ontológicas y su circunstancia. Es atemporal, como la obra.

Una lección más que culmina. Alumnos y docentes del arte de la representación de parabienes. Para comprender el lenguaje estético en la puesta, la mirada deberá contemplar la provocación. La obra se ha aggiornado, hay guiños de autor que lo confirman. No obstante, el espíritu contestatario sigue fiel a postulados que hacen repensar la modernidad a la intemperie. En el Rendezvous, los cuerpos articulados como objetos de deseo,  se manifiestan ante el público: ¡Touché!

“«La Lección de  Anatomía» es dueña de un código propio. El público, sin proponérselo, entra a ese código y lo entiende sensiblemente, desde el primer momento. Si golpeamos fuerte al espectador lo hacemos para descubrir y poner en juego en él cosas internas, que a menudo se esconden”. (Carlos Mathus Dixit /1982).

La prosa borderline del dramaturgo Carlos Mathus. Rupturista y transgresora en origen, hoy es un espejo axiológico del potencial y el porvenir. Hecho creativo y expresión corporal intensa que conmueve. 

Gustavo Contarelli

Puntaje de la obra de teatro: 5 Tribunas

Puntaje actor protagónico: Carlos Distéfano 5 Tribunas ¡Imponente!

Referencias:

5 Tribunas:excelente /imperdible

4 Tribunas:muy buena

3 Tribunas:correcta / buena

2 Tribunas:regular

1 Tribunas: mala /pésima